Jean-Nicolas Diatkine

Pour leur union artistique célébrée au musée Jacquemart-André, dans le cadre de  la série de récitals fomentée par Autour du piano, Jean-Nicolas Diatkine et Estelle Revaz ont organisé leur concert au timing accessible à tous (1 h de musique) en plaçant en dernier l’œuvre la plus ambitieuse. En l’espèce, il s’agit de la Première sonate pour piano et violoncelle de Johannes Brahms, l’opus 38 en mi mineur. La sonate en trois mouvements est déséquilibrée, en partie parce qu’un adagio intégré au deuxième épisode a disparu – résultat, le premier mouvement pèse plus de la moitié du morceau, mais ce côté bancal sied au dynamisme imprévisible de l’œuvre qui, lui-même convient à la réactivité partagée entre

• rigueur,
• hauteur de vue et
• onirisme

dont font preuve les zozos sur le grill. Dans le prime allegro non troppo, Estelle Revaz montre que la gravité n’est pas qu’affaire de registres. Le sérieux de l’exposition est bientôt comme augmenté sous les doigts déliés et précis du pianiste ; et cette libération des possibles du thème semblent inspirer un violoncelle soudain chantant. Les effets

• d’entraînement réciproque,
• de fluidité et
• d’échange

sont valorisés par une reprise qui permet de les mieux apprécier. Le temps long du mouvement presque rapide sied aux musiciens qui, dotés d’un souffle capable de porter les auditeurs, excellent dans l’art

• d’installer une atmosphère,
• d’en varier les lumières et
• d’en révéler des finesses titillantes (nuances, articulation, respiration…).

Ainsi, les développements brahmsiens sont rendus avec

• une intensité,
• une sensibilité et
• une variété de transitions (douce, violente, ambivalente)

qui ne confond jamais expressivité et sensiblerie. L’allegretto quasi minuetto pétille grâce

• aux sautillements du premier menuet,
• aux suspensions qui dynamisent paradoxalement les échanges, et
• aux facéties rythmiques de la partition ici présentées avec un souci de caractérisation et une vue d’ensemble qui avivent évidemment l’écoute.

L’allegro final frétille comme espéré. L’esquisse de fugato dérive vite en dialogue enflammé, c’est-à-dire en

• échange mouvant,
• débat instable et
• fulminations communes

où

• virtuosité,
• percussivité et
• polymorphie sonore

dessinent une musicalité

• exigeante,
• fine et
• efficace.

On s’ébaubit d’abord devant la capacité d’Estelle Revaz à changer de couleur en souplesse, progressivement ou instantanément. Jean-Nicolas Diatkine séduit ensuite par sa manière d’utiliser la sècheresse de l’acoustique pour donner vie

• aux explosions,
• aux traits et
• aux retraits

qui bariolent sa partition. Enfin, on s’enthousiasme en constatant en fin de bal que les deux artistes ont su dialoguer avec assez d’intimité pour que l’on ne sache plus si nous avons assisté à un récital de piano avec violoncelle ou l’inverse.

Deux bis issus des Sept chansons populaires de Manuel de Falla auréolent le récital. La nana, berceuse andalouse, retient l’attention par

• le balancement guitaristique du piano,
• la souplesse vocalisante de l’archet et
• la solidité musicale du duo
  • (stabilité du clavier,
  • évolution du violoncelle,
  • apparente liberté commune).

« Polo », dont le texte crie une peine d’amour, finit pourtant par réjouir grâce

• à la tonicité impressionnante des notes répétées du piano élégamment maltraité par Jean-Nicolas Diatkine,
• à la vigueur déchirée du violoncelle manié de façon presque intime – elle le revendique souvent, on peut donc l’exprimer sans être soupçonné de vice, au moins sur ce point – par Estelle Revaz, et
• à l’efficacité des frictions communes aux deux artistes.

De quoi susciter les hourrah dégingandés d’un public – parmi lequel se cache presque l’illustre Yves Henry – que l’on sent comme étonné des vibrations électrisées qu’un récital pour piano et violoncelle, quand il est bien mené, peut communiquer à ses auditeurs…

La « seule œuvre vraiment pour piano et violoncelle » du catalogue schumannien, Estelle Revaz la connaît sur le bout des menottes. N’a-t-elle point mis au centre de son disque sur l’Inspiration populaire les Cinq pièces dans le ton populaire de Robert Schumann ? Ce soir de récital au musée Jacquemart-André, le cycle en cinq mouvements est à nouveau au centre de la set-list. Il s’ouvre sur « Vanitas vanitatum », un mouvement qui doit être joué « avec humour ». Aux spectateurs qui ont tous plus ou moins suçoté une flûte de champagne, Estelle Revaz propose d’être « bourrés ensemble comme un unijambiste qui a trop bu ». Le projet n’a pas l’air d’effrayer le public, pourtant chenu, même quand il se traduit musicalement par

• un rythme très marqué,
• des glissades savoureuses et
• des répétitions aguichantes.

Le piano passe du statut d’accompagnateur discret à celui de moteur narratif, le violoncelle répondant à ses traits. On s’enivre donc du travail de Jean-Nicolas Diatkine et d’Estelle Revaz, avec son lot

• d’hésitations savantes,
• de fougue canaille et
• de burlesques retournements de situation,

le tout exécuté avec ce qu’il faut

• de distinction pour protéger le grotesque de la vulgarité,
• d’engagement pour rehausser la (légère) drôlerie de finesses interprétatives bienvenues – car, d’inspiration populaire ou non, nous oyons – tatataaa – une fort belle partition, et
• de musicalité pour ne pas réduire la pièce à un projet programmatique justifiable mais limitant.

