Le blog de Bertrand Ferrier, page 60

14 variétés de raisins, 26 cuvées différentes et des étiquettes parfois plus design que claires pouvant nous inviter à nous arracher un œil (quand on n’a pas la réf, il est heureux de trouver curieuse une telle invitation) : aux mains de Cyrille et Sylvain Paquereau, le domaine de l’Épinay – qui, ô surprise ! a perdu son accent (alors que le « à » de « À la nantaise » s’est bien accroché au sien), désormais une vilaine habitude sur les étiquettes de bouteille – revendique sa créativité. Ici à l’honneur, le fié gris est cultivé en « biologique » et délivre en 2023 un jus affichant 12,5° au compteur.
La robe arbore une teinte très légère,

• plus claire que crème,
• plus crème que jaune et, on y revient,
• plus translucide que crème.

Le nez, très doux, se révèle

• équilibré,
• constant et
• légèrement agrumé, entre clémentine et pamplemousse.

La bouche est surprenante.

• Son attaque est délicate mais présente ;
• sa consistance frisotte un enrobé presque beurré ; et
• sa persistance est notable avec une belle résonance dans les naseaux.

Le mariage avec un œuf mollet accompagné d’une purée de homard et de quelque crevette (trop rare, hélas, comme toujours) est particulièrement réussi.

• La rectitude du vin se révèle plus nettement devant la rondeur du plat ;
• la pointe acidulée du nectar dialogue joyeusement avec l’ambiance plutôt sucrée du mets ; et
• le beurre de la cuvée propose un liant propice au mélange des saveurs.

Un chouette moment, comme eût dit le petit Nicolas en espérant, plus tard, devenir multicaviste.

Un jour, il faudra bien que les héritiers de Johann Sebastian Bach, selon une procédure bien connue des États soumis qui piochent dans les poches de leurs citoyens pour assouvir

• leur inclination lacrymale,
• leur goût pour la guimauve et
• leur plaisir de satisfaire les wokistes intéressés et les historiens grassement payés pour refaire l’Histoire
  • (la France, c’est structurellement caca,
  • De Gaulle, c’est génialement gentil,
  • les blancs, c’est ontologiquement esclavagisto-andropèto-masculiniste),

payent pour le trauma que leur aïeul a infligé aux musiciens en général et aux compositeurs en particulier. Ce jour-là, les héritiers d’Eugène Ysaÿe toucheront une part du pactole, puisque le violoniste belge a eu envie de fomenter une partition pour violon seul – son opus 27 publié en 1923 – en écoutant Joseph Szigeti, dédicataire du premier numéro, jouer les sonates et partitas dudit JSB. D’autant que, sur les six numéros, quatre sont en mineur et les deux derniers en majeur, selon la nomenclature Bach. M’est avis que le délit d’emprise est établi.
Elvin Xhoxha Ganiyev, né en 1997, doté d’un Guarnieri et d’un archet d’Eugène Sartory, quoique soucieux de « diffuser la musique composée par des artistes issus des minorités » (en Turquie, ça ne doit pas manquer, sauf si on est du bon côté de l’intolérance…), remet sur le devant de la scène cette problématique grâce à son intégrale des six sonates publiée chez Solo musica. La première, en sol mineur et quatre mouvements, s’ouvre sur un « grave » ternaire floqué « lento assai ». L’interprète en rend la tension insensée voire impossible, entre

• graves, justement,
  
• aigus et
• dissonances.

La prise de son très proximale surroundolbyse, et hop, sans doute trop le projet – en soi spectaculaire – et la respiration du violoniste, mais ce choix technique ne rabat rien sur la virtuosité gourmande de l’interprète. Entre secondes et tierces, celui-ci travaille l’expressivité

• des intervalles,
• des changements de registres et
• des techniques d’attaques sollicitées.

Le fugato binaire joue sur le chromatisme frictionnant les doubles cordes, les logiques rythmiques sollicitant parfois les grognements de l’artiste (1’08).

