Le blog de Bertrand Ferrier, page 41

Cette nouvelle improvisation du samedi soir s’enroule autour de l’Évangile où Jésus déclare à ses disciples : « Je vous donne un commandement nouveau », avec cette bizarrerie que « Aimez-vous les uns les autres » paraît un projet éculé quoique rarement suivi. La musique prend acte de cette bizarrerie et la plonge dans un contexte humain qui n’est pas propre à l’époque christique !
Aussi le début évoque-t-il les habitudes sociales d’entente sinon cordiale, du moins correcte, avec les bisbilles dissonantes qui rendent la vie plus sapide quand elles ne la submergent pas au point de la rendre indigeste. Ce constat liminaire d’intentions calmes et presque paresseuses se refuse à l’univocité. Tantôt, il est porté par la fraternité évoquée par un large registre ; tantôt, il se révèle traversé de désirs plus troubles ensuquant l’orgue dans les profondeurs de l’orgue. Le nouveau commandement semble alors mettre tout le monde sur la voie de l’accord parfait, comme s’il essayait d’infuser chez chacun. Le graal se révèle cependant difficile à trouver, et les vieilles habitudes évoquées dans l’incipit persistent dans le grave du clavier et à la pédale.
Elles menacent l’espérance portée par un commandement fraternel, mais celui-ci, habité par la solennité du Verbe, finit par triompher. Pour les uns, ce triomphe sera une vue de l’esprit ; pour d’autres, un but à atteindre dans la prière et dans le monde. L’improvisation ne tranche pas : elle raconte une histoire que chaque auditeur est libre de s’approprier selon sa foi ou sa non-foi !

Après avoir ébaubi la salle Pleyel avec l’interprétation en première partie de The Overview, son dernier album, Steven Wilson et les garçons qui l’accompagnent rembarquent dans le vaisseau spécial de l’imagination avec « The Harmony Codex », qui a donné son titre au disque de 2023. Propulsé par le fantasme astronomique de l’artiste, le morceau – d’une dizaine de minutes – s’ouvre sur une longue méditation aux claviers. Adam Holzman et la vedette nous entraînent « miles above the surface of the earth » à la poursuite d’un but oublié comme tous les rêves, « ultimately forgotten ». Pour embarquer avec eux sans avoir l’impression qu’une voix va nous annoncer que « bientôt, un nouveau journal sur France Info », il faut se laisser

• hypnotiser par les boucles modulantes,
• aspirer par une vidéo léchée au storyboard volontairement mécanique, et
• séduire par une caractéristique rare dans la variété contemporaine : la capacité du compositeur à jouer du temps long.

La basse de Nick Beggs secoue la torpeur en lançant « Luminol » où nous nous retrouvés « nés dans la difficulté pour arriver là mais finir par retourner à la poussière ».

• Chœurs impeccables,
• puissance du riff de basse,
• breaks au cordeau avec un Craig Blundell en feu derrière ses fûts,
• qualité des soli

offrent au concert une musicalité appréciable d’autant que, même s’il connaît les codes, Steven Wilson s’échappe du carcan

• du rock,
• du gros son et
• de l’ambiançage de la salle

pour creuser

• la diversité d’atmosphères,
• la juxtaposition de possibles et
• le vertige de la précision :

du grand prog’, en somme.

« No part of me », chanson de rupture (« Avant que je ne te perde, arrête de faire semblant / Je sais que, pour toi, l’amour n’était que sécurité / Il n’y a rien de moi en toi »), est introduit par un aparté parlé, précisant que la set-list étant modifiée chaque soir, notamment pour complaire les spectateurs ne manquant pas une date, les musiciens pourront connaître des moments oups. Les non-spécialistes les chercheront en vain. Grâce à sa capacité à donner de la texture aux moments planants, Steven Wilson peut développer un art consommé

• du crescendo,
• de la rupture et
• de la caractérisation d’atmosphères.

« Dislocated Day », une chanson de 1995 qui rappelle les années Porcupine Tree de l’artiste, en joue pleinement, associant

• nappes de clavier,
• pulsation de la basse,
• guitares saignantes et
• synchronisations dynamisantes.

C’est alors que Steven Wilson son tube « Pariah », en duo virtuel avec Ninet Tayeb, pénible caricature de la voix des télécrochets modernes. Sans doute n’est-ce pas le plus passionnant de ses chefs-d’œuvre, mais l’on y salue

• le savoir-faire du compositeur de ballade,
• son métier d’arrangeur sachant comment envoyer la sauce pour dissiper la tentation de la mollesse, et
• son plaisir de mélanger les styles de chansons.

Tiré d’Insurgentes (« un de mes album favoris – je peux pas dire que j’aime pas les autres, mais, celui-là, je l’aime vraiment »), « Abandoner » assume un texte torturé et énigmatique évoquant l’incomplétude du narrateur et sa désorientation comparée à « une peste qui, dans l’obscurité, gémit comme un chien ». Le musicien y sculpte singulièrement

• le rythme,
• l’harmonie et
• l’étagement des sonorités.

Avec les dix minutes de « Remainder the black dog », Steven Wilson évoque

• les secousses psychiques qui nous hantent,
• les pilules qui peuvent nous assommer, et
• la perspective, faute de solutions, d’une dissolution (« si tu osais franchir le pas, / tu atteindrais l’état / auquel tu aspires depuis tellement longtemps »).