Au piano plus foufou et percutant d’Anaïs Crestin, accompagnatrice habituelle d’Estelle Revaz, Jean-Nicolas Diatkine substitue

• une retenue sémillante,
• une légèreté affriolante et
• une sorte de décalage qui fait la patte de l’interprète, en soliste comme en accompagnateur,

comme s’il était à la fois dans le feu de l’action et en observation, la performance consistant à faire de cette ambivalence la force singulière d’une interprétation sans jamais la rendre

• froide,
• rigide ou
• terrrrriblement sage, autrement dit ennuyeuse.

Le mouvement suivant, à jouer « lentement », permet

• au violoncelle de s’épancher,
• au piano de balancer avec délicatesse donc sans mièvrerie, et
• à la mélodie de froufouter à son aise, habillée d’un accompagnement simple.

En vivifiant la qualité d’écoute, la modulation permet de mieux percevoir

• le travail commun sur les piani,
• la construction d’un son où chaque musicien trouve sa place variable, et
• une agogique qui, loin de se réduire à une série de ralentis, semble
  • intériorisée,
  • intégrée dans la respiration musicale et, en dépit d’un temps de répétition que l’on sait avoir été court,
  • presque intuitive à l’aune de ce qui peut être perçu (donc à l’aune de l’essentiel).

Le troisième mouvement doit être joué « pas vite, avec beaucoup de sonorité ». La partition exploite joyeusement

• les plaisirs de l’itération,
• les richesses de l’harmonisation et
• les variations de registres dont les artistes font leur miel.

Pour autant, rien de surchargé. Le tempérament volontiers volcanique d’Estelle Revaz et la placidité profonde de Jean-Nicolas Diatkine trouvent dans cette œuvre de Robert Schumann un creuset où fondre – sans les confondre, haha – leurs personnalités artistiques.

• Le simple est beau et non pataud,
• le virtuose est fluide et non show-off,
• les contrastes sont intenses et non vulgaires, et
• les arabesques du piano savent être envolantes – et hop – sans être uniquement frivoles, de même que ses staccati savent être bondissants sans se contenter d’être désinvoltes.

Le quatrième mouvement est annoncé « pas trop vite ». L’indication est assez souple pour permettre aux artistes d’envoyer du boudin tout en conservant l’esprit exigé par le compositeur. Le résultat me rappelle – j’en demande pardon par avance aux lecteurs les plus assidus qui ont déjà dû subir ce souvenir de guerre – ma professeur de piano qui me reprenait sans cesse dans les parties intenses en fulminant : « Forte, ça ne veut pas dire bruyant ! La musique, ce n’est jamais du bruit ou un concours de décibels, comment pouvez-vous croire ça ? » Même si cette dame et moi n’avons pas toujours été en bons termes, euphémisme, je dois à l’honnêteté de reconnaitre que, parmi d’autres, cette conviction qui l’animait m’a beaucoup marqué. En l’espèce, puisque ce n’est pas de moi qu’est censée parler cette notule, l’on devine que les interprètes, au talent et au savoir-faire incomparables à celui d’un amateur d’antan, sont aussi convaincus que la vitesse n’est pas qu’une question de record ou de battements par minute. Pour Revaz et Diatkine, la vitesse, c’est une illusion fondée, entre autres, sur

• la construction du rythme (ainsi du marquage des temps forts versus les temps faibles),
• la caractérisation des atmosphères (la répartition de l’intensité dans la mesure permettant de distinguer tonicité et précipitation), et
• l’efficacité des synchronisations – singulièrement des unissons communs.

Le dernier mouvement, « fort et marqué », assume ce curieux mélange de l’inspiration populaire et de l’écriture schumannienne. Les auditeurs, suspendus aux musiciens, s’y gobergent

• de la liberté qui émane des interprètes,
• de leur capacité d’écoute mutuelle qui, pourtant, n’a jamais l’air de les brider, au contraire, ainsi que
• de la précision
  • des breaks (qui est cependant moins spectaculaire que très fine musicalement),
  • des changements de couleurs, et
  • des parallélismes d’une grande beauté.

De quoi mettre en appétit avant le « plat de résistance » du jour, selon l’expression d’Estelle Revaz : l’impressionnante première sonate de Brahms, qui fera l’objet prochainement de l’ultime notule consacrée à ce récital.

Sa précédente tournée, Estelle Revaz l’avait calée autour des préludes de Dall’Abaco que nous avons évoqués tantôt. Sa nouvelle tournée, elle l’a calée après les débats que la représentante nationale helvétique qu’elle est aussi a suivis autour du foie gras, des crèches et des feux d’artifice. Pendant que ses collègues du PS local partent en séminaire, elle s’évade et file enchaîner les programmes (« en six concerts, je donne trois heures d’œuvres différentes », confiera-t-elle a posteriori), à commencer par une première date parisienne partagée avec Jean-Nicolas Diatkine.
Cela se passe dans le cadre feutré et désormais prémiumisé d’un musée Jacquemart-André (un immense hôtel particulier transformé en musée aux règles strictissimes pour les conservateurs, cédé à l’Institut de France et laissé en gestion à une entreprise privée), avec coupe de champagne bienvenue, fauteuil sauf pour les gens qui ne payent que 55 €, et, pour tous, concert dans un salon privé dominé par un balcon et couronné, tout là-haut, par un plafond peint. Le prix des places tabasse, mais il faut reconnaître que l’expérience clients, comme c’est qu’est-ce qu’on dit aujourd’hui, peut justifier que l’affaire soit tentante – cette fois, nous sommes invités, mais, avant la discrète restauration du musée, nous y étions allés en spectateur payant pour applaudir

• un Ali Hirèche en feu (raté cette année tant nous sommes mauvais en pêchage d’infos),
• une Kanae Endo décevante en short notice et
• un Jean-Nicolas Diatkine en personne, raconté ici et là.