• Travail sur les micro intervalles,
• expressivité des mutations d’intensité,
• malice de la polyphonie univoque et
• agilité spectaculaire
  

subliment la technicité impressionnante et néanmoins musicale du jeune interprète relevant les défis semés par son lointain collègue. L’allegretto poco scherzoso se veut « amabile ». Il défie

• l’unicité rythmique,
• la rigueur monodique mais pas le
• brio technique propre aux doubles cordes confrontées à la liberté discursive qui alimente le défi technique de la sonate.

Le finale con brio affiche

• énergie du propos (« allegro fermo ») et tonicité du développement,
• science de l’agogique et
• incroyable liberté technique dans les sixtes.

C’est

• très expressif,
• très brillant,
• très admirablement investi.

Pourtant, à ce stade, il nous manque, as far as we’re concerned, le p’tit truc qui fait que l’on n’applaudirait pas le premier de la classe mais, aussi, le mec qui nous fait vibrer. Vivement la deuxième sonate, sans doute !

À suivre…

Pour découvrir le disque, c’est ici.

Il pleut, mais nous avons la solution.

Un autre Mozart ? Tant mieux. Si, tant mieux car

• le petit HPI qui écrivait ses concerti à trois ans pendant que ses compères de la crèche jouaient à se fracasser le crâne à coups de hochets en bois,
• le joli cœur qui remplissait des pages de bariolage à cent sous la minute pour un résultat à peu près aussi passionnant que le monologue aux oiseaux du Saint François d’Assise d’Olivier Messiaen,
• le génie malade qui meurt en écrivant son propre requiem commandé par la Faucheuse en personne,

tous ces clichés quasi sulpiciens et la cohorte de musique qui l’accompagne, censée être géniale alors qu’elle est souvent presque aussi

• navrante,
• banale et
• ennuyeuse

qu’une sonate pour flûte alto de Georg Philip Telemann jouée sur instruments d’époque par un consort subventionné à grands frais, jouant dans de petites chapelles sous l’éclairage feutré, tamisé et vacillant de bougies électriques, on aura bien senti que ce n’est pas notre came. En revanche, quoi de plus stimulant que de mettre ses propres clichés à l’épreuve de la musique ?
Voilà long de temps que nous avons observé une bizarrerie à la limite de la diablerie. Des pianistes que nous estimons – tels Jean Muller, Christian Chamorel et, en l’espèce, Irakly Avaliani – s’astreignent à explorer l’immense catalogue mozartien pour clavier. Comment des musiciens doués et sensés peuvent-ils dépenser leur énergie et leur temps à jouer des fadaises ? La dissonance entre la gourmandise pour Mozart dont témoignent ces interprètes remarquables et notre peu d’appétence pour cette musique suscite notre curiosité, sur l’air du : et si c’était pas si nul que ça, en réalité ? Irakly Avaliani va très loin dans la provocation en écrivant qu’

un seul accent au milieu de la phrase de Mozart peut provoquer plus de désarroi que toute la grosse machinerie romantique du dix-neuvième siècle.

Pour l’instant, j’aurais tendance à pouffer ; alors au travail, mon colon ! Et le disque, présenté par Tzvetan Todorov, rien que ça, de commencer par le troisième rondo de WAM, un andante en la mineur écrit en 1787 et mesuré à six croches par mesure. Le pianiste en cisèle l’incipit volontiers chromatisant par l’association entre

• une nuance piano,
• un phrasé précis et
• un sens délicat de l’attaque.

Sans alourdir par une agogique excessivement souple les respirations ménagées entre les différents segments qu’accole (avec un seul « l ») le compositeur, l’interprète fait cliqueter les éléments dynamisant la sage pulsation de la main gauche, notamment

• les anacrouses,
• les appogiatures,
• les trilles et, plus généralement, les nombreux ornements.

On goûte

• la légèreté de la pédalisation,
• l’étagement des voix quand elles se retrouvent trois à discuter, et
• les contrastes d’intensité.

