Issue de la série d’enregistrements qui a ouvert le double disque, le rondo en Ré op. 138 dit D.608, composé en 1818, conclut la fête après 1 h 35 de route. Pour cet allegretto, Monica Leone et Michele Campanella sont de retour sur le Steinway de 1892 entendu sur le premier disque. La partition permet de rendre raison d’un instrument dont la personnalité n’affecte pas la clarté.
Un piano I octaviant,
un piano II tour à tour accompagnant puis répondant à son collègue, et
un trois temps joliment balancé
lancent cette grande coda de dix minutes sous les meilleurs auspices. Soudain,
le Ré majeur mute en ré mineur ;
le tempo s’accélère ;
des appogiatures sont jouées si serrées qu’elles augmentent la tension en frisant la dissonance.
Les interprètes jouent avec nous, valorisant tantôt le sourire charmeur du registre aigu, accentuant tantôt le froncement de sourcils
d’arpèges diminués qui inquiètent,
d’habiles retards qui pincent l’harmonie, et
de notes répétées qui s’escagassent ou suspendent énigmatiquement la narration.
Le rondo se révèle
tantôt sautillant,
tantôt grognant,
tantôt lyrisant.
Son instabilité le rend captivant jusque dans le retour à la fois imprévisible et attendu du refrain en majeur.
La légèreté du toucher,
la finesse des nuances et
la justesse de l’agogique
font palpiter cette version. L’arrivée d’un long trait annonce la modulation en Sol. Le travail sur les contrastes
de registres,
de caractères et
de couleurs
est du miel pour l’âme ou ce qui en tient lieu. Le retour du refrain en Ré est un peu triste puisqu’il préfigure la fin du voyage, mais
le plaisir de la ritournelle,
l’attention portée à l’énergie de la coda tourbilonnante, et
la capacité des pianistes de faire surgir une musique jamais bruyante mais toujours d’une grande délicatesse, même dans les passages planplans comme la dispensable conclusion,
synthétisent une partie des charmes de ce florilège
ambitieux,
riche et
personnel
enregistré jadis avec brio et poésie par Monica Leone et Michele Campanella, et enfin disponible en double disque comme en streaming.
Pour acheter le double disque, c’est par exemple ici. Pour l’écouter en intégralité et gracieusement, c’est par exemple là.
Dernière forme proposée par Monica Leone et Michele Campanella dans leur florilège du catalogue schubertien pour piano à quatre mains, la fugue en mi mineur op. 152 et étiquetée D.952, part d’un sujet exposé à la basse. Le mixage de Corrado Ruzza, sur une prise de son de Valter Neri, étale la polyphonie sur l’ensemble de la stéréo, donnant – notamment au casque – un côté saisissant à l’incipit qui restera affaire de goût, amoureux de la clarté presque pédagogique versusfans de la profusion des voix où le talent des interprètes guide, si tout va bien, l’oreille de l’auditeur. Les quatre voix se déploient
paisiblement,
sagement,
presque intimement.
L’effet d’écho plus que de canon traverse la pièce, éclairé par d’habiles réexpositions notamment au piano II qu’a repris Michele Campanella après la parenthèse des Grandes marches op. 60 où il avait été bombardé piano I. On apprécie
ses variations d’intensité,
sa large palette d’attaques, et
son sens de la petite respiration en plus qui change tout.
L‘équilibre sonore entre les registres du grave pas trop grave à l’aigu pas très aigu est magistral. La tentation du mineur repeint, elle, le sujet d’une autre couleur, gardant vive l’attention en dépit de l’absence d’effets wow. Tierce picarde incluse pour la dernière mesure, règne ici un calme invitant
à écouter plus qu’à entendre,
à méditer plus qu’à écouter,
à se laisser envoler plus qu’à méditer.
Si l’on est dans cet état d’esprit, on pourra friser l’état de grâce, voire plus ! Puis l’on écoutera, concluant la session sur le Yamaha CFX, la fantaisie en sol mineur alias D.9, composée en 1811. Deux fois plus courte que la fantaisie op. 103 qui ouvrait le programme, elle n’en comporte pas moins quatre mouvements comme sa future consœur, composée dix-sept ans après elle. Le prélude est un largo très digne avec
son train de sénateur,
ses valeurs longues à peine distraites par quelques fumerolles passagères, et
ses trois points d’orgue
dont le dernier prolonge un intervalle majeur d’autant plus saillant que, juste après, l’allegro bascule direct en ut mineur.