Ce dimanche soir, pour la rare excursion hors des sentiers des récitals uniquement pianistiques, en dépit du nom de la prod, « Autour du piano », deux ensembles et une pièce sont au programme. Première série : les trois Fantasiestücke op. 73 pour clarinette et piano, œuvres autorisées – entre autres – à la violoncellisation par Robert Schumann en personne. Évidemment, un ancien clarinettiste continuera d’écouter cette version avec un petit sourire en coin, puisque la clarinette est le plus bel instrument soliste du monde, sauf quand c’est moi qui en joue aujourd’hui. Hélas, s’il est un peu de bonne foi, et ça arrive même aux clarinettistes désormais pitoyables, ledit souffleur reconnaîtra que le violoncelle propose une toute autre vision sonore de la partition et que, avec Estelle Revaz à l’archet, par ma foi, ça mérite de se laisser ouïr.
Le premier mouvement, mineur, « délicat avec expression », annonce la couleur acoustique absolument sèche propre au salon où se donne le récital. Les musiciens en tirent le meilleur en sachant que, ici, nulle emphase donc nul amphigouri ne sera envisageable. Dans cet espace,

• la musique,
• le son et
• le propos

sont à nu.

• Pas question de chercher à mystifier l’auditeur, ce serait vain.
• Pas de rattrapage possible en cas d’embardée.
• Pas de floutage à espérer si décalage entre partenaires.

Même si le duo a sans doute disposé d’un peu moins que de quelques mois de résidence pour travailler leur relation, cette gageure du direct-to-ears ne semble pas les impressionner. D’emblée, l’on goûte

• la fluidité du piano,
• le lyrisme du violoncelle et
• l’ondulation des intensités, et hop.

Dans le deuxième mouvement, « vif et léger », les deux compères font rutiler

• l’allant de la partition,
• les foucades très schumaniennes à hue et à dia, ainsi que
  
• les audaces harmoniques dont la jolie quintessence – mais non l’unique coup de génie – est la mutation de La en Fa.

L’ultime mouvement semble inventé pour Estelle Revaz puisque, en français, il est plus ou moins siglé « rapide avec du feu », un état d’esprit musical qui ne fait pas peur à la violoncelliste, au contraire. La flamme de la femme à la robe sanguine trouve son réceptacle dans l’âtre de Jean-Nicolas Diatkine, un foyer musical doux mais, mine de rien, volontiers crépitant si l’exigent les circonstances. Ensemble, les artistes rendent raison d’un morceau saisi par

• la fougue,
• les contrastes et
• les multiples formes de dialogue qui constituent l’essence de la musique de chambre, dont
  • les unissons spectaculaires,
  • les échos roboratifs et
  • la confrontation de collègues prompts à se défier.

C’est le cycle le moins compliqué à mettre en place dans un programme dense et ambitieux. On pourrait en déduire que, stratégiquement, les musiciens l’auront traité en légèreté faute de temps pour le peaufiner. L’écoute pose un diagnostic strictement contraire. Le foisonnement schumannien, loin d’être négligé au profit d’une lecture gentillette, est animé par des artistes aux tempéraments opposés donc richement complémentaires. Dès lors, il apparaît

• joyeux et tendu,
• riche et sans chichi, bref,
  
• soufflant pour des spectateurs qui arrivent, au soir de leur journée, désireux d’écouter de la musique envolante mais ou parce qu’usés par la vraie vie.

Si Dieu or something nous prête vie, le récit de la suite, palpitante, suivra !

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  • Caprices de Dall’Abaco (Solo musica)
    
  • Inspiration populaire (Solo musica) : parties 1 et 2.
    
  • Journey to Geneva (Solo musica)
    
  • Bach & friends (Solo musica)
  • Cantique (Neos) : parties 1, 2 et 3 (en cours).
    
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  • Ambassade de Suisse 2024 : parties 1 et 2
  • Ambassade de Suisse 2022
    

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Liszt-Schubert ? Schubert-Liszt ? Mine de rien, Jean-Nicolas Diatkine revient de l’entracte en posant la grrrrrosse question de la transcription et, pour l’illustrer, envoie trois lieder de Franz transcrits pour piano par Franz…
… à commencer par « Auf dem Wasser zu singen » (À chanter sur l’eau), fomenté par Schubert à partir d’un poème de Friedrich Leopold de Stolberg, voire de Stolberg-Stolberg (mais pas de Stolberg-Stolberg-Stolberg, ce serait excessif), dédié à sa chère Agnès. Le texte dit, en gros, que la joie, c’est super, mais tout change, rien ne dure, et nous-même finirons par disparaître. Indifférent aux redoutables difficultés techniques de la transcription, l’artiste

• en assume le caractère décidé,
• y dispose un étagement sonore impressionnant de clarté (je sais, pour le coup, c’est pas super diaphane mais, sur le moment, c’était compréhensible, alors bon) et
• démontre un toucher polymorphe qui, grâce à un sens profond de la projection sonore, fait vibrer l’auditeur même à l’autre bout de la salle.

La sérénade du Chant du cygne lisztien rappelle, grâce à Ludwig Rellstab, que tout travail musical n’a qu’un but : séduire une fille pour qu’elle rende heureux le dragueur. Avec l’allure tranquille qui sied au lied transcrit, Jean-Nicolas Diatkine excelle

• à exprimer mesure et douceur,
• à faire chanter les échos octaviés et
• à caractériser les différents registres de son instrument sollicités par la partition.

Le troisième et dernier acte est constitué par « Marguerite au rouet », un classique de Jean-Nicolas Diatkine qu’il avait interprété dans la même salle en juin 2022 tout comme « Auf dem Wasser zu singen » (un combo classique qu’affrontait également Vittorio Forte en février 2022, par exemple), l’histoire d’une brave fille

• séduite,
• abandonnée et
• encore amoureuse.

Comme le résume l’interprète, ce poème de Johann Wolfgang von Goethe « finit mal, mais c’est quand même beau ». En dépit du foisonnement qu’exige la réduction (donc aussi l’augmentation) lisztienne, le pianiste

• préserve la netteté des voix,
• rend presque déchirante la lamentation de la fileuse, et
• assume le plaisir d’une narrativité de l’émotion (ça vibre) plus que de la diégèse (le ressassement tourne en rond mais cette itération participe de l’expressivité musicale).

