Jazz page 2

« Lettres d’ami, courriers d’amour se font de plus en plus rares » chantait naguère Jacques Serizier. Voici pourtant la transcription – notre transcription – d’une épistole que Pat Metheny envoya aux Terriens en 1991.

Les volutes du sax s’élèvent au-dessus d’un orgue obstiné qui vient fricoter avec la mélodie avant de reprendre sa place : bienvenue dans une relecture de « Are you going with me? » que n’avaient sans doute pas prévue Pat Metheny et Lyle Mays, ses compositeurs !

La meilleure biographie de Bill Evans a été écrite par Lyle Mays. En voici une version estivale, portée par le souffle, le son et l’inspiration de M. Pierre-Marie Bonafos en personne !

C’est pas dur d’aller loin,
c’est partir qu’est pas rin

chantait Allain Leprest. N’empêche, je suis fier, euphémisme, d’avoir embarqué avec Pierre-Marie Bonafos pour une aventure commencée avec des concerts tout classiques, tout mignons, un peu réduits en regard de son espérance parce que je n’ai pas la dextérité redoutable d’Alexandra Bruet, son accompagnatrice officielle actuellement empêchée par les joies d’un Covid long, mais pétillants, ce me semble, dans lesquels, chemin faisant, le jazz a infusé de plus en plus. En parallèle, ensemble, puisque je n’ai nul souci à exploiter les talents sympa, nous avons partagé des domaines où je n’ai nul complexe, comme la chanson et le jase. Puis nous avons mis au centre de l’échange de plus en plus de jazz. On a jazzifié des classiques. Joué des classiques de jazz. Jazzé, en somme.
Avec du vrai jazz, donc avec des 6b, des 11# et des « ben non, y a pas de mi dans cette mesure parce que c’est le renversement de quinte par opposition au sous-marin en B7 ». Du jazz, donc.
Depuis les cours ronéotypés et très précis d’un prof de clarinette foufou, j’avais peu repratiqué ce monde réputé hostile aux étrangers, donc hyper attirant parce que, bien mené, ça le fait grave. Alors, nous avons cheminé à base de tranquillade. Jusqu’à proposer cette rencontre entre un ploum-ploumiste classico-chansonnique et un jazzman autour d’une admiration commune : Pat Metheny, featuring forcément Lyle Mays. Ça s’appelle A map of our world et, ce 21 juin, ça commençait comme ça.

On avait quitté le quartet après le premier set narré ici avec une question : les quatre jeunes jazzmen d’un niveau remarquable allaient-ils oser s’encanailler lors de la seconde partie ? L’affaire commence bien : le quatuor est devenu trio. Charlotte Isenmann, la meneuse de revue, a disparu. Sur « Not sad anymore », une composition ternaire du pianiste Pierre-Louis Le Roux, soucieux de rassurer Brad Mehldau qui lui intimait « Don’t be sad », la vedette du combo manque mais ne manque pas. C’est astucieux : l’éphémère changement de configuration varie les couleurs et permet d’explorer d’autres possibles sous-jacents à la formation.

• Maîtrise de l’exposition,
• solide contrebasse,
• sûreté de la geste improvisée…

… et retour de Charlotte Isenmann pour « Poggy », un titre écrit par Emilian Ducret, à la batterie. Rythme ternaire toujours, mais plus saccadé (presque attendu, pour un rythmicien !), sur lequel s’envole la flûte dans un éclair d’euphorie que prolonge un solo de piano ensoleillé. Charlotte Isenmann creuse cette dynamique, entre

• traits,
• tenues et
• rebonds joyeusement inattendus

avant qu’Emilian Ducret ne s’autorise un break plutôt qu’un solo. Judicieusement préparé par un prélude, « For Jan » de Kenny Wheeler (et Norma Winstone) prolonge l’étude du mouvement à trois temps avec une valse que Charlotte Isenmann impulse sur deux octaves. Le dialogue entre piano et contrebasse est fin. Le toucher de Pierre-Louis Le Roux y fait merveille. Si l’on croit sentir – mais peut-être s’enkyste-t-on dans une opinion virant à la pénible fixette – une sagesse élégante et parfois limitante, on ne peut que saluer la maîtrise

