Voici venu le temps des rires, des chants et de la pause du blog. Rendez-vous prochainement avec la fin des chroniques obscurantistes et woke (ou le contraire), des nouvelles de Tristan Pfaff, de Gaspard Dehaene, d’Irakly Avaliani, de Pierre Réach, de Michele Campanella, de Monica Leone, des frères Guerchovitch, de Jonathan Benichou-Rabinovitch, d’Alexandre Rabinovitch-Barakovski, de Martha Argerich, de tel flacon, tel instant, telle découverte, tel inattendu, tel trop attendu, telle envie de partage… Merci de votre curiosité, bonnes cigales à tous et à bientôt !

Pour la visite du jour, votre serviteur (jusqu’à un certain point) Bertrand Ferrier propose une chanson tekielskiste. Une chanson extraite d’un disque que, selon l’artiste, les gens lui balançaient à la gueule à l’issue de ses rares concerts de l’époque en lui disant que c’était de la merde. Une chanson forte, tonifiante, résonante. Allons enfants de là, pas tristes, allons-y sur nos fols espoirs

• de sourires,
• de bouquets et
• de pèrenoëls en tout genre.

Le concert-causerie de dame Dufresne est articulé en trois parties :

• les années de formation,
• la créativité et
• notre époque.

Nous arrivons au troisième acte, celui des constats qui poussent à admettre que, « parfois, notre réalité ressemble à la fiction » ce qui n’est pas forcément pour déplaire à quelqu’un qui

• a fabriqué sa vie, au sens original de fingere,
• l’a modelée, bref :
• l’a inventée.

Au reste, à l’aune d’une vie mise en scène, qu’est-ce qu’une fiction ? Plus généralement, qu’est-ce qu’une vie humaine, si brillante soit-elle, sinon une fiction devant l’immensité céleste ? Le cosmos est un objet de fascination pour une diva prompte à divaguer. « Peut-être avons-nous un peu de mémoire céleste en nous », avance-t-elle en narrant ses souvenirs d’une conférence d’Hubert Reeves. Cette cosmoanthropologie habite l’artiste à travers ses discours et spectacles écolo, comme le show qu’elle a fomenté pour conclure les Francofolies de Montréal à l’été 2008 en réunissant un répertoire tantôt exceptionnel (« Oxygène »), tantôt tire-larmes (« Hymne à la beauté du monde ») mais tellement bien incarné que l’on est presque prêt à oublier le consensualisme trop gentiment niaiseux du propos. Convaincue que nous faisons face à un « dérèglement majeur », titre d’un disque enregistré à New York, elle constate que, face

• au changement climatique,
• à la déforestation et
• à la disparition rapide de la biodiversité,

« il n’y a pas de machine à remonter le temps ». Bien faible paraît sa prière pour ne pas tuer la beauté du monde, mais elle invite le public avec ce projet pieux. La dame n’est pas dupe.

• Ni de la vanité de son combat.
• Ni de la course à l’abyme que précipitent les dirigeants politiques.
• Ni de l’issue de notre existence, plus ou moins activée par les catastrophes cosmiques annoncées par les sachants.

Elle préfère s’élever, donc tirer sa révérence sur « Parce que tu rêves » de Nelson Minville, chanson où elle aspire à aimer l’autre « plus qu’un drapeau », autrement dit à remplacer la cause nationale par ce qu’elle a chanté de plus fort, selon les mots de Cyril Mokaiesh : « L’amour fou ».

Une nouvelle fois, son incarnation étincelle et bouleverse. Elle est faite

• de tenues soufflantes,
• de diphtongues québécoises musicalisant les phonèmes, et
• de nuances d’une précision et d’une suavité saisissantes.