Puis vient le grand moment Beethoven, en cette date anniversaire bien connue des fans de Schroeder, le virtuose du toy piano. Jean-Nicolas Diatkine a décidé de le célébrer avec la vingt-et-unième sonate, dite « Waldstein », du nom de son dédicataire. À son habitude volontiers synesthésique, l’interprète connecte l’œuvre à Iphinégie en Tauride d’Euripide, l’histoire d’une prêtresse prompte à tuer les étrangers. C’est cette proximité supposée qui l’a aidé, très jeune, à construire sa conception de la sonate en ayant l’impression de la reconnaître plus que de la découvrir. Voilà ce qu’il explique au public avant de conclure : « Bon, maintenant, je crois que c’est à moi. »
L’allegro con brio liminaire est

• tonique et maîtrisé,
• allant et nuancé,
• coloré et cependant tenu par une même énergie interprétative.

On sent la familiarité du musicien avec la partition.

• Les doigts sont sûrs,
• l’équilibre entre les mains est parfait, et
• la pédalisation démontre une habileté appréciable.
  

L’adagio molto, pleinement conçu comme une « introduzione », est

• calme,
• suspendu et
• interrogatif

en attendant l’émergence d’un thème que Jean-Nicolas Diatkine semble baigner dans un liquide amniotique (oui, là aussi, je sais, mais, sur le moment, ça m’évoquait ceci, alors bon) avant d’accoucher d’un rondo audacieusement enchaîné.

• Efficacité des traits et des accents,
• précision des octaves et des changements de modes,
• excellence de l’agencement entre les motifs et entre les nuances :

le résultat est délectable, d’autant que le pianiste ne passe jamais en force, préférant se couler dans une musique pourtant guère aisée à dompter. Tout se passe comme s’il essayait de nous faire entendre cette sonate de l’intérieur avant de lâcher les chevaux pour le galop final prestissimo dont le brio vaut un triomphe à l’artiste. Un bis s’impose, pour lequel Jean-Nicolas Diatkine dégaine l’Ave Maria de Schubert-Liszt, où la dextérité de l’interprète se hisse à la hauteur de l’habileté d’un arrangeur décomplexé. Ainsi se conclut, sous les ovations, un concert

• intelligent,
• généreux et
• plaisant.

Oui, plaisant, car, comme le rappelait Claude Debussy, la musique est là, d’abord, pour faire plaisir à celui qui l’écoute. Si certains compositeurs et interprètes ont tendance à l’oublier, grâce aux cieux, ce n’est certes pas le cas de Jean-Nicolas Diatkine.

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Pour ouvrir son récital 2024 à Gaveau, Jean-Nicolas Diatkine a choisi le concerto dans le goût italien BWV 971 de Johann Sebastian Bach, soit une œuvre doublement paradoxale, comme l’interprète l’explique au micro. D’une part, c’est la réduction d’un concerto qui n’a jamais été écrit ; d’autre part, c’est une réduction pour clavecin qui va, ici, se retrouver orchestrée par les sonorités plus larges du piano. Sous les doigts du musicien, le premier mouvement – un allegro qui ne dit pas son nom – se caractérise par

• la tranquillité du tempo choisi,
• l’articulation de nuances rebelles à toute emphase et
• la réussite d’un swing porté par
  • des accents subtils,
  • des mordants et des trilles raffinés, ainsi que par
  • des contrastes finement suggérés.

L’andante laisse une basse tranquille servir d’assise à une main droite qui va son chemin. Loin de s’en tenir à l’énonciation du topos italien (ploum-ploum à gauche, mélodie à la dextre), Jean-Nicolas Diatkine tâche

• de créer un espace sonore singulier dans une acoustique qui lui est familière,
• d’inventer une temporalité où l’agogique – légère – paraît fondue dans l’énoncé du texte, et
• de susciter une concertation – rappelant le titre de l’œuvre – entre les deux protagonistes se promenant sur le clavier.

Le presto se présente sans excès de célérité. Le spectateur peut se pourlécher les esgourdes grâce à

• une motricité discrètement virtuose,
• une polyphonie toujours très claire et
• une régularité métronomique d’autant plus efficace que de justes accents la pimpent.

Le musicien, plus connu pour ses disques dix-neuvièmistes, rappelle à qui l’aurait oublié que spécialisation n’est pas exclusivité. Néanmoins, les quatre impromptus op. 90 de Franz Schubert renouent avec la veine plus fréquemment creusée par l’interprète. Lequel explique que, d’après lui, le premier impromptu serait la marche d’un poète obligé de faire la guerre et finissant par mourir alla Chopin : en majeur. Aussi l’interprète-t-il avec,

• d ‘abord, un sérieux martial,
• ensuite, l’optimisme que constitue la tentative d’envol de la mélodie,
• enfin, le souffle narratif que portent les modulations, les nuances et les articulations.

Comme le confirmeront les applaudissements saluant la performance, on ne peut que saluer la netteté

• de l’étagement des voix,
• des notes répétées et
• des mutations d’intensité.

Avec une aisance confondante, le deuxième impromptu associe

• fluidité,
• ductilité et
• mobilité des nuances,

avec une partie centrale marquée par

• une tonicité sans brutalité,
• des contrastes sans brusquerie et
• une vivacité plus intérieure qu’exacerbée.

La virtuosité de Jean-Nicolas Diatkine suscite son bouquet d’applaudissements avant que le troisième impromptu ne propose à la salle, très attentive (c’est devenu rare, dans les salles parisiennes…),

• une méditation intérieure et non démonstrative,
• offerte par la musique et non par la mise en scène d’un interprète mimant sa fausse torture intérieure,
• suggérée par les ondulations des tensions plutôt qu’explicitée par des à-plats de nuances flashy,

et à peine troublée par les malotrus qui trahissent leur connerie en parcourant leur programme à la lumière crasse de leur cellulaire-torche. Des applaudissements secouent l’hypnose dans laquelle l’artiste tenait ses spectateurs, puis le quatrième impromptu cliquette. On y goûte

• la légèreté de la main droite,
• la délicatesse de l’accompagnement et
• l’art du dialogue à trois (thème à gauche, harmonie au centre, mélodie à droite).