Il y travaille le groove de la boucle – ici dévolue au clavier – associant

• régularité obsessionnelle,
• durée bancale (le riff est réparti sur 15/8 en 8/8 + 7/8, ce qui lui donne une apparence de banalité et une claudication magnifique), et
• arythmie des accents qui, paradoxalement, équilibrent le déséquilibre.

Accompagné par une vidéo comme souvent inquiétante, le morceau se déploie ensuite avec l’arsenal habituel dont on ne se lasse pas :

• breaks,
• synchro,
• variation d’intensités et de sonorités,
• solo de Randy McStine,
• twists,
• trouvailles harmoniques et
• temps long qui, grâce à ce qui précède, paraît court.

Au fil du concert, on savoure avec une force grandissante

• le plaisir du dark,
• de la guirlande hypnotisante et
• du groove
  • sale,
  • menaçant et
  • ensuquant.

Augmenté d’une vidéo apocalyptique, « Harmony Korine », titre de 2008, fonctionne lui aussi sur un riff ternaire, cette fois investi par la guitare. Et nous voici à nouveau happé par

• les contrastes de décibels,
• l’efficacité de l’hypnotisation perpétuelle,
• la concentration des paroles dans quelques syllabes percutantes, ainsi que par
• le spectre vocal entre timbre fatigué de rocker pop anglais et falsetto polnarévien

Après les monosyllabes de l’avant-dernier titre, la voix se tait complètement pour « Vermillioncore », titre énigmatique qui peut suggérer un sulfate rouge de mercure encore plus rouge que rouge. La basse de Nick Beggs lance cette dernière salve avec une cellule double qui servira de grille pour la suite de l’instrumental. Avec ce matériau a priori étique, le groupe éblouit à nouveau grâce, notamment, à

• la large palette de sonorités et à leur habile confrontation,
• la chorégraphie de Steven Wilson,
• la jubilation de l’itération miroitante (on garde la même structure mais on modifie les couleurs de ce qui l’habille), et grâce à
• l’agencement bien pensé de registres très caractérisés
  • (mystères du grave,
  • immédiateté du médium,
  • insaisissabilité des aigus).

Publié en 2015, « Ancestral » et son petit quart d’heure ouvrent la séquence des encore, toujours fondé sur la conviction que rien n’est pérenne mais tout continue d’advenir « quand nous fermons les yeux ». Sur un mid-tempo, la batterie de Craig Blundell assume son triple rôle :

• beat,
• percussion dynamisante, et
• musicalité variant les sons.

On regrette un énième solo de guitare de Randy McStine, quoique valeureux, mais on eût préféré ouïr le chorus de basse ou de batterie qui n’arrivera jamais. Faute de quoi, l’on se goberge de

• loops étranges,
• beats profonds et
• breaks d’apparence parfois biscornus – sans prétendre atteindre la folie vertigineuse d’un Spock’s Beard.

La glaçante vidéo de dix minutes réalisée pour accompagner « The Raven that refused to sing » rappelle que l’univers de Steven Wilson n’est ni rayonnant ni pupute. En revanche, il est

• d’une richesse impressionnante,
• d’une musicalité passionnante, et
• d’une singularité vibrante.

Joie d’avoir partagé cette dernière date parisienne du zozo, en dépit de prix oscillant entre une soixantaine d’euros et cent quarante bouboules ce qui, pour une salle devenue aussi horrible que la salle Pleyel, est quelque peu outrecuidant, olé !

Le wokisme est-il soluble dans la science, et réciproquement ? Si, par wokisme, on entend la tendance

• à fabriquer des communautés (les femmes, les Noirs, les homosexuels…), parfois au corps défendant de ceux qui sont censés s’amalgamer donc se réduire à l’une de leurs caractéristiques,
• à les désigner comme des victimes, et
• à en conclure qu’il faut « déconstruire de façon systémique » le sous-jacent des fondements socioculturels historiques et actuels,

il est inévitable que la science risque d’être contaminée. À titre anecdotique, en témoigne le supplément « Sciences & médecine » du Monde daté du 28 mai 2025, pp. 1, 4 et 5. L’affaire s’y déroule en trois temps, trois mouvements.
D’abord, Pascale Santi y déplore que « le microbiote vaginal » soit « un écosystème trop peu connu » à cause d’un « biais masculin prégnant dans la recherche ». Première victimisation et première tentative de mise en confrontation : les femmes sont délaissées parce que les savants sont des hommes. De même que, pour traduire une femme noire, il faut désormais être une femme noire, de même, semble insinuer la journaliste, pour prendre soin d’une femme, c’est-à-dire comprendre ses problématiques spécifiques et y apporter, si nécessaire, des solutions, il faut être une femme (ce qui relève d’un binarisme pré-woke, mais allons-y step by step).
Ensuite, Pascale Santi note que « ce microbiote essentiel à la santé féminine » a été « trop souvent étudié à travers le prisme limité des pays occidentaux ». Deuxième victimisation et deuxième tentative de mise en confrontation : le savant blanc, structurellement colonialiste, ignore la réalité de la femme, d’une part, mais aussi, d’autre part, de la femme non-occidentale, essentialisée par la journaliste. Par conséquent, ledit savant blanc méprise et maltraite ces personnes doublement stigmatisées (contrairement aux mâles non-occidentaux qui, comme chacun sait, prennent, eux, le plus grand soin des personnes du beau sexe). En l’espèce, pour contrebalancer le biais misogyne et raciste de la science médicale, selon la journaliste, il conviendrait de « dresser une carte plus représentative du microbiote vaginal mondial ».
Enfin, Pascale Santi signale que Samuel Alizon espère « pouvoir réanalyser » des échantillons d’une étude. L’objectif : « Explorer les microbiotes dans la population générale, hors des biais habituels. » Troisième victimisation et troisième tentative de mise en confrontation : la science est biaisée par la domination de mâles blancs non déconstruits ; des mâles blancs doivent donc réécrire ce qui fut posé car, volontairement ou non, les résultats étaient forcément faussés. Mutatis mutandis, c’est à genre de