D’un côté, on est triste que l’artiste n’ait pas souhaité donner un concert uniquement chansonné, ce dont elle semble parfaitement capable tant

• la voix,
• la présence et
• l’interprétation sont majuscules ;

de l’autre, une fois de plus, l’on est ébloui que la dame ait inventé

• une forme,
• un renouvellement,
• un autre espace musico-artistique

pour refaire l’inventaire. Au bis, elle dégaine une « nouvelle chanson », qu’elle explique (croit-on) avoir écrite pour Claude Nougaro, même si les crédits officiels l’attribuent souvent à Richard Galliano et au zozo partagé entre la bagarre mémétique de Toulouse et le luxe de Saint-Germain-des-Prés. Maurane avait elle aussi repris cette complainte des moments où « les hommes deviennent sages » et où « c’est fini, y a plus personne / pour les caresses déplacées ». Le déchirement la délivrant du public parisien se fait avec l’inusable « Oxygène » de Luc Plamondon, magnifié par la musique génialement basique de Germain Gauthier et par l’interprétation kaléidoscopique que n’a cessé d’en proposer la chanteuse. Olivier Godin, pianiste valeureux et attentif, disparaît. La diva serre les mains des fans agglutinés au premier rang. C’est joyeux. C’est triste. C’est chouette.

Le récital donné le 19 juin par Jonathan Benichou-Rabinovitch à la mairie du huitième arrondissement aurait pu s’arrêter avant le Deuxième concerto pour piano de Camille Saint-Saëns. Il aurait pu également s’arrêter après. C’était prévu ainsi. Mais croire cela, c’est mal connaître Jonathan Benichou-Rabinovitch. L’artiste revient donc avec La Princesse disparue, une partition qu’il a composée autour d’un conte

• allégorique,
• symbolique et
• métaphorique

du rabbi Nahman où la princesse « cache une force créatrice ».

• L’écriture entre méditation et tensions,
• le balancement entre consonance et trouvailles harmoniques, ainsi que
• l’interprétation entre narrativité et expressivité

diffractent l’évidence du son en suggérant une multitude de possibles.

• Accords arpégés,
• pédalisation habile,
• sens de l’agogique,
• variété de l’accompagnement que surplombe une ligne mélodique fracturée,
• large spectre de nuances et
• fin suspendue

participent d’une écriture

• de l’hypnose façon récit dont on veut connaître le fin mot,
• de l’apocalypse – au sens étymologique – espérée et
• du secret qui fascine car, dès qu’on a cru le dissiper, il se dérobe et réapparaît sous une autre forme.

Le récital aurait encore pu s’arrêter là. Mais croire cela, c’est mal connaître Jonathan Benichou-Rabinovitch. Le voici qui semble vouloir synthétiser son concert avec les « Oiseaux tristes » extraits des Miroirs de Maurice Ravel, écho au « Rappel des oiseaux » de Jean-Philippe Rameau qui ouvrait le récital, mais aussi au presto du concerto de Camille Saint-Saëns qui hésitait, comme les « Oiseaux tristes », entre battue binaire et 12/8. La concentration lunaire de l’artiste lui permet de se détacher de la température élevée ensuquant la salle pour proposer, plus qu’une synthèse, un éloge de la synesthésie. Mettant à profit avec une virtuosité très intériorisée une partition toute en miroitements et résonances, il semble vouloir

• peindre avec le son,
• raconter avec l’harmonie,
• évoquer avec les couleurs des différents registres

pour aller au-delà de la dimension programmatique du titre et envoler ses auditeurs. Bien sûr, le récital aurait encore pu s’arrêter là. Mais croire cela, c’est mal connaître Jonathan Benichou-Rabinovitch. Cette fois, il ne veut ni ajouter (comme avec le premier encore) ni synthétiser comme avec le deuxième bis : il veut prolonger. Soit, donc, une pièce dans la même tonalité (mi bémol mineur) commençant, une octave plus grave; sur la même note qui concluait les « Oiseaux tristes ». Dans cette définition à peine cryptique, chacun aura reconnu, qui en douterait ? l’Étude-tableau op. 39 n°5 de Sergueï Rachmaninoff.
Un gardien tente d’interrompre l’exécution en faisant cliqueter son trousseau. Il est plus de 22 h 30, il doit fermer. Tandis que le piano résonne, des négociations s’engagent avec le vigile pour obtenir un délai de grâce de cinq minutes avant l’expulsion. Le pianiste semble n’en avoir cure, préférant mettre le feu à son piano. Il y a

• des escarbilles,
• des crépitements, et
• de hautes flammes

jusqu’à l’apaisement des braises puis des cendres. Cette fois, le récital ne peut que s’arrêter là. Même Jonathan Beinchou-Rabinovitch doit s’y résoudre, laissant aux spectateurs fondus sur leurs chaises le sentiment d’avoir assisté à un moment

• impressionnant,
• audacieux et
• mémorable.