La partie centrale rend

• presque palpable l’inquiétude,
• vibrante l’obscurité qui descend,
• saillante la tension qui s’installe.

Elle sied comme un gant de soie à un Jean-Nicolas Diatkine dont on apprécie

• la virtuosité qui s’efface sans s’excuser,
• les lectures sensibles qui esquivent la sensiblerie d’un romantisme cliché, et
• les pétillements qu’il sait faire crépiter sans obérer le sombre qui guette et finira par nous envelopper.

De quoi mettre en appétit pour la seconde partie du récital où Schubert by Liszt et Beethoven promettent de grands moments. À suivre !

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Que deviendra la salle Gaveau, où le programme musical est déjà gangréné par des « causeries » de personnes souvent plus recommandées par leur notoriété que recommandables par

• leur moralité,
• leur profondeur de pensée ou
• leur talent,

à présent qu’elle est passée sous la houlette du sinistre producteur officiel du tout aussi sinistre régime macroniste ? Pour l’instant, les affaires suivent leur cours, ce qui nous permet de venir écouter le presque rituel concert de fin d’année que Jean-Nicolas Diatkine a coutume de livrer dans une salle feutrée ornée d’un cadavre d’orgue aussi choupinou qu’attristant. Oui, profitons du soir présent pour saluer le beau succès de ce concert où se mêlent

• aficionados de grand répertoire,
• diatkinomaniaques (il y en a de plus en plus !) et
• curieux par le programme alléché.

Ce soir sont annoncés trois compositeurs et demi :

• une première partie associant
  • Bach et
  • Schubert,
• une seconde couplant
  • Schubert-Liszt et
  • Beethoven.

D’ailleurs, bien que sa personnalité publique soit volontiers encline à la retenue et à la modestie, l’artiste tient à s’expliquer moins de la cohérence que de l’importance de ses choix. Alléluia, il fait partie de ces musiciens classiques qui ne conçoivent pas un programme pour eux-mêmes ou pour les Grands Critiques. Il les conçoit en associant sa propre inclination (voire admiration) pour les œuvres et son désir de les partager, au point de présenter systématiquement à l’oral une partie de la pièce ou du cycle. Point question d’assommer le mélomane avec des

• dates,
• faits et
• poncifs musicologiques

écrasant le son sous son pré-décryptage ou sous un accumoncellement de science encyclopédique qui confond marteau et chausse-pied, autrement dit lourdingue leçon de choses et léger apéritif permettant d’entrer dans une meilleure intelligence de la musique. Bien plus, Jean-Nicolas Diatkine préfère parler du biais

• interprétatif,
• mental ou
• fantasmatique
  • (synesthésie intellectuelle,
  • transversalité culturelle ou
  • intuition intime)

qu’il a développé au contact de tel morceau ou mouvement qu’il vient nous apporter. À titre personnel, je l’avoue, je préfèrerais que ces remarques fussent réservées au programme de salle (on en trouve des bribes dans le programme du soir, qui n’est pas distribué à tous les étages) un peu comme un livret de disque peut parfois enrichir la compréhension

• d’un programme,
• d’une œuvre,
• d’une interprétation

sans que l’artiste

• ne commence chaque piste par un minipitch,
• ne gâche éventuellement la surprise ou
• ne limite les divagations de l’auditeur qui font aussi partie du plaisir d’aller écouter de la musique et un musicien avec l’appréhension joyeuse de se retrouver devant des masterpieces avec plus
  • d’envie,
  • de bonne volonté et
  • de curiosité

que de notices wikipediaques en tête. Cependant, par bonheur, cette pratique, hélas très développée, prend ici une dimension

• personnelle,
• presque autobiographique,
• disons même charnelle,

dans la mesure où le virtuose, qui a souvent vécu avec ce dont il parle pendant des années – et pas que pendant la préparation spécifique du récital – parle moins de ce qu’il va jouer que de pourquoi il est lui-même ébaubi par sa sélection du soir. Bref, voici encore une chronique qui ne rend pas du tout compte de la musique tout en expliquant qu’il est vain de blablater, music must always come first. Espérons que cette contradiction crée du suspense, et retrouvons-nous très bientôt ou presque pour découvrir Bach, Schubert, et ce que Jean-Nicolas Diatkine en a

• dit,
• joué et
• vibré.

À suivre !

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  • Gaveau 2023 : parties 1, 2 et 3
• Le disque tiré des concerts, parties 1, 2 et 3

Après deux extraits de son concert 2023 (croqué sur le vif ici, çà et même là), le sieur Jean-Nicolas Diatkine termine son premier disque en concert avec deux extraits de son concert parisien de 2021, captés par sire Étienne Collard en personne. Dans notre souvenance, la pluie et l’orage faisaient trembler la coupole de la salle Gaveau pile au moment du remix lisztien de l’Isoldes Liebestod, dans une conjonction géniale entre le cosmos et la musique. Pour mémoire, ce long thrène intervient à la fin de l’opéra quand Isolde meurt car elle ne veut pas vivre sans Tristan, qui lui-même vient de mourir dans ses bras (pour faire bonne mesure, le serviteur de Tristan meurt aussi sur ces entrefaites après avoir lui-même tué). C’est ballot, car le roi auquel était promise Isolde arrivait pour marier les deux lovers par le philtre enchaînés. Après un bref prélude

• énigmatique,
• sombre et
• suspendu

comme il sied, le motif principal

• est énoncé molto moderato,
• se glisse à l’alto, et
• passe en Si pour revenir au soprano.