• des codes,
• de la richesse harmonique et
• des possibles instrumentaux,

les deux aspects n’étant pas contradictoires puisque l’envie de bien jouer, fort compréhensible, limite la prise de risque ou la curiosité pour les chemins de traverse. À l’occasion d’un premier passage dans l’une des mecques – ceci n’est pas de l’écriture inclusive – parisiennes du jazz, rien de choquant, admettons-le, les jeunes futurs pros devant, ab initio, bien faire leur job. Le solo de contrebasse n’en séduit pas moins par sa tonicité et sa motricité roborative, même si la doublure envahissante de l’instrument par la voix pourra, au choix, intéresser car étoffant la personnalité du musicien ou paraître quelque peu superfétatoire.

Un swing à l’ancienne est solidement rendu par l’équipe autour d’un Dave Brubeck, d’abord en trio puis en quartet. Cette énergie irrigue le solo de Pierre-Louis Le Roux. Certes, la fièvre du moment n’oblige pas cet ex-pianiste classique à jeter sa gourme de premier de la classe pour mettre le feu mais, s’il refuse le vertige, le musicien roué accepte l’ondulation des boucles et communique sa sérénité rayonnante aux spectateurs. Puisque jouer ensemble, c’est lancer des balles, Charlotte Isenmann saisit le projectile au bond et poursuit dans une veine similaire, associant

• le sérieux des traits limpides,
• la justesse dans les idées et
• le désir de mêler diverses astuces d’improvisation…

… même si on connut la demoiselle plus fofolle quand elle improvisait en solo avec sa pédale de loop et ses propositions çà et là bruitistes.
Le socle de ces quatre-là reste une maîtrise instrumentale assez ancrée dans leur pratique pour ne jamais être brandie telle une garantie de qualité musicale, ce qu’elle ne saurait être, n’étant pas une fin mais une condition sine qua non. En témoigne le nouveau thème écrit par le batteur et marqué par une certaine instabilité rythmique pour le moins gouleyante. Le solo de Gabriel Sauzay se fond dans ce désir presque dansant, et se révèle à la fois mélodieux et solidement enraciné dans le groove. À son tour, la flûte se saisit du thème déchiqueté. Elle en rejette la radicalité potentielle pour mieux flatter sa musicalité. Emilian Ducret y va, enfin, de son solo où trois qualités sautent aux esgourdes :

• franchise,
• variété sonore et
• tonicité.

« Do or do not », enchaîné, offre une belle unité du duo flûte + contrebasse. Le solo de piano, léger, vibre d’une énergie qui pousse vers le haut et s’abreuve à une virtuosité toujours artistique. Le solo de flûte semble se focaliser sur une méditation harmonique articulée autour

• de gammes,
• d’envolées dans le registre aigu et
• de contrastes n’hésitant pas à frotter.

Le solo de contrebasse vient se fondre à la flûte pour la reprise du thème bientôt soutenue par Pierre-Louis Le Roux. Le travail est bien fait. Tant pis pour celui qui s’étonnerait que le regard circule aussi peu entre les partenaires : la musique, elle, circule. C’est évidemment l’essentiel.

La fin du set approchant, c’est le moment de glisser « Criss Cross », un thème de Thelonious Monk qui fonctionne sur

• les sauts,
• les chromatismes et
• le morcellement.

En s’inspirant du roi de la dissonance, Charlotte Isenmann explore

• le demi-ton efficace,
• le contre-rythme optimal et
• le souffle seyant au propos.

Le discours s’efforce de faire fruit de toute graine voire de tout grain. Aussi apprécie-t-on que le travail s’attache aussi bien à donner vivacité et vitalité

• à la mélodie,
• à l’harmonie et
• au son lui-même.

Pierre-Louis Le Roux s’enfonce avec gourmandise dans la quête de la note juste, donc de la friction induite par

• les intervalles,
• les accents et
• les phrasés.

Emilian Ducret prend sa suite, démontrant son souci de transformer sa machine percutante en boîte à musique via une exploration spectrale de ce qu’il lui est donné de sculpter, notamment

• les sonorités,
• les rythmes,
• les intensités,
• les mutations de tempi,
• les contrastes de caractère et
• la virtuosité des touchers.