Retrouver les chroniques précédentes
1/4 : Jean-Philippe Rameau
2/4 : Franz Liszt
3/4 : Gabriel Fauré et Olivier Greif
4/4 : Camille Saint-Saëns

Le wokisme est une forme de lamento perpétuel, enfermant ses adeptes dans des postures victimaires souvent intéressées. Ainsi, récemment, l’annulation d’un projet d’exposition au centre Pompidou-Metz a ajouté un énième couplet à cette chanson. Claire Tancons, commissaire dudit projet, y a vu une préférence accordée à la « monographie d’un artiste européen [entendre :Blanc, en l’espèce il s’agit de Maurizio Cattelan] face à une exposition collective d’artistes racisés [caribéens] souvent relégués au second plan de l’histoire de l’art et des musées ». Le commanditaire lui oppose trois arguments :

• le succès de l’exposition Cattelan est une bénédiction pour l’institution ;
• l’exigence de la commissaire en matière d’emplacement disponible n’a cessé d’augmenter ;
• devant ces prétentions, l’équation budgétaire est devenue intenable.

Cet argument aurait pu être entendu par Claire Tancons, qui ne semble pas indifférente à la monnaie. Il est même probable que l’aspect pécuniaire joue fortement dans l’accusation de racisme qu’elle porte car, en sus

• des 100 000 € touchés grâce à la Ford Foundation par son « association » et officiellement « alloués aux recherches et aux voyages » de la commissaire,
• des 50 000 € « versés [par la fondation] pour abonder sa rémunération », et
• des 26 000 € « alloués par le Centre Pompidou-Metz pour ses honoraires »,

elle escomptait fort toucher un p’tit quelque chose à l’achèvement du boulot (in : Le Monde, 21 juin 2025, p. 25). Dame, le magot est souvent un bon carburant pour les indignés intéressés… Dans cette perspective des procès en racisme et mépris divers, le succès des thématiques woke intrigue par

• l’importance des stéréotypes qu’il charrie tout en dénonçant le rôle des stéréotypes dans les haines individuelles et collectives,
• la bêtise crasse et assumée qui anime ou qu’adoptent nombre de ses représentants, signe que l’intelligence est un luxe inutile pour convaincre des déjà-convaincus,
• sa tentation d’imposer des éléments de langage à l’ensemble des citoyens et à déduire de leur relatif rejet le bienfondé de leur croisade, et par
• sa difficulté à prendre en compte ce que l’on pourrait appeler la réalité du réel.

Ce tout tantôt, le rapport annuel 2025 de la Commission nationale consultative des droits de l’homme (CNCDH) le rappelait à deux titres complémentaires. Le premier titre concerne les phrases interdites, celles qui caractérisent les « discours de haine ». Parmi les tabous rappelés par Le Monde du 19 juin 2025, p. 15,

• « l’islam menace l’identité de la France » (même si le terme « menace » pourrait être remplacé par « modifie » : de très nombreux quartiers témoignent physiquement de cette mutation, le nier relève de l’absurde et cela n’a rien d’islamophobe, certains pourraient se réjouir de cette mutation au nom d’Allah ou de l’inclusivité),
• « les Roms exploitent les enfants » (« les Roms » est sans doute maladroit, mais le scandale devrait être l’exploitation des mineurs par de nombreuses filières roms et l’incapacité de l’État à lutter efficacement contre ce trafic, non le fait de le constater), et
• « la plupart des immigrés viennent en France pour profiter de la protection sociale » (on écrirait mieux « en venant en France, la plupart des immigrés bénéficient d’une protection sociale », ce que l’on peut juger joyeux ou choquant, selon son orientation sociopolitique).