Jean-Nicolas Diatkine trouve

• le tempo juste pour être allant sans être confus,
• la bonne respiration pour être retenu sans être guindé, et
  
• les nuances adéquates pour rendre lisible – sans lui ôter tout mystère – une partition complexe
  • rythmiquement,
  • tonalement et
  • polyphoniquement.

On goûte notamment

• la souplesse des arpèges,
• la précision des touchers, et
  
• la variété de touchers tour à tour
  • soyeux,
  • tendus et
  • explosifs.

Sont bien présents

• l’emportement lisztien,
• la ductilité wagnérienne et néanmoins
• la distance diatkinienne dans le decrescendo final vers une mort étoilée (mais une mort quand même).

Point d’applauses, après cette interprétation en concert d’une partition hérissée d’exigences de virtuosité, sans doute car l’interprète veut enchaîner au disque avec la Deuxième ballade de Franz Liszt où il entend nombre de thèmes ensuite remixés par Richard Wagner. C’est pourtant dans le grondement des dix-huit croches graves par mesure – donc plus du côté bruitiste que mélodique – que commence l’affaire en si mineur, trompeusement annoncée allegro moderato.

• L’habileté de la pédalisation,
• la différenciation des attaques,
• la souplesse des mutations
  • (tempo,
  • couleur,
  • tonalité)

happent l’auditeur, saisi par une partition tiraillée entre

• ruptures,
• itérations et
• secousses.

Sous les doigts impressionnants du concertiste, l’allegro deciso est

• martial mais bondissant,
• rythmique mais secoué de traits,
• solide mais agité à droite comme à gauche.

La tension électrise le discours puis se rétracte, amenant à un allegretto éclairant un précédent motif et s’éteignant à son tour avant que le premier motif ne réapparaisse. Avec aisance et attention, Jean-Nicolas Diatkine suggère

• la houle,
• le tonnerre,
• l’apaisement,
• les rais de lumière qui pointent le bout de leur frimousse après que le gros temps s’est déchaîné, et
• le bonheur de l’instabilité qui rend possible à tout moment – même dans le lyrisme d’un allegro moderato – le jaillissement, le surgissement et l’éclatement.

Accompagnent la réexposition finale du thème principal

• accélérations,
• précipitations et
• « grandioso ».

Avec son indéfectible délicatesse, l’interprète ose

• la fougue,
• l’emballement,
• le brio mais aussi
• la tendresse d’un ultime andantino.

Enthousiasmant.

Pour acheter le disque, c’est par exemple ici.
Pour réserver une place à l’occasion du prochain récital à Gaveau de Jean-Nicolas Diatkine, le 16 décembre à 20 h 30, c’est là.

Sommet – pas unique, évidemment, mais très sommital quand même – du répertoire du dix-neuvième siècle pianistique, l’impressionnante sonate en si mineur de Franz Liszt a récemment connu de nombreuses interprétations prenant, chacune à sa façon, le défi à bras-le-corps. Parmi elles,  quelques-unes, incluant celle de Jean-Nicolas Diatkine, ont été croquées sur ce site. La revoici, fixée sur disque, sous les doigts d’un pianiste axant son propos sur la narrativité du drame de Faust – selon lui, chaque motif récurrent est comme un personnage (Faust lui-même, Marguerite, etc.) et la demi-heure de musique est une longue histoire grave et secouante qu’il conte à ses auditeurs.
En guise de « il était une fois », un prélude, lento assai, dont les unissons s’ancrent profondément dans les profondeurs du piano. Le musicien n’y surjoue pas la tension dramatique, préférant, par

• le tempo,
• les dynamiques et
• les choix de pédalisation,

avancer vers l’allegro energico qui s’annonce. Là encore, le conteur la joue finaude en préférant

• le suspense au vacarme,
• l’intrigant au pétaradant, et
• l’irrégularité du surgissement à l’univocité du terrifiant.

Se déploient

• doigts déliés,
• poignets souples et
• conduite fermement tenue non pas en dépit de la virtuosité mais comme en contrepoint à cette exigence vertigineuse.

D’impressionnantes séries d’octaves conduisent à la première grande modulation et la nourrissent jusqu’au grandioso en Ré et à trois temps. Avec art, Jean-Nicolas Diatkine souligne la tension entre

• lyrisme,
• fragmentation et
• mutations chromatiques des leitmotivs.

En guise de développement, Franz Liszt s’amuse à jouer, derrière une apparence quasi rhapsodique, sur l’itération

• de séquences identifiables dont il modifie la couleur,
• de ruptures que leur répétition apparente à des à-coups laissant présager une explosion longtemps suspendue, et
• de contrastes récurrents, tantôt progressifs et tantôt brusques voire brutaux.

La partition

• regorge d’irisations drapant de moire les thèmes mâchés et remâchés,
• multiplie les changements de registres donnant une ampleur époustouflante à l’instrument et
• associe de nombreux types d’écriture (plus ou moins mesurée, percussive, spectaculaire).

L’interprète doit donc associer

• brio hors du commun,
• familiarité avec un matériau plus que dense pour qu’il sonne et ne se contente pas de bruiter,
• science de la musicalité pour danser en écho de la narration.

Force est d’admettre que l’on est ébaubi par la capacité de Jean-Nicolas Diatkine à faire sonner les voltes

• de tonalité,
• de caractère et
• d’intensité…

… le tout en concert, sans filet de sécurité. Un andante sostenuto et un quasi adagio peinent à apaiser durablement la situation, ce dont témoignent les incessantes mutations de nuances, de registres, de tonalités, de phrasés et de mesures.

C’est

• musicalement puissant,
• techniquement improbable
• et intérieurement magnifique,

voilà.