Après un prélude renouant avec le duo flûte et contrebasse qui rappelle évidemment la célèbre version associant Dave Holland et Steve Coleman, la flûte se saxophonisant dans l’ouïe des aficionados, l’heure des regrets ambigus a sonné : le quartet de Charlotte Isenmann se lance dans « Little one, I’ll miss you », un titre ternaire comme pour boucler une seconde partie très marquée par ce balancement. Pour la dernière tune, la patronne s’empare de son solo avec la volonté de partir en quête

• d’évanescence,
• d’envol et
• de liberté.

Pierre-Louis Le Roux profite du contraste entre cette jolie chanson de Bucky Green et Abbey Lincoln et le thème précédent, bien moins pop. Ici, la mélodie – réputée écrite à l’origine dans cette stupide tonalité de la bémol mineur – ne craint pas l’efficacité

• du swing,
• de la descente chromatique (F7 et Bb après F#m et B) ni
• de la trouvaille géniale donc simple qui fait d’un thème un earworm en puissance (l’enchaînement de Gb7 sur Abm, à la troisième mesure, est garanti super efficace).

Le pianiste a l’intelligence de ne pas écraser cette efficacité sous un étalage de virtuosité. En effet, à ce stade du concert, on a bien compris qu’il savait jouer. Il n’a plus besoin de démontrer qu’il n’est pas un nobody, euphémisme. On peut juste profiter de ce que sa technique lui permet de musiquer. C’est malin, adapté et fin. Pour conclure la tournée des soli, Gabriel Sauzay, en dépit de sa tendance à doubler à la voix son récit instrumental dont on admet qu’elle a pu, parfois, dans notre liberté snob de spectateur, nous impatienter, arrache un dernier beau solo à son instrument,

• la puissance,
• la tonicité et
• l’inventivité de sa main droite

s’associant à son savoir-faire et à sa maîtrise de l’exercice.
Ainsi s’achève la belle prestation de ce jeune quartet qui maîtrise son sujet et devrait, par la suite, s’ouvrir des perspectives encore plus personnelles s’il se laisse tenter par l’axiome – un peu bizarre et pourtant souvent juste – selon lequel, parfois, quand ceux qui jouent très bien jouent moins bien, ils jouent encore mieux. À moins que, loin d’un projet de lâcher-prise, ces quatre esprits s’inventent d’autres spécificités marquantes qui leur seront propres et, peut-être, plus naturelles ? Le fait est que, en espérant que leur aventure collective n’en soit qu’à ses débuts, nous sortons de la boîte avec la hâte de les réentendre dans quelque temps, quand leur relation aura encore maturé, c’est encore plus chic que mûri, ce me semble. Il n’est sans doute pas d’indice plus solide que cet empressement pour en déduire que, même pour un non-jazzologue, le concert fut savoureux !