Une vive discussion anime alors les deux complices. Elle est finement mise en valeur par
des choix d’intensité parfois paradoxaux (quelle grâce pour faire ressortir la voix principale en la jouant moins fort qu’une voix secondaire !),
des trilles et des appogiatures quasi funky, et
une façon impressionnante de
jouer ensemble,
se répondre clairement, et
suspendre puis relancer le propos avec une synchronicité fascinante.
Derrière une musique d’apparence carrée-carrée, on s’amuse, dans le tempo di marcia, des bosselures prévues par le compositeur
(modulations vigoureuses,
ruptures de lignes,
silences et surgissement).
Un largo, en ré mineur même si la tierce picarde est de rigueur à la fin, et pour partie reconstitué, conclut une pièce souvent considérée comme secondaire mais dont Monica Leone et Michele Campanella ont l’élégance de montrer qu’elle contient déjà de quoi alimenter
le savoir-faire,
l’inspiration et
la technique compositionnelle
de celui qui n’est pas encore le Grand Franz que les siècles ont imaginé… avant de nous inviter à finir le voyage, dans une dernière notule, autour du rondo opus 138. To be concluded!
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La quatrième des six marches op. 40 de Franz Schubert est un allegro maestoso en Ré qui, poli, ne crache pas sur la solennité mais veille à l’aménager
en frottant le dactyle binaire aux triolets de croche,
en contrastant les nuances, et
en posant çà et là de coquettes appogiatures.
Point de reprise médiane pour laisser le fil du morceau se dérouler. Le choix est heureux car le compositeur paraît chercher, en vain, un motif satisfaisant. On l’entend presque maugréer tandis qu’il mâchonne la rythmique liminaire sans parvenir à en faire jaillir une mélodie convaincante. Les interprètes rendent avec une belle hauteur de vue le mélange
de recherche,
de frustration et
d’obstination
qui semble habiter la page.
Le trio en Sol va son chemin, propulsé par des staccati graves. Un contrechant éclaire sa dernière partie, avant la seule reprise effectuée par les pianistes dans cette œuvre. Comme sur l’ensemble du disque, Monica Leone et Michele Campanella ébaubissent par
leur finesse de toucher,
leurs variétés de nuances piano et
leur remarquable synchronisation.
D’abord ancrée dans la vicieuse tonalité de mi bémol mineur, la cinquième marche – la plus longue – est un andante aux allures de procession. Une partie intermédiaire en fa# mineur alterne
rythme pointé,
ornements et
échos graves pendant la modulation
revenant au motif et à la tonalité liminaires. Les musiciens tirent le meilleur d’une partition souvent étique, où une forme de méditation peut sourdre
de la retenue,
de l’aspect souvent motorique de la partie du piano II, façon walking bass, et
des redondances
(répétitions de motifs,
itération de progressions, et
recours massif aux unissons octaviés).
Le trio, majeur et bariolant, semble chercher à s’emporter sous ses airs tranquilles.
Intervalles répétés,
modulations très provisoires et
crescendi avortés
font frémir une pâte sonore toujours finement battue par les porte-voix de Franz S. La sixième et dernière marche est un allegro con brio en Mi. Le brio est ici multiple. L’évoquent
les flonflons des fanfares,
le lustre d’ornements rares mais pimpants,
l’éclat d’un piano dont les registres s’élargissent vers le très aigu, et
la fougue des contrastes
(attaques,
intensités,
tonalités).
Le compositeur associe à l’emphase l’éclat d’une mélodie qui perce au milieu des feux d’artifice.
Le trio en Ut – avec reprise des deux segments – tranche par
son calme,
ses aigus octaviés, et
les jolis mouvements inverses du piano I.