• convictions,
• postures et
• réactions

qu’est confronté Joseph Ciccolini, professeur de pharmacocinétique (pour ceux qui, comme moi, ignoraient ce domaine, il semble s’agir d’une discipline décrivant le devenir d’un médicament à partir du moment il pénètre dans un organisme). Dans un article sur « l’emprise idéologique en oncologie clinique » remixant un papier de 2023 pour intégrer Face à l’obscurantisme woke, l’ouvrage collectif dirigé par Emmanuelle Hénin et alii (PUF, 2025), l’universitaire-praticien dénonce l’idée que

premièrement, la cancérologie serait une discipline essentiellement raciste tuant volontairement les minorités visibles ou invisibilisées et, deuxièmement, la cancérologie serait une science blanche, patriarcale et furieusement européo-centrée.

Pour conjurer ces accusations de « racisme systémique » grâce à un « ripolinage woke », les gros laboratoires – tels Gilead et Merck – ont déployé des moyens importants à l’aune du clampin quoique epsilonesques à leur aune, afin d’assurer « l’équité dans le traitement sanitaire » des populations et d’en finir avec « les injustices

• systémiques,
• structurelles et
• institutionnalisées

fondées, par exemple, sur

• la race,
• le sexe ou
• l’orientation sexuelle »

en « démontrant l’emprise du patriarcat blanc hétéronormé ». Des thésards ont profité des bourses offertes par ces grosses boîtes, avec un « o » (je sais, mais pas pu m’en empêcher) pour enquêter sur les différences de traitement entre hommes et femmes ou entre Blancs et Noirs, excluant de facto une large partie de la population puisque « le sort des Asiatiques ne donne pas lieu à des financements justifiant qu’on s’y intéresse ».
Le fond de sauce utilisé pour l’exercice s’appuie sur des biais connus : les facteurs de confusion et les phénomènes de colinéarité. Pour nous autres, non-initiés ces termes désignent l’effet ice cream, qui consiste à démontrer, statistiques à l’appui, que « la consommation de glaces en Californie est associée à une prédisposition aux attaques de requins », comme si les requins attaquaient en priorité les nageurs goût pistache ou noix de pécan caramélisées. En réalité, dans l’étude évoquée, « la consommation de glaces atteint un pic lors des journées les plus chaudes de l’année », journées où la probabilité de croiser les dents de la mer est la plus grande… puisque l’on a tendance à aller volontiers faire un plouf.
Joseph Ciccolini plaide donc pour une attention particulière à la multifactorialité, un seul élément de preuve ne pouvant être considéré comme une preuve car il peut représenter un biais. C’est en confrontant différents éléments (par exemple la consommation de glaces, le nombre d’attaques de requins, mais aussi la température, la période de l’année, les habitudes sociales, etc.) que statistiques et probabilités gagnent en pertinence. Inversement, c’est en allégeant la multifactorialité que l’on est susceptible de prouver, avec bonne ou mauvaise foi, le résultat que, par idéologie ou contrat, l’on est payé pour trouver.
Sur la différence de traitement entre Blancs et Noirs aux États-Unis, par exemple, le professeur, sagace, s’agace, et hop : « Il n’est pas nécessaire d’être grand clerc pour penser que la minorité noire étant économiquement paupérisée et défavorisée, subit des conséquences dans son accès aux soins. » Selon lui, ce fait n’est pas la conséquence du racisme mais de la pauvreté et de la faiblesse de l’instruction d’une partie des populations noire et hispanique. Selon cette contre-logique, « le patient blanc, sans éducation et pauvre d’une ville sinistrée de l’Illinois, présentera un risque de surmortalité par cancer supérieur à celui d’un patient noir, éduqué et riche vivant à Manhattan ».
Pourtant, adopter le biais woke facilite l’acceptation des articles dans les revues éditées par les principaux acteurs du secteur, type Elsevier ou Wiley. Notons que ces éléments de facilitation ne sont pas spécifiques à la science. Du temps que j’étais universitaire, écrire sur

• les héroïnes féminines et les réécritures féministes des contes (tarte à la crême avariée s’il en est),
• l’importance de l’éducation à l’antiracisme grâce à des fictions transformées en manuels de propagande univoques et tristement stéréotypés, ou alors sur
• l’apport merveilleux
  • des enseignants,
  • des bibliothécaires ou
  • des libraires,

était un point d’entrée bien connu pour des chercheurs en manque de publications. S’y jouaient déjà, toutes choses étant égales par ailleurs, des éléments du « totalitarisme » que Joseph Ciccolini pense avoir repéré dans le domaine de l’oncologie médicale : la volonté, fût-elle mue par cette inclination terrible que sont les bons sentiments,

• d’infiltrer la culture,
• de réécrire l’Histoire,
• de réinventer le langage et, enfin,
• de manipuler la science pour contrôler les esprits et transformer des hypothèses en dogme.

De telles inquiétudes font écho à celles du psychologue Florent Poupart devant l’ultramoralisation de la société. Nous les évoquerons dans une prochaine notule. À suivre !