Bien qu’elle semble tout à fait réelle, Charlotte Isenmann est une fille de synthèse. Née de la rencontre entre un batteur de jazz et une artiste lyrique, elle a réussi à fusionner les prédispositions génético-culturelles qui lui étaient allouées en devenant flûtiste de jazz. La flûte pour la vocalité humaine ; le genre de musique peut-être par atavisme et inclination – par destin, peut-être aussi. Sa carrière s’annonce sous les meilleurs auspices : alors qu’elle s’apprête à monter sur la scène du Sunside avec le quartet qu’elle a fomenté, elle est en lice pour intégrer le CNSMDP – plus que quelques écrits et, inch’Allalalalah, le tour sera joué.
Devant un public où se mêlent habitués, famille et copains des conservatoires, c’est « Bondy », son titre-fétiche, qu’elle a choisi pour ouvrir le premier set. Le thème est idéalement taillé pour faire briller le mélange de douceur et de synchronicité que les compères semblent vouloir préempter comme marque de fabrique. Douceur, heureusement, n’est point gnagnantise. Lors de l’exposé liminaire, la tension monte et les contretemps claquent.
Pierre-Louis Le Roux, au piano, se voit octroyer le premier solo de la soirée. Pas de grande prise de risque au programme, mais, avec le soutien pertinent du collègue batteur, déjà un savoir-faire assuré, qu’illumine un sourire constant – c’est devenu rare, alors qu’un musicien qui admet sur scène qu’il kiffe le moment, c’est pas forcément désagréable pour le public ! Gabriel Sauzay, à la contrebasse, nous fait une Glenn Gould en chantant ses notes presque aussi fort qu’il les expulse de la grande carcasse claquant sous ses doigts. La flûte vient sporadiquement titiller l’ample ogre à cordes, créant un fil rouge pertinent dans l’art de contraster et de varier les atmosphères sans perdre l’auditeur entre cahots et éclats de lumière.
« Cubism » de Kurt Rosenwinkel valorise le duo flûte-contrebasse. Pierre-Louis Le Roux propose ensuite un solo axé sur des loops énergisantes, tandis que les quatre zozos veillent à jouer ensemble et non côte à côte, tant dans les traits à l’unisson que dans le son tout court. « Behind the storm”, écrit par le pianiste, creuse cette veine avec un riff d’accompagnement quasi minimaliste précédant l’arrivée de la flûte, à l’unisson avec la main droite. Son solo retarde, malicieux, le moment où les doigts vont se délier, créant une intensité croissante certes archétypale mais fort bien menée et harmoniquement nourrie. En réponse, le solo de Charlotte Isenmann va gratter ailleurs des harmonies plus râpeuses, que le pianiste sertit en assourdissant manuellement les cordes. La patronne du quartet varie les registres et les astuces (attaques, phrasé, répétitions…) avant de conduire son petit monde à la reprise du thème – des extraits de ces trois premiers thèmes sont proposés dans la vidéo infra.

Sonny Rollins et son « Airegine » (anagramme de Nigeria, précise la flûtiste, et pourquoi pas ?) électrisent l’atmosphère grâce à l’arrivée d’un swing riche de possibles, auquel Gabriel Sauzay rend justice. Ces jeunes musiciens ont beau revendiquer une écriture moins ouvertement catchy, ils savent aussi jouer le répertoire. Portée par la pulsation harcelante de la contrebasse, le solo de flûte libère l’assistance qui s’autorise enfin à clap-clapper en fin de performance. Émoustillé en dépit d’un quant-à-soi impeccable, Pierre-Louis Le Roux se lance alors dans une improvisation tonique en dialogue avec Charlotte Isenmann et Emilian Ducret, sans omettre de placer quelques synchros piano / flûte qui traduisent un travail certain en commun.
Une composition du contrebassiste (lui-même fils d’un saxophoniste de jazz), ça s’introduit forcément par un solo de contrebasse. Celui qui nous est glissé dans les esgourdes pique agréablement l’oreille par le jeu des dissonances. L’arrivée du duo piano + flûte pourrait paraître déjà ouïe si, de fait, déjà ouïe, elle ne donnait une de ses couleurs au quartet. De même, les soli pourraient parfois donner l’impression qu’ils manquent de construction d’ensemble, de cohérence narrative et de tension globale si leur apparente fragmentation ne permettait aux qualités des musiciens de miroiter sous différents angles dans un même souffle. Chaque membre du quartet démontre qu’il a développé une technique instrumentale solide et une belle science harmonique sans être ostentatoire, tout en conservant la fraîcheur du jeune âge.

Charlotte Isenmann prévient alors le public : sa composition suivante, « Free jazz”, affublée d’une « spéciale dédicace à l’Alsace”, va être « un peu plus dure à écouter”. On y retrouve les synchros piano / flûte associées à une certaine liberté dans la succession des couleurs. Le thème et la structure permettent aux musiciens de communier dans une même énergie. Tout juste regrette-t-on que, comme Pierre-Louis Le Roux frôlant parfois la percussivité sans y céder tout à fait, ces artistes déjà expérimentés ne s’autorisent guère à lâcher la rampe du joliment réalisé, ne laissant filer que quelques moments de folie très tempérée. Reste le résultat – en l’espèce une oscillation fort bien menée.
Petit coup d’œil au cellulaire pour vérifier si on a le temps de partager les « Gazouillements d’oiseaux » écrits par le pianiste – on l’a. Après avoir taquiné des codes minimalistes, Pierre-Louis Le Roux décapsule le morceau dans un pétillement plutôt gymnopédique. Une façon douce et maîtrisée de conclure un premier set solide et ambivalent, donc stimulant. En effet, la présence polie de compositions de chaque membre – en sus de l’indispensable standard et d’une reprise rare – induit un manque d’unité, de direction, de personnalité voire d’acidulé du quartet ; mais elle permet aussi d’offrir une diversité d’inspirations plaisante. De même, la maîtrise instrumentale très sûre de jeunes musiciens en formation pousse parfois à interroger la frontière entre rigueur et raideur, comme si, à force de jouer propre et bien, ce qui n’est pas un défaut en soi, le doit-on préciser ? ils s’interdisaient les embardées indispensables