Cette sérénité donne tout son suc à la tonicité de la marche, réinjectée en guise de da capo. Monica Leone et Michele Campanella ont cependant l’habileté de ne pas stabyloter la dimension vigoureuse de la pièce. Ainsi évitent-ils la caricature (une partie pétaradante, une partie mollichonne) pour évoquer davantage
l’ambiguïté de la forme ABA,
la continuité entre deux états d’esprit, et
la contamination des deux humeurs par-delà l’apparente inviolabilité de la frontière (des rythmes pointés dans le trio laissant percer la nature martiale du projet, des pulsions mélodiques affleurant çà et là dans la marche, tempérant ainsi son caractère fondamentalement rythmique).
Une interprétation peut-être plus captivante que les marches elles-mêmes, bien que l’on se réjouisse d’écouter, après
une fantaisie,
des polonaises,
une danse,
un rondo et
un thème + variations,
un autre aspect de l’œuvre pour piano à quatre mains de Franz le prolifique… alors qu’une fugue et une seconde fantaisie nous attendent une prochaine notule pour tournicoter sur notre gramophone.
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Comme l’ancêtre de Georges Brassens, souvent, devant la musique, nous tombons à genoux – exceptées toutefois les marches militaires que nous écoutons en nous tapant le cul par terre. Point de militaire, ici, alléluia, mais six grandes marches op. 40 dites D.819. Même si la musique qui marche au pas, cela ne nous regarde pas, ce bouquet schubertien porté par le piano à quatre mains de Monica Leone et Michele Campanella, qui nous accompagne depuis le début du moi(s), formera-t-il un escalier menant vers le plaisir des esgourdes ?
La première marche est un allegro maestoso en Mi bémol. Au rythme borné propre au genre, Franz Schubert essaye de donner du groove grâce
aux appogiatures,
au rythme pointé et
aux triolets de doubles croches,
à quoi s’ajoute l’utilisation d’un registre comprimé entre médiums et aigus, donnant un soupçon de légèreté à cet hymne solennel. On se réjouit de l’art que déploient les interprètes pour aspirer à l’évasion par la façon
d’amener délicatement à une modulation,
de construire un large spectre de nuances, et
de trouver le toucher juste pour fabriquer
du rebond,
du ressort et
du peps.
Le trio contraste.
Reflux des décibels,
délicatesse du toucher mélodique et du bariolage d’accompagnement (pour ce cycle, Michele Campanella a pris la partie du piano I, et les interprètes ont choisi un Yamaha CFX moderne),
ajout d’un trille en fin de première partie qui est logique mais n’est pas sur toutes les partitions, contrairement à celui qui clôt la seconde partie :
tout charme avant le retour terrien à la marche. Le deuxième épisode du cycle est un allegro ma non troppo en sol mineur. La légèreté, contradictoire avec le genre mais indispensable à la musique, naît
de l’anacrouse énergisante,
des appogiatures propulsantes et
des contrastes entre,
d’une part, sforzendi et staccati, et,
d’autre part, forte (voire double forte) et piani.
Un système de réponses entre les partenaires anime la seconde partie, qui conduit à un trio en majeur. On y goûte l’art des musiciens pour
valoriser une harmonie,
lisibiliser une partition,
iriser les nuances piano pour en révéler différentes couleurs.
Le da capo tonique secoue l’auditeur avant la troisième marche, un allegretto en si mineur lancé par le piano II. La première partie surprend par ses foucades :
l’introduction très martiale est contredite par l’entrée guillerette d’une mélodie octaviée ;
la tonalité prend plaisir à vaciller telle une flamme de bougie ; et
les interprètes décident de ne pas faire la reprise médiane.
La seconde partie s’anime
de fanfares sporadiques,
de flux et de reflux, et
de vagues modulantes.
Le trio, majeur, minaude, guilleret, avec
notes et intervalles répétés,
rythme pointé,
appogiatures insouciantes et
accompagnement discret.