La lobotomie était une idée de malade mental pourvu d’une blouse et d’un scalpel qui consistait à trifouiller de la substance blanche dans le cerveau – surtout celle des femmes, apparemment – en perforant le crâne des deux côtés. Cette pratique désormais interdite continue d’inspirer maints entrepreneurs, publicitaires et influenceurs (entre autres) tentant de s’insinuer dans notre machine à réfléchir pour la mettre hors d’état de nuire, donc pour nous nuire. C’est en substance (blanche) ce que constatait Mama Béa Tekielski, au point de lui inspirer la chanson revisitée ci-d’sous à l’occasion d’un concert à la librairie Publico (Paris 11).

Steven Wilson est

• un enregistreur quasi frénétique (même s’il brouille les appellations),
• un guitariste multicartes et
• un explorateur esthétique éclectique

qui pratique encore un sport passionnant mais – ou donc – désormais rarement pratiqué : le rock progressif, une musique électrique fondée sur des morceaux souvent longs et émaillés de breaks savoureux. Le concert de ce 26 mai 2025 est articulé en deux parties.

• D’abord, l’interprétation intégrale de The Overview, le passionnant nouveau disque récemment publié par le croisement visagal entre Kurt Cobain et Tom Cruise ;
• ensuite, des morceaux d’autres albums dont la set-list a évolué au fil des trois concerts « pour remercier ceux qui sont venus les trois soirs », commentera l’artiste.

Le récital du lundi – auquel nous assistons – est d’ailleurs la victime du succès : devant le remplissage trrrès rapide des deux premières propositions, une troisième édition du show a été ajoutée. Tant mieux pour nous, mais un peu moins pour l’artiste car, cette fois, la salle est loin d’afficher complet.

La première partie du concert décline deux plages d’environ vingt minutes pièce inspirées par l’exploration astronomique. Elle s’ouvre sur « Objects Outlive Us ». Dans une atmosphère planante et prenante, Steven Wilson ne rate pas son entrée dans les hautes sphères du falsetto pour narrer la découverte d’un espace sans empreinte de singe, où les objets inanimés ont

• une existence,
• une voix et
• une envie d’exister malgré l’oubli.

La vedette est accompagnée par

• Nick Beggs à la basse,
• Craig Blundell derrière les fûts,
• Adam Holzman aux claviers et
• Randy McStine à la gratte et aux chœurs.

D’emblée, dans cet univers intergalactique, tout transporte :

• le son,
  • excellent,
  • précis,
  • défini avec netteté dans tous les registres ;
• la variété de l’inspiration et néanmoins l’art de Steven Wilson pour assurer la continuité narrative
  • (itérations,
  • tuilages pour fondu-enchaînés,
  • contrastes brutaux, etc.) ;
• la capacité à
  • forger une mélodie,
  • surprendre l’esgourde,
  • fomenter une ambiance
    • folk,
    • méditative ou
    • rock ;
• la maîtrise collective
  • des synchronisations,
  • des intentions et
  • des nuances ;
• les mélanges et les agencements rythmiques, tant du tempo que de la battue (usage malin du ternaire qui swingue, mais aussi superbe quasi récitatif à 5/4 pour « The Buddha of the Modern Age ») ;
• l’équilibre entre les parties instrumentales et chantées ;
• la diversité des sons de tous – en tant que collectif – et de chacun personnellement (feat. le superbe lancement de basse bien grasse et saturée dans le second instru de « Objects Meanwhile »).

Il y a tout ce qu’il faut pour ébaubir les portugaises et l’esprit :

• énergie des mélanges,
• musicalité des soli,
• qualité des musiciens,
• mystère des paroles qui assument que la seule question relative à notre disparition est celle du quand nous serons « still, back there, in dust, the Earth destroyed » ainsi que le stipule la fin de la partie intitulée « Ark », et
• poésie étonnante des vidéos qui, certes, distraient l’attention auditive mais contribuent également à porter le souffle du morceau.

Au point que l’on craint d’aborder « The Overview », le second titre de cette première partie : saura-t-il nous saucer autant que son prédécesseur ? Au disque, cette saga nous avait enserré dans ses rets mais moins secoué. Les vibrations du concert changeront-elles notre légère réticence ?

Du moins le début technoïsant nous rassure-t-il sur les recoins qu’il reste encore à explorer dans l’univers et sur la palette de Steven Wilson. La section « Perspective » égrène des distances entre objets célestes. Le côté planant, qui permet aux artistes de souffler deux minutes, dialogue avec la vidéo spatiale, prenant le temps qu’il faut – et c’est appréciable – pour permettre au spectateur de quitter l’atmosphère en douceur. La trajectoire des machines sonores s’infléchit en souplesse pour se diriger vers un folk à la Toad The Wet Sprocket, que paillettent (et hop)

• une batterie tranchante,
• des chœurs ciselés, presque post-Yes par moments, et
• des changements de registres vocaux maîtrisés,

tandis que le narrateur se connecte à l’univers (« I see myself in relation to it all », « Each moment for me is a lifetime for you ») à la « beauté infinie », au point que cette réalité pourrait bien n’être qu’un rêve. Aussi se laisse-t-on volontiers subjuguer, notamment par

• les différentes sonorités du bassiste (changement d’instruments, jeu coll’arco ou senza quand la basse s’y prête),
• la puissance du beat que sait mélodiser – popopo – l’usage séduisant des percussions métalliques,
• la parfaite connexion entre
  • la vidéo,
  • la musique et
  • les questions posées par les paroles sur ce moment où « all permanence of matter disappears » comme il est stipulé dans la section intitulée « Infinity measured in moments »,
• l’efficacité des breaks, et
• la musicalité millimétrée de l’exécution, soli compris.