• à une créativité de l’instant,
• à un jaillissement du possible,
• à une ébriété de l’idée qui explose plutôt qu’à une quête sérieuse et un peu sage de la bonne note.

Affaire de goût : pour ma part, j’aime dans le jazz ce moment où la technique, le savoir-faire et la science

• ouvrent une brèche,
• fissurent une évidence,
• descellent pour un temps la statue du bon goût et du joliment tourné.

C’est peut-être ce qui m’a manqué dans cette mi-temps. Le quartet envoie son bois, les musiciens connaissent leur affaire, la set-list est intelligemment pensée ; or, tout se passe comme si ces qualités paraissaient corseter pour partie la pulsion créatrice qui bat, c’est une évidence, dans ces brillants compères. Dès lors, les fines bouches pourront en conclure que ce n’est pas encore super quoique ce soit déjà excellent ; les gourmands, eux, auront hâte de découvrir le second set où, à n’en pas douter, le quartet de Charlotte Isenmann devrait oser davantage après s’être rassuré lors d’une première partie de bonne facture ; et il est probable que les deux avis ne soient, en réalité, pas assez contradictoires pour que la gourmandise n’embarque pas tout le monde dans un même désir de goûter davantage de plats gonflés à souhait.

À suivre !

L’on quittait tantôt l’ambiance tamisée du Sunside, à la fin du premier set – chroniqué ici – de Sylvain Beuf, en quartet ce 16 février dans l’un des principaux temples du jazz parisiens. Nous voici de retour dans une salle qui s’est encore plus remplie qu’à aller pour un second set placé sous le signe de la famille. Après l’hommage à Valérie, l’épouse de, un autre clin d’œil intime se profile. Derrière nous a pris place Tom Olivier-Beuf, le fils de, déjà partie prenante de l’aventure Time Feel, un disque paru en 2021. Papa dégaine le sax soprano pour interpréter un thème écrit par le fiston – un thème qui ne joue pas la joliesse mais se présente plus déchiqueté que lisse, et plus audacieux que flagada – c’est évidemment, le doit-on préciser ? une qualité dirimante.
Le patron déplie l’énoncé avec intériorité et liberté. Le piano de Pierre-Alain Goualch lui répond dans les mêmes tons, avec un même désir de ductilité, de délié. Pas question pour autant de musarder en chemin. Y veillent les Gardiens de la Pulsation, Philippe Aerts à la contrebasse et Gautier Garrigue à la batterie. Ainsi, l’impulsion de la contrebasse irise joliment la pulsion et la pulsation mélodique avant que le retour au calme ne vaille au musicien et au compositeur les brava attendus.
La tune suivante est provisoirement intitulée « À venir ». Le côté éphémère de l’étiquette est assez logique puisque l’avenir est, contrairement au passé, une notion éminemment provisoire… mais Sylvain Beuf déjoue les exégèses en proférant, avec la simplicité qui lui semble naturelle : « J’ai pas compris pourquoi je l’ai intitulée comme ça. Faut pas chercher plus loin. » Pas plus loin, peut-être, mais autrement : le musicien abandonne le soprano. Tandis que son sax fétiche (ce n’est pas une contrepèterie, voyons) reprend ses droits, s’ouvre une introduction méditative en ligne avec l’invitation à la contemplation de ce qui va suivre.

