Certains préludes de choral de Johann Sebastian Bach comptent parmi les chefs-d’œuvre de la littérature pour orgue. À l’occasion des « Petites symphonies pour un nouveau monde », Anna Homenya a interprété dans les conditions du direct ce trio (chaque main et les pieds ont une importance égale) d’une difficulté redoutable en théorie… même si, en pratique, il paraît couler de source. Constatez par vous-même, grâce à cette vidéo d’Inna Ouvaroff habillée par Esther Assuied !
Voici, signé par le trio Toucher (le nom n’est pas explicité), associant Rémy Souvay, Reiri Taniguchi-Letourmy et Hiromi Maekawa, un double disque entre. Oui, un double disque entre. Ce sera ma captatio, voilà.
Double disque entre
Pour le définir, on peut néanmoins le décrire comme une série de cent poèmes compilés à Kyoto au treizième siècle, et mis en musique à 94 % par l’excellent guitariste Rémy Souvay (deux mélodies sont troussées par la pianiste Reiri Taniguchi-Letourmy, et quatre sont repiquées de mélodies françaises plus ou moins tradi, même si l’une aurait mérité un crédit, on y reviendra). Dès lors, les intérêts sont multiples. Proposons-en une tétralogie.
Premier intérêt, la variété des atmosphères, de la lamentation qui accompagne l’attente du chéri contre la lune de glace à l’adoration en pointillés de Bouddha, en passant par l’observation du cosmos, de la nature et, partout, du désir, de l’incommunicabilité et des errements sociabilisateurs – j’synthétise approximatif.
Deuxième intérêt, la concaténation, qui consiste à enchaîner des pièces ressortissant d’atmosphères distinctes : ainsi l’« agitation vaine » de la barrière d’Ausaka s’enchaîne sur la mélodie richement harmonisée pour piano seul évoquant le bateau de pêcheurs, le guitariste se réservant le plaisir d’admirer les pupilles des filles avec effet stéréo d’une voix pour partie parlée. Plus loin, le duo piano-voix peut voguer sur la mer (76) avant de ruisseler dans « D’interminables chutes » qui précède les bâillements longtemps monodiques du « Cri de pluviers », etc. En bref, même si l’idée de cent miniatures peut effrayer le chaland, la réalité est que Rémy Souvay sait fomenter des rebonds qui permettent une écoute continue fort captivante. Oui, même quand l’écoute est surprise par le défi, comme dans la vidéo suivante.
Troisième intérêt du disque, le métissage des styles : se frottent, entre autres,
L’ensemble ne renonce pas à une certaine préciosité (« Ma mémoire amoureuse ») ou à des soubresauts étranges (« Mon amour qu’on évente », avec percussion) dont l’insertion dans un ensemble accessible à tous renforce l’intérêt. En clair, même pour ceux qui ne connaissent rien à la musique japonaise (celle-ci est plutôt souvayique), et nous en sommes, les embardées plus expérimentales captent et avivent l’attention au lieu d’escagasser l’écoutant moyen. Pour animer cet intérêt vif au long des 140′, l’instrumentation est essentielle. Souvent, les instruments sont utilisés classiquement, qu’ils soient caresses, suggestions ou serviteurs de la mélodie ; parfois, un usage plus étrange surgit (cordes frottées ou sons étranges) ; puis des sons ou bruits attirent l’ouïe, laissant sciemment imaginer qu’il n’y aurait pas que guitare et piano (disque 1, piste 25 ou 32, par ex.). Venons-y…
Quatrième intérêt du disque, la tension entre continuité d’un trio et changements dans la continuité.
Parfois, le piano l’emporte.
Parfois, la guitare suffit à porter la voix pour contempler « les herbes merveilleuses » sous la première lune ou, sur des accords sans fioriture rythmique, pour pleurer « Sur les chemins de terre ».
Parfois, la voix se dédouble (« N’attendant de personne », en duo mais a capella) et mélodise autant qu’elle percussionne voire ronfle (« Votre avant-bras en appuie-tête ») pour nous inviter à la rejoindre « en Inaba », n’hésitant pas à s’associer à la voix d’un homme dans le cinquantième poème.
Parfois, la guitare suit la voix dans ses diversités comme dans l’espoir que, « peut-être au nouvel an / y verrons-nous assez ».
Parfois ça bruite au début (99) ou au début et à la fin (91).
Parfois, ça percussionne afin de « protéger le pays » (si seulement !), afin de faire rougir les érables tout autour de Nara (avec riff de guitare aux puissantes basses pour la reprise, 69), ou afin de cacher « désir et espoirs ».
Parfois, un instrument japonais se glisse (72).
Parfois, ça part en distribile comme pour vérifier si l’auditeur écoute ou pour lui donner envie d’écouter le second disque (entre coup de tam-tam et cliffhanger pour la moitié du bavardage de la cascade partiellement francophone du 55, dernier titre du premier disque à opposer au dernier du second faisant, en toute discrétion disparaître « les splendeurs du Palais ») – le plus étonnant : ça fonctionne fort bien !
Un livret étrange aiguise et tempère notre intérêt pour trois raisons.
Premièrement, il est allusif mais incomplet. Pourquoi ne pas citer l’ensemble des instruments et le rôle de chacun ?
Deuxièmement, il propose deux traductions en parallèle, en français et en anglais. L’une et l’autre n’ont rien à voir. L’absence d’explication à cette incohérence assumée est un brin irritante pour le plouc non nippophone. De même, pourquoi le guitariste signe-t-il la version francophone… et personne la version anglophone ?