Moins spectaculaire que « Objects Outlive Us », « The Overview » n’est pas moins inventif et ensorcelant, bouclant ainsi une première partie soufflante. Plus d’épithètes à retrouver dans une prochaine notule pour la suite du compte-rendu !

Le wokisme est un objet d’études doublement paradoxal.
D’une part, ceux qui incarnent ce courant dont nous avons déjà eu huit occasions d’analyser certains aspects nient l’existence des tendances qui les caractérisent

• (communautarisation,
• victimisation,
• volonté d’agréger des revendications pour « déconstruire de façon systématique » la domination oppressante de l’homme blanc cisgenre)

mais dénoncent l’existence d’un courant antiwokiste. D’un point de vue logique, cette posture est très curieuse. Je peux être antisémite, anticatholique voire misogyne, car juifs, catholiques et femmes existent – mais si, mais si. En revanche, si je pense que les extraterrestres n’existent pas, il m’est difficile de les vouer aux gémonies ou de pourfendre au fil de mon verbe et ma verve (nul « g » dans ces mots), les ignobles chérubinistes, dont le projet consisterait à remettre le pouvoir politique à des anges afin de pacifier notre monde et de nous faire connaître une béatitude molle, ennuyeuse voire contradictoire avec mon statut d’humain porté sur la castagne, la jalousie et le conflit permanent – autant de qualités constitutives de mon espèce et garantissant, comme chacun sait, le progrès. Lubies farfelues mises de côté, il appert que, pour qu’il existe un antiwokisme, un préalable rationnel serait qu’il existât, par chance ou par malheur, quelque chose que l’on pourrait désigner sous le vocable « woke ».
D’autre part, et les deux éléments sont beaucoup plus liés qu’il n’y semble au premier abord, le wokisme s’attache à contester le constatable, et hop, pour tenter de remplacer l’objectivité par la subjectivité (je ne suis pas plus victime de la société qu’un autre mais, si je me déclare victime, c’est que je le suis, qui es-tu pour me refuser cette caractéristique ?). Le sport est un bon exemple de cette absurdité. Il oblige les dirigeants de ce commerce à tenir un double langage.
D’un côté, les grands manitous du sport n’ont de cesse d’affirmer l’absurde « égalité des sexes ». Puisque Roland-Garros s’étale dans les gazettes, rappelons que, dans les grands chelems de tennis, les prize money sont identiques pour les deux sexes, même si les femmes gagnent en deux sets, les hommes en trois. De même, dans la perspective des Jeux olympiques de Los Angeles où l’épreuve fera son apparition, la première finale européenne de duo mixte en gymnastique s’est tenue à Leipzig. Mais pourquoi ne pas ouvrir la compétition des anneaux aux femmes et de la poutre aux hommes ? Serait-ce pas avancer vers la reconnaissance effective de l’égalité entre les hommes et les femmes ?
Sauf que, d’un autre côté, les grands manitous du sport contredisent ce mythe de l’égalité entre les sexes. Jadis, les pays de l’Est trafiquaient les hommes pour en faire des athlètes féminines ; aujourd’hui, le débat sur la partition des compétitions entre hommes et femmes trouble à nouveau les débats avec insistance. En 2018, Caster Semenya a été exclue des compétitions d’athlétisme car sa production d’hormones mâles était « susceptible d’accroître sa masse musculaire et d’améliorer ses performances ». Très gentille, la World Athletics (la fédé mondiale d’athlé) lui a proposé de subir un traitement hormonal pour faire baisser son taux de testostérone et être réautorisée à « participer aux compétitions internationales dans la catégorie féminine ». Caster Semenya a refusé ; elle a donc été bannie. Ironie de l’histoire, à la mi-mai 2024, elle a plaidé sa cause devant la Cour européenne des droits de… l’homme, dont on imagine que le nom devrait être bientôt changé.
De même, en mai 2025, World Boxing, instance « reconnue par le CIO comme la Fédération internationale régissant la boxe au niveau mondial au sein du mouvement olympique », réagissant à la polémique sur l’hyperandrogénie d’Imane Khelif, a rendu obligatoire des « tests de genre » afin de « répondre aux préoccupations concernant la sécurité et le bien-être de tous les boxeurs » dans le cadre d’une nouvelle politique sur « le sexe, l’âge et le poids ». Serait-ce à dire que, comme le démontre toute compétition, hommes et femmes ne seraient pas aussi égaux les uns que les autres, de sorte qu’il reste pertinent de proposer des compétitions distinctes ? D’un côté, hommes et femmes sont égaux ; de l’autre, non. Qu’en conclure ?
Sans doute que la logique woke est un illogisme. On peut la décrire, mais elle s’offusque d’être nommée telle quelle, criant à la stigmatisation. On peut montrer ses contradictions, mais elle ne remettra jamais en cause le bienfondé

• de son credo,
• de son combat et
• de sa pertinence.