À force de nier des évidences, le discours woke ne rejoint l’incantation du vivre ensemble que pour se décrédibiliser en tentant de substituer un voile idéologique au constat socio-anthropologique documenté par

• les faits,
• les statistiques et
• les études

et par ce que peut constater tout un chacun – la coïncidence entre le savoir des savants et le bon sens est suffisamment rare pour qu’elle soit appréciée ! Le second titre défiant la capacité du wokisme à prendre en compte la réalité du réel est que, loin d’être ces racistes délétères qu’il est de bon ton voire indispensable de vouer aux gémonies pour exalter les « communautés » souffrantes, les Français sont tolérants. C’est la CNCDH qui le pose noir sur blanc :

La tolérance des Français résiste aux discours de haine. (…) Contrairement à ce que prêchent les prophètes de malheur, décrivant la France comme un pays de camps retranchés, le socle républicain est solide.

Cela n’exclut certes point des haines dont, du reste, la supposée majorité peut être l’auteur et la victime, surtout quand la doxa insiste pour la désigner comme le bouc émissaire à éliminer ou, selon le jargon en vigueur, à « déconstruire » ; mais cela invalide la croyance en un pays dangereux pour « les minorités », croyance de base du wokiste soucieux de défendre les opprimés puisque la veuve et l’orphelin ne font plus recette.
C’est en s’appuyant sur sa perception du réel que Renée Fregosi, socialiste septuagénaire passée de la philosophie à la science politique, se lance dans une dénonciation de la « dhimmitude volontaire » en deux parties. La première partie dénonce la soumission de l’Occident aux musulmans et à l’islam, soumission qui est le prix d’une apparente tranquillité, selon le principe du dhimmi, statut réservé au mécréant payant jadis pour ne pas être massacré là où régnaient les fans de Mohammed. Selon elle, « l’islamo-complaisance occidentale tend à l’adoption d’une dhimmitude volontaire ». Elle présente la société française comme tétanisée par le « totalitarisme islamique ».
Deux conséquences : l’islamo-gauchisme et l’islamo-clientélisme, d’une part; d’autre part, l’islamo-négligence, qui consiste à trouver l’islamisme acceptable comme compensation des risques liées à l’éternelle montée de l’extrême-droite, sans doute la plus grande réussite du pétainiste mitterrandien. Le but est « la déconstruction de la laïcité » au profit de la notion d’inclusion.
Pour alimenter ces logiques, le wokisme (enfin !), dont le « point aveugle » est la « soumission des femmes en islam ». Le bras armé du wokisme serait donc le néo-féminisme qui argue que voiler les filles, c’est les libérer de la domination des hommes (pour soutenir cette thèse, Renée Fregosi cite Renée Fregosi, ce qui est moyen convainquant), propos qu’évoquait Dieudonné M’Bala M’Bala dans son sketch du « Conseil de classe » où le voile était quasi présenté – avec l’humour qui seyait alors – comme le string du Maghreb.
En fait, peu importe ce qui précède, j’espère d’ailleurs que vous ne l’avez pas lu. Ce qui intéresse l’auteur est d’arriver au cœur de son propos : « Les woke rejoignent l’antisémtisme musulman », sans évidemment préciser qui sont lesdits woke ni pourquoi beaucoup de musulmans éprouvent dans la rancœur, euphémisme, à l’endroit d’Israël. Les pages qui suivent semblent avoir été sponsorisées par quelque agence d’influence israélienne. Elles s’enfoncent dans la vase d’une longue et piètre diatribe. Sans évoquer les juifs israéliens vent debout contre celui qui, selon l’expression de Jean-Michel Barrot, ministre des Affaires étrangères, est « coupable d’atteintes au droit international (colonisation, déplacements forcés de population, blocage de l’aide humanitaire, frappes sur des civils…) » (in : Le Monde, 3 juillet 2025, p. 3) (en oubliant les procédures judiciaires extrêmement graves à son encontre), sans évoquer la présence chougnasseuse et soumise – dhummique, en somme – de François Bayrou ou – la présence du bègue de Pau étant fort postérieure à la publication de l’article – de ses prédécesseurs au dîner du CRIF, ce qui devrait choquer la laïciste ulcérée qu’elle est, mais apparemment de façon choisie, la scienço-politologique pose que, si l’on n’est pas solidaire