La reprise de la marche mineure réinjecte de l’influx dans le moteur jusqu’à la suspension du discours. Dès le prochain épisode, nous évoquerons la seconde partie de cette suite. Que voulez-vous, à mon âge, au milieu de l’escalier, il arrive que l’on fasse une pause en émettant l’hypothèse, ténue mais précieuse, que, pendant ce temps, quelqu’un finira d’installer un ascenseur…
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Contemporaine de l’écriture du grand duo D.812 (non choisi par les interprètes), les Huit variations sur un thème original op. 35, dites D.813, complètent le panel de formes piochées par Monica Leone et Michele Campanella dans l’œuvre pour piano à quatre mains de Franz Schubert : après
une fantaisie,
quatre polonaises,
une danse allemande et ses petits légumes puis
un rondo,
voici une démonstration de l’art de divaguer dans un cadre précis offerte par le compositeur. Le thème est manière de marche en La bémol tendant à mitan vers l’Ut mineur. Les interprètes ont le bon goût d’alléger l’aspect martial pour garder le plaisir
de l’impulsion,
du dialogue et
de la variété des attaques.
La première variation frotte la logique binaire à la fantaisie des triolets essentiellement énoncés par le piano I.
Notes répétées rythmées par le piano II,
effets d’écho joliment nuancés et
contrastes habilement synchronisés
donnent du charme à cette page. La deuxième variation confie le moteur à doubles croches au secondo piano.
La tonicité du rythme pointé et des triples croches du piano I
les échanges de rôles entre les musiciens, ainsi que
des crescendi-decrescendi très progressifs
captent l’esgourde. La troisième variation, « un poco più lento », répartit clairement les tâches : au grave la pulsation des intervalles répétées, au médium et à l’aigu le rappel rythmico-mélodique du motif matriciel. On y goûte notamment
la fraîcheur du balancement,
l’acidulé du chromatisme, et
la grâce toujours parfaite de l’exécution.
La quatrième variation, qui revient au tempo primo, ferait presque oublier que, comme certains sont tactiles, Franz Schubert est dactyle (il utilise souvent une cellule d’une note longue suivie de deux brèves). Monica Leone et Michele Campanella savent
être carrés-carrés dans ces échanges de doubles croches,
laisser une place minime donc juste pour l’agogique et la respiration, et
aller leur chemin sans oublier de dialoguer donc de caler leurs intensités et leurs phrasés sur l’ensemble de la partition, non sur leur seule partie.
Dès lors, les tips du compositeur pour pimper ce solide quatre temps peuvent se déguster comme du citron sur une huitre fraîche : ainsi
deux-en-deux gambadants,
staccati bondissants,
allègres appogiatures et
extension des registres vers un suraigu tant aérien qu’éphémère
propulsent-ils cette section avec une efficacité singulière.
La cinquième variation s’effondre en la bémol mineur (tous les bémols sont de sortie pour l’occasion). Sur un thème dont l’incipit rappellera peut-être à certains le tube de la Septième symphonie de Ludwig van Beethoven, le piano primo se révèle très sage puisque la mélodie, seule ou octaviée, est à peine troublée par quelques ornements
(mordants,
appogiatures et
trilles finales).
Le secondo piano, lui, se contente de barioler et d’égrener la basse en octave.
La finesse des piani,
la délicatesse du toucher, et
la maîtrise qui permet d’être lent sans être pesant
ne manqueront pas de saisir l’auditeur. La sixième variation, un maestoso de retour en La bémol majeur, est le royaume des sextolets de doubles croches. Dans la première partie, les deux compères
se rendent doubles pour doubles,
se répondent et
se rodomontadent, hé hé,
avec une feinte sérénité avant de laisser la dextre du piano I faire, tonique, la course en tête. La septième variation, « più lento » et officiellement « con sordini » (accessoire ici peu audible), s’ouvre par un premier segment à la fois
solennel,
chromatique et
modulant (entre
La bémol,
fa mineur et
Ut).
L’épisode, plus harmonique que mélodique, se présente comme
un interlude,
une suspension et
une retenue
qui lâche brusquement pour laisser place sans transition à la huitième variation, un allegro moderato en 12/8. Les rôles,
d’abord divisés,
bientôt complémentaires,
enfin inversés,
festonnent autour
d’une pulsation,
de sextolets de doubles croches souvent octaviées, et
d’effets
d’échos,
de prolongements et
de divisions
qui étoffent un tissu initial volontairement étique.