C’est en cela aussi qu’elle apparaît comme un « obscurantisme », selon la terminologie employée dans l’ouvrage collectif dirigé par Emmanuelle Hénin et alii ; et cet obscurantisme est double, lui aussi.  Certes, le projet de remédier, si faire se peut, à certaines injustices, paraît noble et méritoire ; ce nonobstant le fanatisme des tenants les plus tonitruants des théories woke les projette du côté obscur de la pensée. Côté pile, ce que nous avons défini comme le wokisme veut faire table rase de la connaissance qu’il juge faussée par une vision trop blanche ; côté face, il tente d’imposer une réinterprétation du réel qui, si l’on refuse les œillères adéquates, paraît souvent délirante – mais cette impression de délire, expliquent ses tenants, est le signe de sa pertinence, puisque ce que nous considérons comme rationnel n’est rien d’autre qu’une habitude de domination consubstantielle à notre civilisation, habitude que seul un geste radical peut renverser, quitte à surprendre les ironistes et les dominants actuels.
La science, dure ou appliquée, n’est pas à l’abri de ces lubies, constate dans son article Andreas Bikfalvi, médecin et professeur de biologie cellulaire. Il expose la confrontation entre le cadre éthique de la pratique médicale, symbolisée par le parfois très contesté serment d’Hippocrate, et les trois pôles de l’idéologie de la justice sociale, aka IJS :

• la théorie critique de la race,
• le mouvement de décolonisation et
• la théorie du genre,

rassemblés dans le concept d’intersectionnalité, c’est-à-dire de convergence des luttes. La recherche scientifique est directement confrontée à la pression intersectionnelle qui se manifeste à travers des sigles comme DEI (diversité d’équité et d’inclusion) ou CJS (déclarations de justice de citation) susceptibles de couronner un article afin d’attester que les auteurs se sont engagés « à promouvoir la diversité intellectuelle et sociale dans les sciences et les études universitaires » en équilibrant notamment les races et les sexes des auteurs cités, même si, shame on us, aucune méthode statistique « ne peut tenir compte des personnes intersexuées, non binaires ou transgenres ». La puissance de ces billevesées est telle que Nature, organe contesté mais incontestable chef de file de la presse scientifique avec The Lancet, a donné dans la plus plate contrition en reconnaissant avoir « joué un rôle dans la création de l’héritage raciste » qui a conduit au meurtre de George Floyd.
Et ces bouffées de folie ne sont pas près de se laisser circonscrire ! En sus de vouloir orienter les futures publications, le wokisme engage à relire le passé pour constater à quel point ceux qui, jusqu’alors, étaient considérés comme de grands savants, étaient en fait de sacrés salopards, racistes, sexistes et colonialistes, ce qui remettrait en cause la validité de leurs découvertes. Il les faudrait rejeter en suivant l’exemple de Corne d’aurochs qui, tombé malade à en mourir, « refusa l’secours de la thérapeutique / parce que c’était à un All’mand qu’on devait le médicament ». Au reste, le syndrome du salopard est une maladie qui touche même ceux qui se considèrent comme non-racistes, non-mysogines, non-colonisateurs et déconstruits. Par exemple, en 2022, Michelle Morse, médecin-chef au département de la santé et de l’hygiène mentale de la ville de New York, tweetait que

la race non-blanche et l’ethnie latino-américaine sont des facteurs de risques sociaux de Covid grave en raison d’un racisme structurel de longue date.

Si nous ne nous en rendons pas compte, c’est que nous avons infusé trop longtemps dans un colonialisme dominateur. Nous n’avons même plus conscience de notre rejet des différences. La seule solution est d’adopter une attitude proactive, qui vaut pour l’ensemble des engagements wokistes. Ainsi du floutage des sexes, considéré comme

• oppressant car binaire,
• inexact car ne correspondant pas toujours à la façon dont se considèrent les individus, et
• réductrice car rejetant la possibilité d’un flottement identitaire.

Pour Andreas Bikfalvi, le dualisme esprit-corps (dans ma tête, je ne suis pas ce que je semble être) ne doit pas primer sur la réalité biologique, pas plus que l’hypertrophie des sensibilités, que dopent les réseaux sociaux, à la souffrance et à l’injustice. Pourtant, les acteurs de la science ne sont pas immunisés contre les pressions sociales. L’auteur – qui propose des schémas en franglais (« Science and Médicine attaquées ») placés en fin d’article – se risque même à comparer le wokisme avec une « psychose collective » en citant Carl Jung pour qui le plus grand danger pour l’homme est constitué par l’homme lui-même car

il n’existe pas de protection adéquate contre les épidémies psychiques, qui sont infiniment plus dévastatrices que les pires catastrophes naturelles.

Dans une prochaine notule, nous verrons comment le professeur et praticien Joseph Ciccolini applique ce questionnement au cas spécifique de l’oncologie clinique. À suivre !

Pour la messe anticipée du dimanche du bon pasteur, dans le cadre des improvisations couronnant les messes du samedi soir, j’ai choisi un thème bien connu des paroissiens : la plus classique mise en musique du psaume 22 en suivant les ondulations du texte.

• Une première partie chante la confiance et la joie que procure – parfois – le sentiment de sécurité inaltérable sans, pour autant, annuler l’existence de la peur donc du doute qui rôdent – ce s’rait trop simple ;
• la deuxième, plus intériorisée, tente de mettre à distance la peur des « ravins de la mort » et la colère des « ennemis » ;
• la troisième, comme si elle avait assez mastiqué le mantra du riff pour faire corps avec une espérance irréfragable, retrouve la force irradiante de la confiance dans la puissance, la générosité et l’attention du Seigneur, à la foi(s) pendant « les jours de ma vie » et pendant « la durée de mes jours », c’est-à-dire après ma mort.

Ainsi le bon berger devient-il un pont perché,

• protecteur qui survole les tumultes,
• guide qui permet d’avancer malgré les torrents, et
• passerelle entre les deux rives de l’existence.

En musique, avec un orgue dont les jeux d’anche attendaient impatiemment, certes, le jour du bon facteur pour être accordés, ça donne ça.