Malgré une interférence grave qui surprend l’auditeur (3’11-3’17), l’oreille se concentre sur la veine

• modulante,
• chromatique et
• alternante (tantôt le travail sur la mélodie est premier, tantôt le travail sur l’harmonie prend le lead)

de la partition. Un segment central,

• en mode majeur,
• largement staccato et
• volontiers doublement ternaire

ravive l’intérêt de la proposition. Le compositeur et son porte-voix jouent à la fois sur

• la fragmentation d’un discours changeant,
• le plaisir du développement et
• l’agencement entre ruptures et continuité dont témoignent les oscillations tonale et modale.

En effet, le moment solaire en majeur s’effrite soudain pour laisser place à la réexposition du premier sujet – mineur – du rondeau,

• réinvesti,
• enrichi et
• devant presque obsessionnel.

Une dernière péroraison partagée par dextre et senestre permet d’apprécier l’art du toucher cher à Irakly Avaliani et achève de nous convaincre que, va, bien que ce soit du Mozart, il semblerait bien que nous eussions hâte d’ouïr la suite. À suivre, donc !

Pour écouter gracieusement le disque en intégrale, c’est, par ex., ici.
Pour réserver en vue du concert Beethoven avec lequel Irakly Avaliani fêtera ses 75 ans dont 65 de carrière, c’est, par ex., là.

Peut-on être cool et avoir le bourdon ? C’est ce genre de question presque aussi métaphysique que philosophique, et vice et versa, que Pierre-Marie Bonafos et moi avons affronté en élaborant le menu du concert intitulé Une histoire du cool, donné en la prestigieuse chapelle du Val-de-Grâce le 3 novembre 2024. La réponse à la question ayant rapidement été trouvée (« oui »), voici un extrait du récital, via un standard de Pierre-Marie.
Ceux qui se creusent la tête pour trouver une idée de beau cadeau musical à glisser sous le sapin peuvent d’ailleurs doublement se réjouir, puisque quelques exemplaires de son disque autour des Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgsky sont encore disponibles ici, et le disque est super (suivez-moi pour plus de critiques parfois concises).

Nous avons quitté les foufous d’Ex-Norma en train de danser avec les macchabées, macchabées, macchabées. Nous les retrouvons avec « La métamorphose du chef sioux », une chanson signée François Marzynski et Yann Allano. On s’amuse d’écouter cet air blanchi sous le harnais, avec des jeux de mots dignes de Bertrand Ferrier (« je n’ai plus de Sioux ») et un exotisme topique alla Disney à faire frémir un woke, et le « e » final indique que je ne parle pas d’un ustensile pour cuire des légumes à la chinoise. Le visionnage en continu du concert permet d’apprécier le soin apporté aux transitions, qu’elle soient

• tuilées,
• parlées ou
• contrastantes.

Deux chansons de Jean-Marc Fontaine suivent et nous obligent à avouer notre insensibilité aux paroles et aux mélodies du guitariste. Les interprètes tentent d’habiller « Drapeau blanc » d’une aura acoustique qui s’électrise un chouïa grâce au solo de gratte, puis le miracle advient. Jean-Claude Hujeux, prodigieux bassiste-paysan (c’est lui qui se définit ainsi) croisé dans L’Intermittent (titre provisoire), confirme son excellence enthousiasmante avec une modestie scénique qui lui sied bien. Il est aussi de service dans « L’épave », la seconde chanson de JMF qui nourrit notre scepticisme quant à notre compatibilité avec les créations du gratteux. Le formidable bassiste s’impose par un solo planant au-dessus du vide stéréotypé des paroles. Ce n’est pas juste une question de technique, bien que celle-ci soit époustouflante : c’est de musique qu’il s’agit, avec

• du souffle,
• de la présence et
• de l’attention
  • à l’harmonie,
  • à la note et
  • à la pulsation.