Modulations énergisantes,
gammes tonifiantes,
légers ritendi permettant ensuite de lâcher la bride à des chevaux disciplinés
alimentent cette conclusion brillante d’une pièce qui sait animer un classicisme de bon aloi par d’indispensables
surprises,
trouvailles et
astuces
admirablement serties dans le jeu
précis,
fin et
toujours délicat
de Monica Leone et Michele Campanella. Ainsi se concluent les soixante-quatorze premières minutes du double disque. Bientôt débutera l’exploration des soixante-quatorze minutes suivantes !
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Après une fantaisie, quatre polonaises, une danse allemande et deux danses paysannes, Monica Leone et Michele Campanella continuent d’effeuiller la marguerite des genres abordés par Franz Schubert pour piano à quatre mains. Voici à présent le rondo, à travers l’opus 107 dit D.951, composé en 1828, donc à la fin de la vie du compositeur. La friction avec l’opus 138 dit D.608, qui conclura le disque et notre série de chroniques, composé, lui, en 1818, promet d’être captivante. C’est toujours sur un Steinway de 1892 qu’est abordé cet allegretto quasi andantino (un piano plus moderne colorera trois pièces ultérieurement). Le refrain est abordé avec
la sérénité,
la tranquillité mais aussi
l’allant
requis. On goûte notamment
la netteté des octaves du piano I,
la douceur de l’accompagnement du piano II et
la précision rythmique de l’énoncé
(ornementation,
triolets,
quintolets,
sextolets,
rythme pointé…).
L’usage judicieux de la pédale de sustain assure une résonance qui n’est jamais floutage mais, au-delà du confort d’écoute,
prolongement,
accompagnement et, en quelque sorte,
gestion du son,
lequel est autant pensé et pesé que posé.
La variété des couplets,
le recours au mode mineur, et
les différenciations
d’accents,
de touchers et
de phrasés,
pour partie écrits, pour partie propres aux interprètes, alimentent la richesse d’une partition qui paraît pourtant simple et benoîte si l’on l’entend au lieu de l’écouter.
La complexification des échanges entre les deux musiciens,
la sûreté du tempo et
l’art de respirer de concert
permettent de savourer les embardées étonnantes que ménage la partition, notamment en matière de modulations,
ici tuilées logiquement,
çà fondues-enchaînées,
là secouantes (le Fa à 5’48, pour préparer le Sol7 !).
Plus énergique, la partie en Ut ne se dépare point toutefois d’une élégance dont témoigne le dialogue entre les deux partenaires.
L’instabilité tonale,
le motorisme du piano II,
le pétillement de notes répétées dans les registres aigus du piano, mais aussi
le plaisir du refrain
alimentent l’intérêt de l’auditeur. Le rapprochement entre la main droite du piano II et la main gauche du piano primo concentre un temps la sonorité vers le médium, ajoutant une couleur à la palette jusqu’ici utilisée par Franz Schubert. Ce nonobstant, ici comme ailleurs,
nulle affèterie mignarde,
nulle agogique minaudante,
nul stabylotage intempestif.
Triomphent
l’écoute mutuelle des pianistes,
une profonde intelligence de la partition, et
un sens de la musicalité impressionnant (jusque dans le détail de la walking bass autour de 9’50, par exemple, avec la sélection des blue notes à faire sonner plus que les autres…)
Le lead confié au piano II pour le retour du Fa signale le louable souci de renouvellement du compositeur, par-delà la cyclicité propre à la forme du rondo. La coda associe
la liberté de la presque cadence rubato,
la netteté du finale commun, et
la jubilation du point d’orgue avalant le son dans le temps long du silence.
Une proposition jamais spectaculaire, toujours délicate : de quoi mettre en appétit pour les 8 variations opus 35 qui concluent le premier disque et que nous évoquerons très prochainement !