• Préluder sans trop dévoiler,
• introduire sans déflorer et cependant
• laisser deviner sans stagner

sont les mamelles sinon du destin, du moins de l’avenir. Piano et sax interrogent et auscultent à la fois le potentiel du thème. Les fûts de Gautier Garrigue sont partie prenante du solo de sax au cours duquel ils n’hésitent pas à envoyer. Le piano paraît transitionner du leader à la contrebasse, qui signe une jolie impro marquée par deux mouvements contradictoires :

• la verticalité des variations de registres et
• l’horizontalité des boucles.

Une reprise du thème et une coda plus tard, les spectateurs-buveurs reposent leur chopine (j’avais écrit « leur copine », y a évidemment faute, monsieur l’arbitre, et depuis l’début, encore) ou leur tasse de camomille bio coupée à la véritable eau de source purifiée par une directrice commerciale de grande boîte reconvertie en chamane authentique depuis 1739 afin d’applaudir comme il se doit.

Encouragé par cette atmosphère chaleureuse, Sylvain Beuf s’essaye à la parophonie en annonçant le titre du morceau suivant, « Leaving towns et pas Living stones« . Et d’ajouter, devant la perplexité de ses acolytes : « Ha, oui, ils sont perdus parce que, hier, ça ne s’appelait pas pareil. Mais rassurez-vous, les notes, elles, ne bougent pas ! » Et, de fait, quand jaillissent les notes des potes, l’harmonie du quartet s’est reconstituée avec une efficacité quasi magique. Le solo de sax explore le thème sans rejeter le projet d’explosion et d’énergie sonore. Inventif ainsi qu’à ce qui finit par ressembler à l’accoutumée, ce qui pourrait paraître contradictoire mais dont il parvient à subsumer l’aspect oxymorique, olé, en se réinventant à chaque fois, Pierre-Alain Goualch tonifie son passage, posé sur une section rythmique toujours à l’écoute, en usant d’une large palette d’ingrédients parmi lesquels

• loops,
• accents,
• ruptures d’harmonie discrètes sur les notes de passage et
• volutes de virtuosité.

Le sax reprend ensuite le thème puis plonge dans l’introduction réflexive du morceau suivant. À la reprise, une rythmique quasi enlevée présente le thème sous un autre aspect. Au piano de se saisir de la grille pour faire décoller les particules élémentaires de la partition, qui ne sont pas encore du jazz, juste les ferments de cette musique de la créativité perpétuelle. Le musicien dégaine alors son trio gagnant :

• l’ivresse d’une technique remarquable,
• le vertige d’une harmonie décoiffante et
• le désir fanfaron qui bat dans les accords solides de la main gauche.

En réponse, un solo de contrebasse s’immisce, entre

• poésie et vigueur,
• inspiration et rigueur,
• liberté et mystère intérieur,

id est sur ces lignes de crête où le jazz di qualità, pensé et néanmoins accessible (et vice et versa), peut envoler l’auditeur.

Tandis que le sax se charge seul de la coda, les autres musiciens préparent leurs partoches, puis le piano lance le groove. L’intro se développe en quartet, mais la transe en trio qui suit permet à Pierre-Alain Goualch de s’humecter la glotte, ce serait quand même ballot de tomber en panne sèche alors que le bar est proche et que le saxophoniste ne semble pas disposé à partager son demi. L’auditeur comprend qu’il écoute le dernier morceau officiel quand il voit le sage Sylvain Beuf devenir foufou lors de son solo. Le pianiste lui emboîte le pas et délivre une variation électrique. La tradition est respectée puisque Gautier Garrigue a droit à son solo, dont il développe les phases d’intensité variable avec une maîtrise qui n’exclut pas le frisson propre aux musiques qui s’inventent devant vous. Le pianiste reprend le contrôle des opérations, et l’affaire se clôt sur le triomphe attendu.
Un bis classique, tonique à souhait, donne une nouvelle et dernière occasion de profiter

• de l’esprit de groupe qui unit ces quatre-là,
• de l’art de Pierre-Alain Goualch pour jouer contre le thème et grâce à lui,
• du sens narratif de Philippe Aerts en dialogue progressivement émoustillé avec le piano, et
• de la figure attendue du solo de batterie entrecoupé par des morceaux de morceau.