Magistral ! « Le train », de François Marzynski et Christophe Patte, se présente alors comme une chanson atmosphérique et persiste dans le mid-tempo évocateur qui a désembrasé – et hop – la scène. Un solo de guitare sans excès démonstratif précède un joli break. Avec métier, le chanteur crée du liant entre les musiciens : c’est aussi son rôle ! « Bonne santé pour intérim » renoue avec la veine Jean-Marc Fontaine, où nous échouons à nouveau à nous enthousiasmer devant

• un texte sans aspérité,
• une mélodie qui se dérobe,
• des trouvailles harmoniques qui se font attendre et
• un beat dont nous peinons à sentir le groove.

Néanmoins, la fin, joliment synchronisée, montre que le groupe (feat. JMF) n’omet pas d’essayer de pulser afin de raviver la flamme avant « Allegro Jo », une chanson écrite en 1986 par François Marzynski et Michel Hujeux. La fredonnerie rappelle l’essence de la musique pop et la conviction de tant de chanteurs qui veulent d’l’amour au moment qu’ils le disent et à la place qu’ils le disent. Version Marzynski, ça donne : « Tu n’as personne dans ta vie / Rejoins la chanson / Ça va te changer. » Soli guitare et voix permettent au public de taper dans les mimines avant une nouvelle jolie synchro finale, qui rappelle que ceci n’est pas un spectacle de MJC mais bien un truc de gens qui ont failli être les Oasis de la chanson en français. « Tous les interdits », le tube espéré écrit par Michel Hujeux, le claviériste, s’agrémente d’effets spéciaux dans le DVD édité par Jean-Marc Boël.

• Ambiance slow,
• vintage assumé,
• désir inchangé de musiquer pour « faire l’amour » :

les critères de la chanson d’époque sont là et s’enhardissent encore dans les « Nuits parallèles » dont rêvait François Marzynski en 1988. Avec son bagout de camelot pas dupe de lui-même, constitutif du personnage scénique qu’il s’est créé, il prélude à sa chanson en la présentant comme un titre qui « aurait pu être le générique d’un feuilleton de campus américain ». En tout cas, l’auteur-compositeur-interprète est formel : avec cette bombe, il compte « enterrer Elton John et Billy Joel » pour récupérer leur public et (ou donc) la belle qui l’a quitté. Sans être un tube caricatural, le titre est un slow qui assume et son efficacité, et sa singularité, et où

• le batteur et son fiston travaillent leurs combinaisons sonores ;
• les guitaristes adaptent leurs sonorités au style du morceau ;
• le second degré est justement ostracisé, même si l’indispensable solo de gratte post-coda fait forcément sourire ; et
• le texte est interprété avec l’intensité sans relâche qui caractérise le chanteur.

C’est la force proprement jubilatoire de ce concert que de jouer sur la tension et non la contradiction entre musique à consommation immédiate d’antan et pérennité de la date limite de consommation. « Batida de Coco », de François Marzynski et Yann Allano, le confirme en marquant l’arrivée du vaillant grand-père du percussionniste (et donc père du batteur). Pas de chougne sur ce combo trigénérationnel, juste une idée

• judicieuse,
• intime,
• efficace :

bien joué. Les ex-futures stars sont comme tous les fredonneurs en particulier et tous les zicos en général : elles veulent du soleil sur quatre accords. Dans le public, les femmes s’approchent pour danser (un couple aussi, de sorte que l’on devine qui tient le lead dans ce duo). La froideur de la fin décembre et la tendance au gris d’Armentières s’éclairent à la chaleur de l’ambiance tube de l’été qui résonne au Vivat. Certes, le solo de clavier est mal valorisé par le mix, mais Michel H. y démontre

• une ténacité,
• une tonicité et
• une créativité tranquille

qui vibrent bien.