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Les danses pour piano de Franz Schubert sont souvent considérées, en grande partie, comme la petite monnaie des grosses coupures que seraient les chefs-d’œuvre du compositeur. Pourtant, même s’il est évident que les quatre polonaises opus 75, évoquées dans le deuxième épisode de cette chronique d’Insieme, n’ont ni l’ambition ni la puissance de la fantaisie en fa mineur opus 103, évoquée dans le premier épisode. Néanmoins, Monica Leone et Michele Campanella semblent résolus à ne pas s’en tenir aux mastodontes du catalogue pour élargir un peu notre image gentiment étriquée et sagement conventionnelle de la geste schubertienne. Dans cette perspective, l’auditeur doit admettre qu’il ne sera pas soufflé par la force émotionnelle émanant de la musique ; il est appelé à profiter de divertissements bien troussés et exécutés avec soin. En témoigne le D.618, composé en 1818 et constitué de deux parties. La première est une danse allemande agrémentée de deux trios. La danse allemande, un trois-temps en Sol, est d’une élégance confondante en dépit de son côté terrien
(rythme,
simplicité harmonique,
cyclicité des motifs)
Nulle bourrinade dans cette version, mais une dose ébouriffante de finesse :
le pianissimo exigé par le compositeur unit les quatre mains dans une même douceur ;
l’appui sur le premier temps se fond dans l’anacrouse swing ;
les petits mordants ajoutent une révérence à la chorégraphie imaginaire des danseurs.
Le premier trio trouve un nouveau souffle en transformant le 3/4 en 6/8.
Ça gambade,
ça sautille avec plus de mordants,
ça contraste entre
forte piano,
piano,
sforzendi,
forte…
Tout est senti :
les ralentis modérés et parfaitement synchrones,
les crescendi et
l’accompagnement à la fois discret et efficace assuré par Michele Campanella.
Le second trio, invitation non dissimulée à boire chopine, brille par
ses accents,
ses tierces simples et entraînantes, et
ses changements d’intensité.
On applaudit
le contraste franc et assumé entre la tonalité d’Ut et le retour du thème en Sol sans penser par le Ré7,
la friction de couleurs entre un trio franc du collier et un premier motif beaucoup plus intérieur, et
la capacité de Monica Leone d’user d’une large palette d’attaques, de touchers et de phrasés.
L’opus se poursuit avec deux Ländler, id sunt deux danses paysannes. On est toujours à trois temps, évidemment, pour le swing, mais on passe dans la tonalité de Mi. La première danse saisit par la ligne escarpée de la mélodie, jouée dans des aigus cristallins. La grâce de Monica Leone est parfaitement soutenue par la maîtrise du clavier que déploie Michele Campanella pour en tirer des piani refaisant l’éloge du Steinway 1892 que jouent les deux artistes.
La seconde danse, enchaînée, joue sur les différences de sonorité provoquées par les changements d’octave, avec une tendance à l’alanguissement quasi chopinienne… La première danse est alors un da capo délicieux. Comme quoi, des pièces mineurs (en majeur) peuvent faire fondre le petit cœur sensible de l’auditeur et lui faire avaler son chapeau sur une hiérarchie de plaisirs mélomaniaques qui n’existe pas toujours ! Dans ces conditions, manger son chapeau est un plaisir qui relance notre intérêt pour ce disque que les quatre polonaises, en dépit de l’excellence de l’interprétation, avait presque mis en question.
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Les quatre polonaises de 1818, opus 75, codées D.599, s’ouvrent sur une danse en ré mineur. Monica Leone et Michele Campanella tâchent d’y associer
rythmique fonctionnelle,
mignonnitude de la ligne mélodique parfois doublée à l’octave, et
contraste du trio.
Cela est fait avec un mélange
de sérieux,
de délicatesse et
de foi
dans une œuvre dont l’intérêt est surtout d’être moins intéressante que les grandes pièces pour quatre mains, ce qui permet à l’auditeur de relâcher sa tension et son émotion après la prenante Fantaisie en fa mineur. La polonaise en Si bémol majeur
sautille joliment dans les aigus,
respire avant ses reprises,
sublime ses nuances piani d’accompagnement et de lead.
C’est fait avec un goût extrême (ceci n’est pas une insulte) sans convaincre que le savoir-faire artistique des interprètes ne tente pas un peu vainement de sublimer une partition fort pimpante – c’est pas si mal – mais guère frissonnante.
La polonaise en Mi confirme les qualités ouïes précédemment :
science du toucher,
astuce du phrasé,
capacité de placer l’accent juste pour rendre punchy l’énoncé mignon.
L’exécution est remarquable.