C’est son dernier concert à Paris, et plus les chansons passent, plus les cœurs se serrent à cette idée, encore abstraite, déjà contristante ; et voilà le moment que choisit Joaquín Sabina pour claquer « Más de cien mentiras », extrait de Esta boca es mía (1994), dont les paroles sont une déflagration perpétuelle :

Nous avons des souvenirs, nous avons des amis
des trains, des rires, des bars (…)
plus de cent mensonges, plus de cent prétextes
pour ne pas se tailler les veines d’un seul coup d’un seul
plus de cent pupilles pour nous voir vivants
plus de cent mensonges qui valent la peine

La batterie, habilement lourde à défaut d’être jamais habile, fracasse les fûts comme l’émotion saisit les spectateurs sur ce mid-tempo. Selon une technique éprouvée par exemple par Jean-Jacques Goldman, la photo des musiciens jeunes et vivants aujourd’hui habille la présentation de chacun. Repos pour la vedette qui cède la scène d’abord à sa choriste pour la réponse à Esta boca es mía, avec cette certitude que « les chansons d’amour sont de plus en plus tristes » car « la bouche qui était mienne, à quelle bouche appartiendra-t-elle ? », ainsi qu’il chantait en 2002. Mara Barros fait son travail, tout en

• excès,
• surdramatisation, et
• vibrato excessif pour les tenues.

Le saxophoniste tricote sur son accordéon. On s’ennuie sec. Jaime Asúa, le guitariste remet l’église au milieu du village avec son interprétation impeccable de l’excellent « Pacto entre caballeros », extrait du mythique Hotel, dulce hotel de 1987. C’est

• punchy,
• tenu,
• efficace,

mais c’est une cover et on n’est pas venu voir ce que l’artiste a décidé n’être plus en état de chanter. Il revient, enfin, pour dessiner une ambiance à la Sade (la chanteuse en jeans, pas le bitomaniaque) que son saxophoniste amplifie, pour narrer ce petit matin où sa nana d’un soir se réveille avec lui et découvre que « nous n’étions plus hier, mais aujourd’hui » et se dépêche de disparaître « donde habita el olvido » (où habite l’oubli, chanson de 1999). Très francophile, « Peces de ciudad » (2002) avec ses « a lo garçon » et sa « gare d’Austerlitz » poursuit cette rhétorique de l’oublie, structurante chez Joaquín Sabina, se jetant dans l’aquarium des amours où les poissons des villes finissent par s’échouer sur les plages sans mer. On regrette la platitude de la ligne de basse et la rusticité de la batterie qui empêchent de goûter la musique – peut-être pour mieux faire écouter les paroles, peut-être parce que l’arrangement est vraiment raté.

Comme pour nous réconcilier avec cette partie de la chanson, l’artiste place alors « Una canción para la Magdalena » (1999), merveilleusement mise en musique par Pablo Milanés pour rendre hommage – selon une iconographie totalement fictive, mais Joaquín Sabina est aussi réel que fictif – à celle qui eut « un cœur si étoilé que même le fils d’un dieu la suivit » sans qu’elle le fît payer. La salle chante et chavire, puis la vedette se lance dans son cher hommage à Chavela Vargas, écrit et composé en une nuit pour l’intéressée. « Por el bulevar de los sueños rotos » (1994) évoque cette « blonde à la peau brune » et se demande « comment rire comme pleure Chavela ». Le public connaît son rôle et son texte, donc fond quand est sollicitée sa participation vocale ou palmaire.
Aussi essaye-t-on d’oublier l’intro – hélas classique chez  Joaquín Sabina – offerte à la choriste pour « Sin embargo » (2006), sa copla à lui, le « en même temps » de l’amour. En gros :

• je t’adore surtout quand tu n’es pas là,
• je rêve de toi quand je dors avec une autre,
• quand je suis avec toi mes songes sont vampés par toutes les autres nénettes,

ambiguïté bien connue que les spectateurs acclament debout, dans l’espèce d’impatience et d’urgence de la fin qui approche. Malgré l’accordéon, cet instrument insupportable, on peut toujours espérer, malgré l’accordéon, « que toutes les nuits soient des nuits de noce et que toutes les lunes soient des lunes de miel » (« Noches de boda », 1999), chacun continuera de chercher dans la foule la figure aimée un instant, disparue pour toujours, sans que s’oublie le moment où les amoureux éphémères étaient « nus au crépuscule quand la lune nous a rejoints » (« Y nos dieron las diez », 1992). Fin érotique du set, donc fin provisoire.
Au retour, après qu’Antonio García de Diego, le claviériste, a filmé le public en transes, il se met à chanter « La canción más hermosa del mundo » (2002), un beau cadeau que lui fait son jefe, mais un moment insipide pour les fans. Quand, enfin, Joaquín Sabina réapparaît, il affirme, le menteur, qu’il n’y a pas « d’adieu prévu » (à sa décharge, « Tan joven y tan viejo » date de 1996), mais que « chaque nuit », il se réinvente, n’omet pas de s’en mettre derrière le cornet pour rester « si jeune et si vieux, comme un rolling stone ». Autrement dit, pas question de chercher la tiédeur, comme le revendique la chanson suivante, ne serait-ce que parce que « quand l’amour ne meurt pas, il tue, alors que les amours qui tuent ne meurent jamais » (« Contigo », 1996).
La dernière chanson sera l’énorme « Princesa » (1986), mixée jadis habilement avec la Barbie superstar dans la partie électrique du concert de Joaquín Sabina y Cía, mais qui ce soir rappelle que « désormais, c’est trop tard », le sourire a été remplacé par « une espèce de moue ». Ce passage a quelque chose d’autobiographique pour beaucoup de spectateurs : la joie souriante d’acclamer la vedette cède peu à peu au constat difficile à admettre qu’on ne l’entendra plus en vivo. Avec Fito Páez, l’artiste propose, via la bande-son de « La canción de los (buenos) borrachos » offerte pour les saluts, d’imaginer ce moment où « quand nous t’oublions, nous pensons à toi » en disant « merci, merci, merci ». Dans les moments d’émotion aussi, il n’y a pas de hasard, il n’y a que des rendez-vous.