• d’Israël,
• de son líder máximo et
• des crimes contre l’humanité qu’il ordonne pour masquer ses turpitudes,

c’est que – magnifique chantage à l’antisémitisme s’il en est – l’on est

• antisémite (ben voyons),
• sous « l’influence du bolchevisme » (sic) et, allez donc, c’est pas mon père !
• solidaire de l’attentat du 7 octobre 2023.

En d’autres termes, ce recueil d’articles confirme qu’il part en sucette. Espérons que le dernier texte en lice, qui s’intéresse à l’égalité entre les sexes, puis l’épilogue relèveront le niveau – mais pas forcément : s’ils le baissaient, quelle performance ce serait !

« Que soit joyeuse et rayonnante l’allégresse de nos cœurs ! » clame la séquence de la Fête Dieu, rebaptisée « Fête du Saint-Sacrement du Corps et du Sang du Christ ». Pour ce nouvel épisode des « improvisations pour la sortie de la messe du  samedi soir », j’ai essayé de tournicoter autour de cette lapalissade en la défiant avec un triple oxymoron, si si. J’ai imaginé une musique

• triomphante mais joyeuse,
• statique comme un dogme mais fondée sur un mouvement perpétuel pour rappeler que même les fêtes instituées évoluent (la fête Dieu insistait sur la présence réelle du Christ, la fête du Saint-Sacrement stabylote le don d’un Dieu amour manifesté à travers les espèces),
• très simple dans son énoncé mais avec çà des foucades et là des bizarreries pour évoquer le côté inintelligible par la raison de la transsubstantiation.

Résultat ci-d’sous.

C’est à un coquetèle rare que Diane Dufresne invitait son public. Le « concert causerie » qu’elle a concocté mêle

• chansons,
• récit lu et
• échange avec les spectateurs.

Ce dernier exercice n’est évident ni pour elle, ni pour les spectateurs. L’artiste s’en rend compte en constatant : « C’est la première fois qu’j’mets ma main dans la poche sur scène depuis cinquante ans que j’fais c’métier ! » Faute de questions (réservées à l’orchestre, les micros ne s’aventurant pas dans les balcons), elle se retrouve à interroger son public : « Pourquoi vous v’nez m’vouère ? » Face à une fan qui lui annonce l’avoir vue pour la première fois en 1972 (« j’avais vingt-cinq ans »), elle reconnaît que le temps passe et ajoute : « Mais j’ai pas peur de la mort. D’ailleurs, une fois, j’ai exposé mon cercueil. C’était un cercueil balançoire, les enfants adoraient monter dedans ! »
L’intervenant suivant, caractérisé par un enthousiasme très maniéré, lui déclare qu’il est amoureux d’elle depuis qu’il l’a découverte. Elle s’enquiert : « Et alors, ça fait quoi d’être amoureux de Diane Dufresne ? / – J’ai dû changer deux fois de sous-vêtement, confesse l’aficionado. » Et l’artiste, sans se démonter, de demander : « Lesquels ? » Un « Canadien de Winnipeg », fou d’elle depuis quarante ans, lui apprend qu’il est venu spécialement à Paris pour la voir et, en lui tendant un cadeau, ajoute : « Pis j’vous préviens que j’s’rai là tous les soirs ! / – D’accord. On va appeler la sécurité, je crois. »

Après des débuts poussifs, l’échange est donc souriant et fonctionne comme une respiration qui, heureusement, ouvre sur une chanson, « Partager les anges », extrait d’Effusions (2007), une fredonnerie écrite par Roger Tabrha Bouaziss et composée par Sylvain Michel. Sur un texte volontiers emphatique qui raconte le plaisir d’aimer « l’autre de toi », la première qualité de l’artiste – sa capacité d’incarnation – ébaubit. Si le vibrato fait partie du jeu, il s’efface presque devant

• l’attention portée à la prononciation,
• la capacité à mettre en lumière telle consonne signifiante (ha ! les sifflantes !) et, malgré les années,
• l’utilisation musicale d’un large spectre vocal.