Ensuite,

• le triple solo mauricien des percussionnistes « le fait grave », ainsi que l’on eût dit jadis ;
• le break déchaîné et dialogué qui les foudroie rayonne d’efficacité, eh oui ;
• le chanteur endosse à nouveau avec pertinence son rôle chéri de musicien-réalisateur ;
• le bassiste et le claviériste expriment leur plaisir d’être sur scène par la musique ou par la voix.

C’est ça, même, c’est ça ! Souvenance d’antan, deux titres anglophones surgissent soudain. D’abord le « Evil Ways » popularisé par Santana (l’origine du titre n’est pas à 100 % attribuée à Carlos), avec Éric Brousse à la guitare solo : quelle intervention

• puissante,
• juste,
• percutante

du musicien en intro ! Trois notes suffisent quand

• le son,
• le rythme et
• l’esprit

surgissent comme inopinément. Le texte narre l’histoire d’un type trompé qui, en rentrant chez lui, se sent « like a clown ». Néanmoins, l’ambiance est festive, ce qui pourrait surprendre si l’on oubliait que, longtemps, l’hymne des mariages fut « I will survive », éloge fougueux du célibat retrouvé. Les percussionnistes assurent la pulse, et le clavier s’offre un solo à nouveau sous-produit, propre donc un peu sage à nos esgourdes (on aurait bien aimé qu’il devînt foufou vers le finale, boudu !). « Long train running », écrit par Tom Johnson – pas le compositeur minimaliste, évidemment – a été popularisé par les Doobie Brothers – une référence pour les Ex-Norma d’alors – après son remix par Bananarama en 1991. L’incroyable Jean-Claude Hujeux revient pour offrir au titre un groove

• puissant,
• lourd et
• aérien à la fois.

Pas du tout au sens husserlien, il faut se rendre à l’évidence : il est vraiment, il est vraiment phénoménal, ce zicos !

Se joignant à la danse, un étranger investit la scène. David Krüger, le photographe, clique à tout-va et fait les chœurs – pas toujours pile poil très justes mais, dorénavant, qu’importe !

• Le clavier opte pour un solo vintage ;
• Loïc Bachun enflamme la salle ;
• avant le guitariste, Jean-Claude Hujeux défonce tout : il y a
  • du son maîtrisé,
  • de la virtuosité joyeuse et
  • de la perfection dans la construction du solo.

C’est euphorisant. Pour terminer fort le concert, Ex-Norma envoie « Autour de la Terre » de François Marzynski et Michel Hujeux. Le titre ouvrait l’album enregistré en mars 1993. C’est donc une façon symbolique de boucler un voyage forcément circulaire puisque « tout commence à Armentières et tout finit à Armentières », du moins pour ces ex-jeunes-là.
Aspirés par une ambiance reggae de belle facture, les enfants se rapprochent pour danser même si les gamines moovent moins leur booty que les vieux venus s’enjailler. Sans perdre en rigueur, les artistes finissent de se détendre. François Marzynski profite des instrus pour se muer une dernière fois en cadreur sauvage. Comme chez les stars du rock, la gratte rythmique se rapproche de la six-cordes lead pour le solo. Ados et préados gagnent la piste de danse improvisée. Les enfants se laissent contaminer par le souffle chorégraphique qu’activent les musiciens. De part et d’autre de la scène, ça s’éclate. Un « Je t’aime » mutuel conclut la fusion entre groupe et public, couronnant ainsi une performance de haute volée, qui

• chasse la naphtaline à coups de décibels,
• accepte le temps qui passe sans se réfugier dans le regret ce qui ne fut pas, et
• rappelle que c’est parfois dans les vieux pots qu’on fait les meilleurs punchs.

Le résultat suscite le respect du spectateur et l’envie de parler de cet événement étonnant, presque au sens étymologique du terme. D’où cette double chronique !

Contact : le grandgrabuge@laposte.net

Trop souvent, la dichotomie aristotélicienne suffit à comprendre le monde. Par exemple, l’on peut distinguer sans coup férir

• le bon grain de l’ivraie,
• les macronocompatibles des gens fréquentables, et
  
• ceux qui aiment ce site des butors.