Longtemps, avant Disney, Netflix fut le parangon de la culture visuelle wokocompatible. Il serait temps de rendre à Arte ce qui lui appartient aussi, en constatant que les dernières séries mises en ligne sur son site, fin mai 2025, suivent scrupuleusement la règle de communautarisation, associée ou non à la victimisation, qui caractérise l’essentiel des productions à l’ère woke. En effet, le wokisme exige de voir le monde à travers le prisme des minorités, avec deux options :

• trouver les siens donc sa cause à défendre contre l’oppression du mâle blanc cisgenre ; ou
• se reconnaître, éclaboussé de honte, dans la description archétypale du mauvais bougre afin de faire contrition puis de s’empresser de déconstruire sa posture systémique de dominant raciste et sexiste.

Comme l’arbre exsude sa résine, les pitchs des quatre séries récemment diffusées par Arte exsudent la communautarisation.

• Small Axe propose de découvrir, « des sixties aux eighties, les luttes de la communauté noire de Londres pour ses droits dans un pays raciste ».
• Le Prix de la paix revient sur « l’attitude douteuse de la Suisse après la Seconde Guerre mondiale » pour « lever un voile sur le passé » (l’axe de la repentance autour de la Seconde Guerre mondiale est l’ancêtre du wokisme).
• Clan est « une comédie délicieusement immorale » où « quatre sœurs veulent liquider leur ignoble beau-frère » en faisant assaut d’un « humour 100 % féminin ».
• Lost Boys and Fairies raconte le « parcours semé d’espoir et de doutes » d’un « couple gay de Cardiff » qui « entreprend des démarches pour adopter un enfant » au long d’une « poignante minisérie ».

Cette mainmise de la charte tacite recensant les bonnes pratiques de la wokocompatibilité ne s’en tient pas au domaine culturel. Selon les auteurs de Face à l’obscurantisme woke, ouvrage collectif dirigé par Emmanuelle Hénin et alii, elle touche aussi la science en général et l’université en particulier. Ainsi, Nicolas Weill-Parrot s’intéresse au procès de la science occidentale dans un article associant « wokisme, constructivisme et obscurantisme ». Amateur de mots en -isme, il y dénonce le « relativisme » qui voit dans « tout énoncé scientifique une construction élaborée par un jeu multiple et complexe de rapports de domination ». Le préfixe « dé » s’imposerait donc aux wokophiles scientophobes : il leur – partant il nous – faut

• déconstruire,
• démascuniliser et
• décolonialiser

les connaissances pour, enfin, « faire le procès de l’hybris de l’homme occidental » et assez complexer l’Occident afin qu’il devienne « hypercritique de lui-même ». Leonardo Orlando prend alors le relais de son collègue pour défendre les théories de l’évolution en s’offusquant de voir « l’université contre Darwin ». Pour un lecteur pas hyper au fait des polémiques auxquelles l’auteur se réfère, l’article paraît assez confus. On comprend qu’il s’agit de « protéger la société des dangereuses lubies antibiologiques fabriquées aujourd’hui par l’université » (on n’a pas grand mérite, c’est écrit noir sur blanc), mais

• pourquoi,
• en quoi et
• dans quelle mesure concrète, exemple à l’appui,

l’évolutionnisme doit-il infuser toute pratique de science sociale ou non sociale, et, enfin,

• par qui,
• par quelles méthodes,
• jusqu’à quel point

en est-il empêché, ça, mystère. Aussi la charge contre « les platistes de la sociologie » tombe-t-elle, et ça fera plaisir aux susnommés, complètement à plat. Au lieu

• d’illustrer,
• de raisonner,
• de démontrer,

l’auteur se contente d’affirmer, quitte à se contredire quand il annonce que, « confrontés à la théorie de l’évolution, les fables [des méchants] s’écroulent comme des châteaux de sable », ce qui relativiserait quand même hyper vachement leur danger, n’eût été ce refrain que les évolutionnistes n’ont plus leur place dans le débat scientifique. Sa conclusion : « Aujourd’hui, les universités constituent des monocultures idéologiques » incapables d’accepter le débat. Cette autovictimisation d’un auteur publiant son article aux PUF, ce qui est une forme d’exclusion scientifique assez acceptable, aurait sans doute mieux résonné avec

• des faits,
• des exemples et
• des constatations

concrets. Le docteur Andreas Bikfalvi – qui n’a pas droit à sa minibio en fin d’ouvrage, contrairement à la plupart de ses collègues – nous attend à la prochaine notule pour évoquer l’impact du wokisme sur « la pratique biomédicale ». À suivre, donc !

Athée revendiquée, Catherine Ribeiro n’en écrivait pas moins des prières à l’Homme, à l’Aimé, à la vie… Bouleversée par le vol en suspens de notre espèce d’espèce, elle a confié le texte de « Racines » à Anne Sylvestre, qui en a fait ce qui suit, version Jann Halexander.