Échange, chanson et lecture : voici venu la deuxième partie de la causerie, évoquant la multiplicité de la créativité. « Tout le monde peut s’en emparer, insiste la chanteuse. La créativité n’est pas réservée aux génies. » Diane Dufresne évoque son goût pour la peinture, développé par son apprentissage auprès de feu Joseph Ulric-Aimé Paradis, dit frère Jérôme, selon lequel « pour peindre, il ne faut pas penser, il faut suivre son pinceau ». La chanteuse insiste : « Créer, c’est suivre l’inspiration jusqu’à ses défauts. Ce n’est pas de la fantaisie, c’est de la survie. »
La voici qui se lève pour demander à la salle sa vision de la créativité. Les spectateurs lui renvoient l’image de sa propre créativité touche-à-tout, ses audaces, ses costumes… Elle hoche la tête : « Touche-à-tout, je n’sais pas. Par exemple, en amour, faut être créatif, aussi, mais c’est pas toujours évident de savoir quel pinceau suivre ! » Un spectateur lui annonce : « On va parler de Starmania, si ça ne vous dérange pas. / – Ça m’dérange, mais allez-y. / – Pourquoi êtes-vous partie ? / – J’ai été engagée trois semaines, j’ai fait trois semaines. Je ne suis pas partie, je n’ai pas prolongé, nuance ! »

Quand revient le moment de chanter, elle hésite et reconnaît : « Chais pu oùchu rendue, moé ! » Puis elle dégaine « Mais vivre », extraite de Meilleur après, paru en 2018. La chanson de Cyril Mokaiesh constate : « On n’est pas sérieux quand on a dix-sept ans [mais] on n’est pas tellement plus heureux avec nos cheveux blancs. » Reste à vivre pour ce qu’il demeure « de jolies promesses » et « parce qu’il y a demain qui fait son malin avec sa réserve de printemps ». Une chanson autobiographique écrite par un autre, comme tant de chansons de Diane Dufresne qui sont devenues autobiographiques pour une ribambelle d’humains worldwide… À suivre !

Après un récital plus dense que danse (Rameau, Liszt, Fauré, Greif), Jonathan Benichou-Rabinovitch a choisi de claquer le Deuxième concerto pour piano en sol mineur destiné (et non dédié, comme le suggéra l’artiste) par Camille Saint-Saëns à Arthur Rubinstein. C’est un tour de chauffe pour les prochains concerts prévus avec orchestre dans sa chère Moldavie. Ce 19 juin 2025, l’orchestre est remplacé par les dix doigts de Nathalia Romanenko, armés d’un piano droit (il existe aussi une transcription pour piano seul de Georges Bizet…). L’interprète présente le concerto comme une œuvre

• « très classique,
• très hybride,
• très saint-saënsique ».

Elle se décapsule sur un solo virtuose quoique marqué « Andante sostenuto ». Derrière son aisance technique que l’instrumentiste a la délicatesse de ne jamais surligner par des postures ou des mimiques façon Stabylo mélodramatique, Jonathan Benichou-Rabinovitch communique son plaisir

• de la fluidité digitale,
• de la percussivité pianistique et
• des effets d’attente (dont un délicat rubato).

Quand l’orchestre de Nathalia Romanenko entre en lice, c’est la douche froide. Non seulement les pianos ne sont pas accordés, mais ils ne sont pas non plus accordés entre eux.

• Notes fausses,
• mécanique perfectible,
• dissonances entre les deux boîtes à marteaux :

l’effet cymbalum est hélas assuré, qui dénote un manque de considération choquant, sinon scandaleux, à l’endroit des musiciens comme des spectateurs. En dépit du brio du soliste et de son accompagnatrice, il faut un gros effort pour rester sur place et essayer d’imaginer ce que la chose pourrait donner si elle ne sonnait pas aussi faux. Alors, on tente de se concentrer sur la partition, à travers laquelle Camille Saint-Saëns semble dessiner un paysage

• contrasté,
• palpitant,
• traversé
  • de foucades,
  • de cavalcades effrénées mais aussi
  • de plages de contemplation.