Heureusement, il arrive que la réalité se dérobe au rythme binaire de la partition et oppose au beat disco une oscillation plus stimulante pour la boîte à neurones qui est censée couronner notre corporéité. Ainsi de ce crozes-hermitage conçu par Florian Buit, qui

• s’est occupé des vignes,
• a supervisé les vendanges mais
• n’a pas embouteillé lui-même ce vin de prestige.

Et pour cause : en attendant la construction d’un chais perso, son jus est hébergé dans la cave de Jean-Louis Chave, mentor et voisin dudit Florian. Or, cette opération, d’apparence anodine, s’accompagne, sinon d’une transsubstantation, du moins d’un changement de nature : le vin de récoltant devient vin de négociant.
La nouvelle terminologie est a priori moins prisée des fines bouches car le statut de négociant permet aux aigrefins de tripatouiller fonds de cuve et invendus pour créer une vinasse presque aussi honnête qu’un gouvernement associant une ministre de la transition écologique à une ministre de l’agriculture se démenant pour développer tout azimut des intrants phytosanitaires (quel dommage que cette dangereuse fumisterie barniérique ait été victime d’une motion de censure !). Cependant, et nous l’avons constaté dans cette rubrique, la prévention que la dénomination de « vin de négociant » entraîne est parfois totalement injustifiée. Il arrive fréquemment que tel vin de négociant bien intentionné ne se révèle pas moins sapide et singulier que certains de ses concurrents, compères et collègues aux étiquettes plus prisées.
L’étiquette est d’ailleurs le point faible de la bouteille, en dépit de sa sobriété élégante. En effet, le cinquième millésime du « Vieux mûrier » a oublié son accent circonflexe. Partant, il remet un coin dans notre juke-box inauguré tantôt : comment peut-on faire des trucs aussi compliqués qu’un vin et omettre de faire relire son étiquette par des gens qui,

• nuls en fermentation alcoolique ou malolactique,
• incompétents en piégeage ou soutirage,
• démunis face à tout projet d’éraflage ou d’entonnage,

sauraient néanmoins éviter cette cagade pour, finalement, pas super cher ? Certes, l’essentiel est ailleurs, comme on disait dans le Sentier, et un petit chapeau pointu n’est peut-être qu’un détail ; ce nonobstant, pour reprendre l’analyse de Muriel Robin quand elle était chef de chantier plutôt que

• collectionneuse de subventions publiques,
• pleurnicheuse en chef,
• madone grassement rémunérée des causes consensuelles, et
• lâcheuse d’élite sortie première nommée d’une promotion où, pourtant, la concurrence était féroce,

« votre chemise a des boutons, c’est un détail, mais avouez que, pour la fermer, c’est quand même plus pratique ». Enfin, donc, après ces considérations de dénomination et d’orthographe, apparaît le vin, un monocépage à la gloire de la syrah. Sa robe est marquée par

• l’unité,
• la densité et
• l’opacité

du produit. Peu d’éclats rougeoyants. À la place, une belle densité qui augure d’un vin solide et charpenté. Le nez confirme ces auspices. On note

• sa puissance,
• ses notes de fruit confit et
• sa finale de girofle

qui ajoute à la fermeté une petite pirouette à la fois gracieuse et appétissante. La bouche étonne. Partant sur une légèreté où le fruit semble se dissimuler derrière le gingembre, elle revendique

• moins la rondeur chromatique qu’un à-plat de couleurs,
• moins l’étagement des saveurs que leur confrontation synchronique, et
  
• moins l’explosivité propre à certains monocépages syrah qu’une forme de stabilité gustative se prolongeant en fade out.