Tout cela virevolte sans affèterie, sans mysticisme mais pas sans profondeur, autour d’un saxo fédérateur, capable de susciter une palette de sonorités, de climats et d’émotions dont la variété – peut-être dopée par la fraîcheur de morceaux non encore fixés donc de soli non encore peu ou prou pavés de bons sédiments – a pleinement profité à ce concert et à ses auditeurs. De la belle ouvrage que cette préfiguration hivernale des Couleurs d’automne !

Marlène Rousseau et Sandrine Schiappa auraient fait la gueule, ce qui est souvent bon signe : que des hommes blancs cisgenres sur la scène du Sunside, ce 16 février ! Drôle d’époque où l’on prend conscience de ce qui devrait nous paraître scandaleux si nous avions gobé comme il se doit le catéchisme woke censé être entré en vigueur…
Et cependant, quelle bonne soirée nous avons passé en compagnie de bons musiciens enveloppée dans cette bonne ambiance que l’on a connue au Sunside à chaque venue ! Avant d’enregistrer un nouveau disque célébrant Les Couleurs de l’automne la semaine suivante, Sylvain Beuf emmenait son nouveau quartet frotter les compos du moment au grand jeu du live. Tous munis de leurs partitions, les compères entament in peto avec « The world has two faces » (on s’étonne parfois de la spontanéité brute des jazzmen, sans souci de mise en scène ni de travail de texte, occasionnant des amorces du type : « Alors on va commencer par le premier morceau… »).
D’emblée, saisit la souplesse sonore du sax, idéale pour valoriser la simplicité du thème et la ductilité du développement, bien aidée par les très riches trouvailles harmoniques et rythmiques du trio d’accompagnateurs. En effet, bien que le combo ait été formé récemment, la consolidation du soliste – sax ou piano – par les accompagnateurs se révèle vite pertinente. Ainsi des découvertes sonores que, à défaut de bitcoins, mine le piano dans le thème et que font étinceler le groove d’un batteur au taquet et celui d’un contrebassiste beaucoup plus affûté que ses faux airs de Thomas Fersen engourdi laisseraient supputer ! Pour preuve le premier solo de Philippe Aerts, accompagné par les balais de Gautier Garrigue, qui parcourt les différents registres avant de se concentrer sur l’orgasme de la jubilation rythmique dans le médium grave.
« Couleurs d’automne » bénéficie d’une introduction mystérieuse comme un brouillard sylvestre d’octobre, un truc à la fois fascinant et puissant, qui sent l’humus et une vague peur d’être attiré par le sinistre clapotis d’un marais se prenant pour un étang. La méditation de Pierre-Alain Goualch est portée par ses partenaires rythmiques. L’hypnose fonctionne si bien que le public omet d’applaudir le solo. Le sax prend la main pour reprendre le thème et le passer à la contrebasse, dont on apprécie la fusion entre

• proposition mélodieuse,
• goût tonique de la suspension et
• variation des attaques.
  

La troisième intervention du sax s’accompagne d’une dynamique plus marquée, ouvrant la voie à une synthèse provisoire réunissant onirisme et allant. Une certaine vision du jazz, en somme, qu’acidule la tentation universelle de la tierce picarde !

La rêverie tropicale anime « Masba », anagramme revendiqué de « Samba ». L’affaire étant encore un peu fraîche, Sylvain Beuf n’hésite pas à informer ses complices du tempo choisi. C’est lui qui s’avance en premier, soutenu par la pulsation des rythmiciens et les harmonies de Pierre-Alain Goualch. Derrière les fûts, Gautier Garrigue sambaïse à loisir. Par-delà l’ivoire, le solo du pianiste s’enflamme. Philippe Aerts opte, lui, pour une partition délicate et sensuelle sans pour autant s’exonérer de la pulsation distillée par le batteur. Les descentes toniques et interrogatives du saxo donnent

• de l’air et de l’ampleur au thème,
• de la fluidité au son et
• du charme à la musique.