Troisièmement, on aurait aimé ne pas rester que dans l’expectative relativement aux choix musicaux en général. Pour prendre un exemple concret, même si l’on apprécie la dissémination irrégulière des remix de mélodies jadis bien connues, laquelle dissémination surprend donc dynamise l’écoute au long cours, quelle est la signification des mélodies traditionnelles réutilisées ? Spécifiquement, deux questions :
Ce disque séduira-t-il davantage les amateurs d’AMSR que de chanteuse à voix ? Il faut sans doute aimer les deux pour saluer l’interprétation remarquable de Hiromi Maekawa (ainsi désignée sur sa photographie, même si le générique officiel gomme son nom de famille). Toutefois, le disque intéressera plus généralement les amateurs de musique variée, réfléchie, intelligente et, osons le mot, questionneuse. On ne finira pas la recension de ce travail étonnant mais certainement pas réductible au stigmate supputé de « conceptuel » dans un monde où la première syllabe suffit à définir tant de productions, sans saluer le mastering de Jean-Pierre Bouquet, qui rend les cent finesses du double disque sans gommer les fins de titre parfois vivantes.
Grâce à lui est accessible, en version disque compact, le souci artistique du pétrissage sonore par-delà l’expression de la note (respirations, souffles, textures différentes comme dans « Le chant du rossignol »). Chapeau à tous, y compris au label – avec lequel nous sommes acoquiné, mais nous assumons entièrement nos propos – qui ose le pas de côté propice non point aux snobs mais aux curieux et aux défricheurs.
Pour écouter les 100 chansons, c’est ici.
Pour acheter le double disque, c’est là.
La vie des grands pianistes confinés, comme Vittorio Forte, that’s really something else.
Un peu de musique inactuelle, jouée sur un instrument inactuel par une musicienne actuelle : tel est le programme du jour, qui poursuit notre exploration des « Petites symphonies pour un nouveau monde » en mode confinement avec la seconde prestation d’Anna Homenya au clavecin, autour d’une pièce signée par un zozo née l’année de la mort de Louis XIV et mort l’année de la Révolution française. Laissons-nous aller à rêver avec grâce(s).
Second extrait des « petites symphonies pour un nouveau monde » offertes par Jasmina Kulaglich, cette mazurka oscillant entre brio, énergie et fragile équilibre, comme pour traduire un feu intérieur indispensable pour aller de l’avant, vivre pleinement ses émotions et exister par la musique. Celle que l’on écrit, que l’on joue ou que l’on écoute, coda incluse. Hop, c’est parti !
Pour l’instant, nous n’allons plus aux bois, les guichets sont fermés. Peut-être un jour retournera-t-on affronter des guichets ouverts, et tant mieux si le loup y est.
En attendant, acheter le disque dont est extraite cette chanson reste d’une simplicité postale et se règle ici.
C’est une minute trente. Volée au bruit et aux parasites. Une respiration. Rien. Donc l’essentiel, résumé par Philip Glass, Paul Barnes et Nicolas Horvath. Un luxe quasi accessible quoique gratuit, offert par l’artiste, le festival Komm, Bach! et la paroisse Saint-André de l’Europe.
C’est un truc évident et injouable, avec des breaks incessants et invisibles, et des mesures improbables. Pourtant, ce remix bachologique de Jean-Denis Michat sonne avec un naturel swinguant qui sidère grâce aux images d’Inna Ouvaroff, à la précision d’Anna Homenya et au souffle de Dmitry Uvarov – un disciple de… Jean-Denis Michat.
Démonstration en vidéo ci-dessous.
Comme Georges Perec, je me souviens, grâce à la quinte augmentée dont s’est gaussé Jean-Pierre Bouquet, du soir de la création de cette chanson où un de mes chanteurs préférés, Jean Dubois, qui m’avait déjà accusé d’user de trop d’élisions, m’a dit, malgré la dernière syllabe de son patronyme : « Tu crois pas que tu chantes trop de chansons à boire ? » Mon foie, je ne sais pas même si j’ai bien ma p’tite idée, bien sûr.
Ce nonobstant, j’espère toujours que ceux qui aiment la chanson avec du texte éventuellement liquide dedans continuent de soutenir la fredonnerie avec du texte en acquérant, selon leurs moyens et leurs désirs, 44 chansons ou presque ici. Précisons que la photo est issue d’une séance réalisée pour la marque urban Kuhuru.
Menée par des oufs malades de l’os de la tête, cette ligne a aussi signé la photo de couverture de l’album quadruple. Respect et reconnaissance à elle et à ses mystérieux meneurs. Pour retrouver la partie émergée des susdits secoués du ciboulot, et je sais de ce qu’est-ce que je parle au niveau soukouss de la matière grise, ça se passe là.
Les habitués de ce site le savent, Vittorio Forte est un pianiste éblouissant – et généreux, comme en témoigne sa partition au tout p’tit festival Komm, Bach!. Il n’est pas encore le plus connu des ploum-ploumistes ? Soit, mais si, en entendant la vidéo ci-dessous (enregistrée par lui chez lui), vous ne vous dites pas : « Wouah, quelle poésie sous l’aisance superlative du zozo » ou quelque chose d’approchant, j’en perds mes patins. Ah, que le connard qui fixe nos morts épargne l’espace allant de ces lilas-ci au fin fond du prochain concert parisien de Vittorio !