La mélodie est déliée (les ornementations !) mais décidée,
l’accompagnement est léger mais assuré et présent,
les effets de synchronisation sont admirables mais d’un naturel confondant.
Quoique délectable, l’écoute mais laisse le fan de Schubert sur le gué s’il n’est pas hardcore : joué par de tels artistes, c’est
plaisant à ouïr,
clairement capable d’éblouir techniquement le clampin qui a ploum-ploumé sur un piano avec balourdise et se rend compte qu’il lui manquait un détail pour faire musique : le talent, mais
tellement loin d’émouvoir tant ces partitions sont secondaires dans la geste schubertienne.
La quatrième polonaise en Fa n’efface aucun des charmes des pistes précédentes. Il y a
de l’énergie dans l’accent,
de la précision dans la synchronisation de l’intention,
de l’efficacité dans l’impulsion et
de la science musicale dans l’art de donner du sens au propos par la valorisation
d’une harmonie,
d’un effet d’attente,
d’un motif.
Les interprètes n’y peuvent mais : en dépit de
leur perfectionnisme,
leur science,
leur conviction,
l’urgence de produire ces œuvres sur CD ne paraît pas évidente. Une explicitation sur le livret aurait peut-être défloré le mystère mais aurait aussi orienté le curieux. Peut-être la confrontation d’un opus de 1818 et d’un autre de 1828 nous montrera-t-il pourquoi si, en fait ? À suivre, donc.
Pour acheter le double disque, c’est par exemple ici.
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Jouer ensemble (« insieme ») : voilà le projet, guère original, de cet ample parcours de l’œuvre pour quatre mains de Franz Schubert, une formation qui inspirait particulièrement le compositeur. Bien que le disque soit paru tout récemment chez Odradek (livret en anglais et en italien), c’est en juillet 2008 que, armés d’un Steinway 1892 et des micros de Valter Neri, Monica Leone et Michele Campanella entamaient l’ascension des montagnes schubertiennes par la face D.940, celle de la fantaisie en fa mineur opus 103 de 1828, distribuée en quatre mouvements. L’allegro molto moderato, tube inusable, distribue clairement les genres : au piano II (Michele Campanella),
la rythmique,
le groove et
l’harmonisation ;
au piano I (Monica Leone), la ligne mélodique éventuellement doublée à l’octave inférieure. Le swing naît de l’assemblage entre le balancement du piano II et les déséquilibres du piano I :
rythmes pointés,
appogiatures,
légèreté du toucher et des intensités contrastant avec la tension ou la nostalgie ici diffusée par le mode mineur.
L’inversion des rôles nourrit la tentation de passer au mode majeur : d’abord penchant vers le La bémol, soit la gamme relative de fa mineur, elle bascule ensuite en Fa, soit la même tonalité qu’au début mais dans un mode différent. Les pianistes transforment ces considérations ascétiques en musique par
la délicatesse de leurs touchers qui écrête les arêtes en préservant leur réjouissante âpreté,
leur capacité à unifier le son sur l’ensemble des registres sans aplatir les contrastes nécessaires aux dynamiques, et
leur sens du rythme qui donne de l’épaisseur mais aussi du mystère à leurs respirations et aux silences.
Des accents forte et des triolets entêtés marquent le retour en fa mineur mais pas la fin des modulations. Le calme semble revenir quand le motif liminaire revient avec sa guirlande d’arpèges en triolets ; puis une mutation en majeur suggère une résolution solaire que fait trembler l’arrivée du largo en fa dièse mineur. L’ambiance martiale est propulsée avec énergie par Monica Leone et Michele Campanella grâce
à des accords staccato descendants auxquels répondent des octaves ascendantes du piano II,
à des rythmes doublement pointés, et
à la rugosité des sforzandi.
On apprécie
l’instabilité tonale,
les variations de couleurs,
les échanges entre les pianos et
le temps laissé aux suspensions du discours
qui jouent pleinement la carte de l’interlude, comme improvisé avant le retour d’un tempo énergique.
L’allegro vivace, ternaire, travaille la complémentarité entre
accents sur le premier temps,
délié des croches et
efficacité des possibles variés offerts par le duo
(de deux à quatre mains,
avec un accompagnateur en I ou en II,
possibles effets d’entraînement mutuel).