Le batteur clôt le bal à la fois malin et musical avec de jolis effets de crescendo et decrescendo jusqu’au ralenti final.
« La nuit s’achève »se propose alors de décrire le moment où « le soleil va se lever » et où « on va penser à plein de choses positives”, sous-titre le jazzeux en chef. Le piano s’octroie une introduction méditative, le set permettant de goûter peu ou prou chaque instrument dans sa dimension fonctionnelle de membre d’un quartet et de soliste en puissance, ces deux pôles formant un spectre résolument non-binaire – Marlène Rousseau et Sandrine Schiappa devraient poucer en l’air cette notation. Sylvain Beuf donne alors le tempo et les dernières indications à ses collègues comme pour mieux contraster avec la souplesse qui précédait.
Le thème apparaît tel une mélopée syncopée que l’harmonisation transcende par une inventivité très efficace. Le piano répond au leader. C’est brillant :

• délié des doigts,
• sens de l’itération des notes et des formules,
• foucades créatives qui multiplient les contrastes,
• attention à l’écoute des accompagnateurs et
• art d’amener la note sensible au juste moment

caractérisent une virtuosité qui n’est certes pas que technique.
Le premier set s’achève sur un titre annoncé comme « Love Song for V » pour « Valérie, ma femme, que vous pouvez applaudir ». Soit, la partition s’appelle « Love Song for Rapha », mais Sylvain Beuf a prévenu : certains titres sont bizarres (« je ne sais pas trop pourquoi j’ai choisi celui-là », dit-il à un moment) et d’autres sont provisoires. Sur cette nomination en cours et cette musique en train de chercher le juste jointoiement entre spontanéité de la découverte et sédimentation de l’approfondissement risquant de figer la sauce musicale, on pense à Allain Leprest et aux « couples marqués peinture fraîche / qu’à peine leurs lèvres sont sèches / la nuit d’un coup les effiloche »…

Point d’originalité follichonne dans le thème, sans doute à dessein : la musique de Sylvain Beuf n’est ni compliquée, ni conceptuelle. Elle ne cherche pas les breaks faramineux, les mesures alambiquées ou les tonalités extravagantes. En revanche, elle donne aux musiciens la possibilité d’en exprimer le suc, d’en proposer leur vision, de faire musique en dévoilant

• l’insoupçonné derrière le basique,
• l’émouvant derrière le factuel et
  
• le puissant derrière l’accessible.

Ainsi le solo de Pierre-Alain Goualch enrichit-il l’opposition prévue dans l’écriture entre

• ternaire (c’est une sorte de valse),
• binaire (le thème fonctionne sur des séries de quatre croches qui incitent souvent à penser deux mesures comme 2/4 + 4/4 et non 3/4+ 3/4) et, donc,
• apparente claudication qui donne son cachet à l’histoire ici racontée.
  

Le pianiste emballe le travail dans un rutilant habit de lumière habilement brodé par

• des doigts courant de feux de joie en feux de joie,
• une palette séduisante de touchers et d’accents, et même
• des choix de registres multiples – pas révolutionnaires, les choix, youpi, mais diablement efficaces.

Après cette vision fougueuse du love à faire pâlir de jalousie un pyromane célibataire, le solo de contrebasse frise, tutoie et risque une étude clinique de l’amour, là encore loin du mélo et du gnangnan. Dans cette thèse de doctorat musical sur le kif, on décèle

• les hauts et les bas,
• le répétitif et le jaillissant,
• le brio et le vivant,
• l’admirable et le réel – cette partie déprimante donc nécessaire que l’on retrouve aussi quand on est en amour,

le tout étant suivi et nourri par les interventions des collègues de Philippe Aerts claquant, relançant et s’effaçant tour à tour. La coda, superbe, rayonne d’énergie, comme un écho chaleureux d’une Saint-Valentin prolongée. Pour ceux qui ont des notions de musicologie, n’hésitons pas à employer les gros mots : c’est vachement bien fait.
Et le second set ? Eh bien, compte-rendu à suivre après une mi-temps bien méritée !

Le succès de la vidéo de « Travels » avait entraîné un pari : « Si on atteint les mille vues, on invente un concert orgue et sax autour du répertoire de Pat Metheny et Lyle Mays. » Les mille vues ayant été dépassées, nous allons passer des « Travels » au travail !

Si d’aventure vous retournez dans un club de jase, quand les facéties vaccino-sanitaires seront suspendues, j’en suis navré mais vous ne pourrez pas dire que vous n’avez pas les codes. Trop tard !