L’effort de synchronisation entre les deux musiciens porte des fruits savoureux. À la fin du premier mouvement, pas d’inquiétude : peu importent

• octaves enchaînées,
• palanquées de triples croches et
• breaks en tout genre,

le soliste semble prêt pour son début d’été moldave ! Après les applauses de mélomanes peu au fait des usages ou dotés de cerveaux ensuqués par la touffeur, l’Allegro scherzando à 6/8 s’élance

• sur un rythme dansant,
• suivant une ligne virevoltante qui claque
• au gré du fourmillement digital.

Bien que l’on soit passé de sol mineur à Mi bémol, la partition n’hésite pas à se voiler par moments, tamisant l’euphorie d’une gélatine plus sombre donnant de la profondeur au propos. Malgré la fausseté des instruments, l’on parvient presque à se réjouir

• des beaux dialogues entre les deux pianos,
• de la netteté des contours,
• de l’art des mutations chromatiques et
• de la science musicale qui donne un relief habilement contrasté aux moments intenses en
  • sonorité,
  • vitesse ou
  • demi-teinte.

Les musiciens ne jouent pas les notes, ils racontent

• une histoire,
• un espace,
• un flux.

Entre

• modulations,
• changements de registres et
• sursauts rythmiques groovy,

l’effet de séduction est assuré… même si les deux trentenaires évoqués dans la première partie de cette recension, ayant eu leur contant de selfies, en profitent (enfin !) pour s’enfuir pendant les applauses. Le presto en sol mineur, entre mesure à deux temps et à 12/8, précipite les pianistes dans une ferveur renouvelée.

• Motorisme,
• hâte sans précipitation,
• variation des nuances et
• dynamisme de l’écriture
  • (ornements,
  • rythmes pointés,
  • contretemps,
  • frottement entre binaire et ternaire…)

font tourbillonner les ors de la salle des mariages où se déroule le concert. Les interprètes savent aussi suspendre leur vol pour redécoller aussitôt après. Ce mouvement mouvementé (si, si) se transforme en houle, laissant déferler une série de grandes vagues contre la digue où elles éclatent en gouttelettes scintillantes. (Je sais, en écrivant ça, moi aussi, j’ai tiqué, mais, sur le moment, cette expression me paraissait claire comme de l’eau de roche, alors je la tente quand même.) Si l’on croit déceler subrepticement quelques menus décalages qui humanisent cette proposition, il n’y a certes pas de quoi érafler

• le brio,
• l’énergie et
• la polychromie rutilante

des interprètes. Le récital, qui aurait pu s’arrêter avant le concerto, pourrait se briser après lui. Croire cela, c’est mal connaître Jonathan Benichou-Rabinovitch. Il faudra bien un cinquième épisode à cette tétralogie pour en rendre compte. À suivre, donc !

Le wokisme n’existe pas, affirment ses adeptes. Force est de constater que les caractéristiques qui lui sont attribuées, évoquées au fil des quinze premières chroniques, se retrouvent cependant dans la tisane culturelle médiatisable. Ainsi, la danse subventionnée aime-t-elle à « brouiller les identités ». Dans Le Monde du 7 février 2025, par exemple, Rosita Boisseau s’extasiait p. 25 devant la chorégraphie de Marcos Morau pour le Ballet national d’Espagne. Dans ce flamenco woke,

toute l’imagerie et les accessoires sont là (…), mais redistribués selon les codes d’un flamenco queer, très présent sur les scènes contemporaines. Hommes et femmes échangent leur vestiaire. Les premiers vont torse nu et en jupons ; les secondes arborent des soutien-gorge et des shorts façon corset.

La littérature n’est pas en reste. Comme exemple de promotion éditoriale sur « Le marathon marketing des éditeurs » (in : Le Monde, 25 juin 2025, p. 19), Nicole Vulser choisit le speech de Natacha Appanah. Sur « la scène de l’amphithéâtre Émile-Boutmy du campus de Sciences Po, à Paris »,

l’écrivaine (sic) mauricienne évoque (…) le destin de femmes victimes de la violence des hommes, thème de son prochain roman.