La maîtrise

• du tempo,
• de la construction narrative et, évidemment,
• du clavier

sidère assez pour embarquer le spectateur dans une aventure qui, certes, sur notre exemplaire, ne correspond pas aux pistes indiquées, mais, franchement, on s’en tampiponne le bibobéchon : cette erreur d’édition n’impacte en rien la lecture et notre désir de savoir la suite comme si, au lieu d’écouter Faust by Liszt, on était aux basques de la plus catchy des séries du monde interstellaire.
L’allegro energico en fugue (techniquement : des voix vont s’enchevêtrer, mais aussi accidentelle : on passe de six dièses à cinq bémols) éblouit à son tour.

• Efficience formidable du staccato,
• clarté improbable de la polyphonie,
• habileté des modulations – qui revient au compositeur et à l’interprète capable d’en faire sentir l’inéluctable logique pas si logique que ça,
• variété des attaques,
• énergie de la virtuosité et des contretemps,
• perfection de la maîtrise des registres :
  

la réécoute du concert auquel on a assisté

• revigore,
• réjouit et
• élève.

Le più mosso qui suit pourrait n’être qu’une démonstration insolente de savoir-faire s’il ne se teintait

• de poésie (l’attention aux suspensions !),
• de dramaturgie (l’improbable cohérence des changements de caractère !) et
• de l’aura qu’a le piano quand il devient plus grand que lui-même.

Le retour en majeur et son sublime aboutissement entre

• binaire,
• ternaire et
• liberté des traits

(donc les trois à la fois) est d’une netteté et d’une émotion à tomber. Tout est accompli avec

• finesse,
• intention et
• compréhension holistique donc personnelle de la partition.

La strette puis le presto puis le prestissimo stupéfient et émeuvent tout autant,

• techniques,
• grandioses et
• résonants

qu’ils sont. L’andante sostenuto tente de calmer l’histoire. En vain, protestent l’allegro moderato (et, en fond, l’excellent écho du métro, parfait comme l’était l’orage, lors du concert 2021 de JND). L’interprète excelle à

• associer l’inassociable,
• rendre cohérent l’irréductible,
• surplomber le diffus

Le lento assai boucle la boucle. Même si nous aimerions nous laisser éblouir par l’illusoire espérance de l’enciellement esquissé par les accords de la main droite, ne nous attend que le si le plus grave du piano. Désespérant donc magnifique.

À suivre !

Pour acheter le disque, c’est par exemple ici.

Plus de vingt ans après son premier disque, Jean-Nicolas Diatkine ose publier un enregistrement en concert, gardant ainsi trace de deux concerts donnés dans une salle qu’il connaît et s’apprête à retrouver le 16 décembre à 20 h 30. Ce n’est pas rien et, pourtant, la proposition s’ouvre sur six « petites choses » parmi les vingt-cinq bagatelles griffonnées par Ludwig van Beethoven. Le recueil opus 126 place en tête un andante, ternaire en Sol, à jouer « con moto cantabile e compiacevole ». Le concertiste en rend la tension entre

• retenue et allant,
• liberté et mesure,
• foucades et itération.

Lui succède un allegro binaire en sol mineur, cette fois. Là encore, les ruptures de caractère exigent de l’interprète qu’il sache

• changer de toucher en un clin d’œil,
• caractériser chaque bribe par une intensité spécifique et, sur la durée,
• créer
  • un liant,
  • une unité,
  • une résonance commune

qui rendent raison des contrastes si beethovéniens qui lui sont proposés. Le second andante, « cantabile e grazioso » et en Mi bémol, lui, est ternaire comme l’était le premier. L’interprète y est particulièrement attentif à la complémentarité entre

• une première partie verticale,
• une partie centrale rubato et
• une dernière partie « à l’italienne » (accompagnement à gauche, ligne mélodique à droite).

La mi-parcours franchie, se présente un presto canaille en si (mineur puis majeur puis re-mineur).

• Doigts décidés,
• vigueur des accents et des puissantes notes répétées, et
• clarté des unissons

drapent de musicalité une miniature à la fois

• déliée,
• narrative et
• joliment complétée par la quasi barcarolle majeure, entre charmeuse et mystérieuse.

Un quasi allegretto en Sol et six croches à la mesure offre à l’auditeur

• la joie du balancement doux,
• le plaisir de l’agogique délicat qui suspend la phrase pour l’éclairer et la laisser respirer, et
• la dramatisation bienvenue qu’apportent, çà et là, des crescendi et des piani subito de toute beauté.

La dernière bagatelle illustre la ligne de force du recueil – cette confrontation, dans chaque pièce, entre des pulsions ou, selon les petites choses, des inclinations contradictoires. Il s’agit d’un presto (en ouverture et conclusion) et d’un andante « amabile e con moto ». Donc un truc qui va super vite mais pas longtemps, et un truc qui va lentement mais un peu vite quand même. Jean-Nicolas Diatkine fait droit à ce miroitement sans céder à la caricature.

• Face à la fureur du prélude, l’andante évite le mignon pour privilégier le swing très vite doublement ternaire (trois temps avec chacun un triolet) ;
• face à l’évidence du développement, l’interprète cisèle les zones de mutation par des choix pensés et néanmoins sensibles
  • de phrasés,
  • de nuances et
  • d’accentuations ;
• face à l’unicité du tempo, le pianiste travaille
  • l’élargissement de la mesure,
  • les mutations de couleurs, et
  • la manière de poser le retour d’un thème déjà souventes fois entendu par
    • un léger ritendo,
    • une petite respiration ou, par exemple,
    • un toucher différent.

Un premier épisode

• captivant,
• audacieux et
• joliment tourné.

À suivre !

Pour acheter le disque, c’est par exemple ici.