Monica Leone et Michele Campanella se distinguent par
la précision de leurs effets,
leur absence d’affèterie et
la légèreté d’un toucher conférant un supplément de paillettes à la danse.
Le passage « con delicatezza » en Ré n’échappe pas à cette esthétique qui sait
se parer de grâce,
s’enivrer d’élégance mais aussi
se tendre brusquement lorsque le texte l’exige.
Après le retour de la partie A, une jolie transition revient au tempo primo avec sa tonalité de fa mineur et son thème dont on ne sait s’il est
nonchalant,
nostalgique ou
empreint d’une ensuquante lassitude
mais dont la douceur et l’amertume nous saisissent pour notre plus grand délassement. Désormais,
ses hésitations tant modales que tonales,
ses contrastes de caractère et
son allant paradoxal avec
rythmes pointés,
friction du ternaire contre le binaire,
accents excitants
nous sont familiers et se parent cependant de nouvelles vêtures – ainsi de ce fugato qui
nourrit le propos sans l’enflammer,
fait circuler le thème sans l’estomper derrière une polyphonie massive, et
ajoute un pli à l’éventail du développement créatif indispensable à la « fantaisie » sans, pour autant, opter pour la veine rhapsodique.
Coda méditative incluse, dans cette interprétation, il y a
de la rigueur,
de l’honnêteté,
de la variété
de la sensibilité et
de la finesse.
Une aguichante porte d’entrée pour aborder les cent dix-neuf minutes qui sont au programme !
Pour acheter le double disque, c’est par exemple ici.
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… et pour finir leur disque, David et Slava Guerchovitch proposent de parcourir un autre pan de l’imaginaire ravélien : la musique d’Europe de l’Est. Cheval de bataille des violonistes, Tzigane est un « morceau de virtuosité dans le goût d’une rhapsodie hongroise » et s’ouvre sur une longue introduction jouée par le violon seul lentement et avec l’apparente liberté d’une cadence. C’est donc parti pour un festival de
rubato,
frictions de tempo,
suspensions du discours avec ou sans point d’orgue, et de
passages « molto espressivo ».
David Guerchovitch sait
prendre son temps et lâcher les p’tites saucisses,
varier les couleurs du son et les types de vibrato,
glisser sur son manche et ciseler les notes.
Doubles et triples cordes ne lui font pas plus peur que longues tenues ou harmoniques. Il donne à entendre la fausse improvisation que l’on attend. Le piano virtuose le rejoint pour clore la cadence et lancer le second mouvement sur un ostinato qui circule d’un compère à l’autre.
Le dynamisme des appogiatures,
l’habileté des changements de tempo synchronisés, et
l’impression de naturel qui découle de l’aisance technique des interprètes
rendent fort agréable l’écoute de cette œuvre à grand spectacle. La rhapsodie sait garder son aspect surprenant sans s’éparpiller dans le décousu.
Les dissonances pianistiques du « grandioso » sont savoureusement mises en valeur ;
le miroitement kaléidoscopique d’un moderato changeant se déguste comme du petit lait ou, pour ceux qui préfèrent, un bon Cornas ;
le chaos rythmique de la coda groove sec avec ses changements
de mesure,
de battue et, évidemment,
de type d’agogique (entre « poco meno vivo » et « sempre accelerando ») dans le grand geste du finale.
Autant conclure que, avec cette proposition, les frères Guerchovitch confirment leur art mais aussi leur manière. L’auditeur à la recherche
de rugosités enflammées,
de contrastes virulents ou
de grandes secousses
passera décidément son chemin – en ce sens, la photo illustrant le disque ne ment pas ! Au contraire, celui qui aime des interprétations
propres mais point routinières,
tenues mais point lisses,
bien élevées mais point guindées
pourra au contraire trouver dans ce disque un Ravel bien troussé qui lui siéra à merveille !
Pour écouter gracieusement le disque en intégralité, cliquer ici. Pour l’acquérir, cliquer par exemple là. Pour retrouver les chroniques autour du premier disque de Slava Guerchovitch, cliquer sur les hyperliens infra. Johann Sebastian Bach Maurice Ravel 1et2 Franz Liszt
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