Deux exemples qui reproduisent les hashtags culturels valorisants, exclusivement woke : le terme « queer » et l’interversion des genres d’un côté, de l’autre le florilège anti-hommes et vaguement décolonial chantant

• la femme (racisée est un plus),
• l’essentialisation victimaire des femmes en tant que collectif, et
• la violence « systémique » des mâles cisgenres.

Malheureusement, il est difficile de confronter ce constat avec la fin de Face à l’obscurantisme woke (PUF), ouvrage collectif paru sous la direction d’Emmanuelle Hénin et alii. La troisième partie du livre se concentre dans une dénonciation de l’islamisme qui n’est pas le sujet, puisque le wokisme a été présenté comme l’intersectionnalité, c’est-à-dire la convergence des luttes, aussi improbable soit-elle, entre islamistes, femmes, homosexuels, personnes victimes du post-colonialisme quoique venues chez l’ancien colon (ou le voisin d’anciens colons), tous victimes du Blanc cisgenre. Autant dire que le fil rouge est perdu au profit des imprécations contre

• le frérisme,
• le djihadisme et
• la soumission craintive de la République face à ces dérives dégueulasses,

perspectives virtuellement intéressantes mais pas avec cette problématique, censée brasser plus large. Cela n’enlève rien à la pertinence de la dénonciation anti-hypocrite que plaque Florence Bergeaud-Blackler contre « le voilement » en rappelant que, peu importe le fichu ou le voile en lin de chez Mahmoud, ce « string du Maghreb » facétieusement pointé par Dieudonné M’Bala M’Bala lors d’un conseil de classe mémorable, « selon l’islam, une femme doit se couvrir le corps dans l’espace public ». En d’autres termes, « le contrôle de la libido des hommes se fait au moyen du retrait de la vie publique et collective de la féminité », même si le mécréant a du mal à comprendre en quoi le bâchage des cheveux est censé limité les érections.

L’auteur reconnaît que le bâchage est universel : sauf exception, on ne va pas à la piscine tout nu et tout bronzé. Mais l’acceptation d’une norme n’est pas synonyme d’inéquité : dans les lieux publics, comme l’homme, la femme couvre ses organes génitaux, c’est une convention. La purdah, elle, vise à frapper la femme pour parvenir à une « hallalisation de l’espace » (quand on voit la façon dont les rappeurs halal traitent les femmes dans leurs clips, on rigole jaune, mais bref). Pour l’auteur, le bâchage des personnes du beau sexe est un « élément du système-islam ».
En dépit de la compétence suffisante de l’auteur pour susciter la polémique autour de son dernier livre, on a un peu de mal à comprendre l’intérêt de telles vitupérations dans le cadre du recueil que nous croyions lire, mais peut-être comprendrons-nous mieux l’affaire dans un épisode qui pourrait bien être le dernier et qui est donc à suivre.

« Et pour le reste, il y a l’amour, je le cherche dans le moindre détour » chante parfois Jann Halexander. Polyamoureux et monogame à la fois, le chanteur a souvent placé, parmi les mots-clefs de son répertoire, la quête

• de l’autre,
• de son affection, mieux:
• de son désir et, comme l’aurait stipulé avec grâce Catherine Ribeiro,
• de son absence.

L’amour halexandérien aime à se raconter sur le fil de la déréliction. Il passe volontiers au feu

• de la durée,
• de l’effritement et
• de la sépiaïsation (et hop).

Il lutte pour rester moins un fait établi qu’une pulsion luttant contre l’effacement dans les sables mouvants de Chronos ou les tourbillons de la vie. Aussi n’est-il pas illogique que, parmi les chansons les plus connues du chanteur, figure « Rester par habitude », entonnée tantôt à la librairie Publico, à l’occasion d’un concert associant fredonneries de

• Catherine Ribeiro,
• Mama Béa Tekielski et…
• Jann Halexander.