Après Beethoven et Liszt, l’ultime tiers-temps du concert 2023 de Jean-Nicolas Diatkine à la salle Gaveau est directement inspiré de son nouveau disque, où les préludes côtoient la Troisième sonate op. 58. Dans le programme, c’est celle-ci qui succède à la sonate de Franz L.
L’ouverture de l’Allegro maestoso liminaire assume son ambiguïté : elle est à la fois décidée et hésitante. Le compositeur semble chercher la route à suivre. C’est un lyrisme joliment tenu qui l’emporte et s’enlumine d’un toucher – je tente l’expression – solidement ancré dans le clavier. Le piano se pare de couleurs changeantes, devient même caméléon polymorphe sous les doigts de Jean-Noël Diatkine. Nous voici on the road with Frédéric. Avec lui,

• nous faseyons sur un fleuve intranquille ;
• nous partageons la versatilité d’un compagnon de voyage aux émotions fluctuantes ; et
  
• nous goûtons le plaisir des redites qui ne sont pas des répétitions de motifs mais des reformulations d’un vécu commun, comme des private jokes itératives dont l’énoncé n’est jamais le même, par le texte ou par l’intention.

Le bref Scherzo molto vivace accélère le voyage avec la même inclination pour l’ambiguïté. Une sorte d’ivresse fait tanguer notre navire.

• Ivresse de la ductilité liquide liminaire ;
• ivresse de la sombre mutation qui conduit à la partie centrale ; et
• ivresse du retour à la jubilation initiale, avec
  • ses accents,
  • ses nuances et
  • son impressionnant déploiement digital.
    

Le voyage liquide devient aérien avec le vaste Largo qui suit. En effet, Jean-Noël Diatkine y lit une « marche funèbre tournée vers le ciel », qui fait donc écho non seulement à la marche de la Deuxième sonate mais aussi au premier mouvement de la Clair de Lune selon JND. L’artiste y fait résonner

• la solidité des basses,
• le balancement du rythme pointé
• et les étincelles pailletées de la mélodie, promptes à scintiller à chaque suspension de mouvement.

Un bon concertiste jouant autant pour le premier que pour le dernier rang, il faut aussi saluer la capacité de projection du musicien puisque, du fond de la salle, dans les hauteurs, on goûte parfaitement

• l’onctuosité de la méditation,
• l’habileté des breaks et reprises, ainsi que
• l’investissement du temps long (pour la tenue d’un mouvement d’une dizaine de minutes et pour le travail sur les fins de son, qu’elles soient
  • nettes,
  • tenues ou
  • filées en fade-out).

Le Finale secoue l’auditoire comme il sied.

• Dextérité des petites saucisses,
• sens du swing,
• jubilation du mouvement lui aussi ambigu puisqu’il est perpétuel et éphémère :

les ingrédients requis sont là, la sauce prend et l’on savoure avec gourmandise la fin du voyage, rythmée par

• les accents efficaces,
• les phrasés convaincants,
• les modulations semblant naturelles et
• le motorisme propulsant notre bâtiment vers le port.

Tout cela nous est livré sans volonté d’incendier le navire en voulant frimer aux entournures, plutôt comme si l’on partageait avec l’artiste un moment de liesse contre la mort (la tarentelle musicale tâchant de nous guérir de la tarentule médiocrisante et délétère qui condamne parfois nos existences). Cela vaut à l’artiste le premier de ses trois triomphes – car on n’en est plus au stade des brava. Les applaudissements ne crépitent pas, ils claironnent, ils vrombissent, ils dépoussièrent les pauvres tuyaux de l’orgue et réveillent sans doute le quartier pourtant pas très fréquenté à cette heure presque avancée. Jean-Nicolas Diatkine doit dégainer son premier triple bis – en l’espèce les trois premiers préludes de Chopin, dont l’intégrale est l’autre objet de son dernier disque. On salue

• la virtuosité légère du premier,
• l’art de la fausse improvisation réinventé dans le deuxième et
• le plaisir de la frénésie que nimbe habilement une subtile pédalisation dans le troisième.

Les spectateurs lui accordent un deuxième triomphe, avec les oreilles et la queue si bien que, par respect pour l’ordre public, JND doit dégainer le quatrième prélude, tube des pianistes amateurs ici magnifié par

• des nuances fascinantes,
• une agogique qui semble consubstantielle au texte et
• un toucher qui fait litière
  • de la mièvrerie,
  • de la dureté et
  • de l’uniformité qui est, parfois, comme chacun sait, l’autre nom de la mort lentement asphyxiante.

À la vérité, le troisième triomphe, toujours aussi éclatant, sera suivi par un quatrième, plus discret, quand l’artiste viendra saluer son public et dédicacer ses disques, suscitant un engouement presque virulent tant les fans, anciens ou nouveaux, ont hâte d’avoir leur dédicace, leur conseil (« quel livre vous me conseilleriez sur l’Histoire de la musique ? ») ou leur petit moment personnel en face à face avec l’extraterrestre. Au revoir chaleureux, flatteur et mérité pour un pianiste qui a su

• manigancer un programme cinq étoiles,
• l’interpréter magistralement et personnellement, et
• embarquer ses auditeurs dans une aventure
  • grande,
  • belle et
  • ambitieuse.

Dans un monde où petitesse, mesquinerie et abrutissement ont meilleure presse, cette audace et cette réussite nous aident à repartir avec l’énergie des « pays de la mappemonde » qui sont

prêts à porter dans leur valise
tout le poids de la mélancolie, cette chrysalide
sur les ailes de laquelle un jour
ils achèveront leur voyage.
(Nelly Sachs, Exode et métamorphose (et autres poèmes), trad. Mireille Gansel [1999-2002], Gallimard, « Poésie », 2023, p. 217)

Certes, ce n’est pas forcément le but principal d’un récital de piano, mais il arrive que c’en soit un effet secondaire bienvenu.

Retrouvez nos chroniques sur Jean-Noël Diatkine
en cliquant sur les hyperliens

• Le disque Beethoven et Schumann
• Le disque Schubert et Brahms
• Le concert Gaveau 2021
• Le concert Liszt à Gaveau 2022
  
  • épisode 1
  • épisode 2
  • épisode 3
• Le concert Chopin au musée Jacquemart-André 2023
  
  • épisode 1
  • épisode 2
    
• Le concert Gaveau 2023
  • épisode 1
  • épisode 2
• Le grand entretien en intégralité