Peut-être la dégustation est-elle perturbée (ou rendue spécifique) par certaines interférences. D’une part, il est évidemment envisageable que la quille aurait gagné à rester en cave quelques années de plus, d’où la sensation d’un potentiel profond associé à une linéarité gustative, au lieu de la perspective 3 voire 4D que l’on attendait. C’est entendu, mais l’impatience, si elle peut être saccage, est aussi hommage à la désirabilité des bouteilles ! D’autre part, son association avec de délicieuses pâtes fraîches au foie gras – merci à la maison qui, ce soir-là, n’avait reculé devant presque aucun sacrifice – n’est sans doute pas la plus immédiatement attendue. Pour autant, en bousculant les us et coutumes des logiques feutrées présidant aux accords mets et vins, elle souligne le charme d’un vin – généralement commercialisé aux alentours de 25 €, compter 5 € de plus chez les heureux cavistes qui ont obtenu un quota de cette cuvée annoncée comme confidentielle – qui sait être

• soyeux,
• ferme et
• assez direct pour s’adapter au palais du curieux sans perdre son identité.

De la sorte, la création de Florian Buit ajoute du mystère au plaisir et évoque, à son corps défendant mais le siroteur a le droit de résonner (oui, avec un « é ») comme juste lui semble, cette confession d’Alicia Galienne :

Plus je me regarde dans cette eau lourde et profonde,
Plus la nuit se masque et va rejoindre le jour.
(« Les nocturnes », in : L’Autre moitié du songe m’appartient, Gallimard, « Poésie », 2020, p. 69.)

Bonnes nuits diurnes à tous, et belle joie aux patients pas malades qui dégusteront le jus quand il aura atteint maturité !

Voilà huit ans que je n’étais pas revenu à « NDdPS », la majestueuse basilique mineure de Paris où, quand j’étais organiste à mi-temps, j’étais convié l’été à jouer les messes dominicales. Profitant d’une coïncidence improbable, associant concert annulé mais remplacement non annulable (heureusement !) et proposition in extremis de Dominique Pasquier, j’ai tenté un come-back sur le gros instrument, restauré depuis mon dernier passage. Impossible cependant de revenir seul car, depuis, l’entreprise d’expertise de granularité sonore de Sleepy  & Compagnie a décidé de me coller aux basques dès qu’il me revient de ploum-ploumer un monstre qu’elle n’a pas encore scanné.

• Respectée,
• challengée (quoique jamais égalée) et
• parfois dénoncée
  

par tel ou tel titulaire un peu plus que concon, faut bien le dire, la confrérie d’experts revendique plus d’une trentaine de hauts faits (hyperliens en fin de chronique) incluant une délicieuse polémique où un imbécile tenta d’impliquer l’évêché du 94 (avec un « v », l’évêché, pas un « m ») et le virtuose belgo-français désormais suissisé Jean-Luc Thellin. Grâce à la bêtise humaine, le tube de Sleppy & Partners reste donc curieusement l’expertise des tuyaux de Saint-Louis de Vincennes, mais la firme continue de tracer sa route depuis lors. En témoignait ce tout tantôt l’examen minutieux de l’orgue de Notre-Dame du Perpétuel Secours.

Soutenu par Petit être céleste, son assistant du jour, Manneken, tout nouveau membre de la confrérie des experts en granularité sonore, n’a pas manqué d’apprécier l’ambition de cet instrument de Dargassies mix’n’matchant des tuyaux de plusieurs instruments. Même s’il lui est interdit de nous dévoiler le résultat précis de ses observations, il nous a glissé qu’il est

peu contestable que, en l’espèce, la ductilité de l’étagement sonore, fixe ou flottant, ressortit d’une picturalité chromatique englobante et ascensionnelle, d’autant que la franche libéralité de la proposition se déploie dans une acoustique à la générosité ciselée qu’il revient au musicien de modeler et de co-construire pour changer de logiciel en tant que tel avant d’en avoir gros. Tu n’sais pas dire autre chose, une fois.

Nous devons préciser que, pas plus que nous, hélas, l’individu n’avait, à notre connaissance, ni bu ni fumé avant son inspection minutieuse. Autant dire qu’il est probable que l’hurluberlu, puisqu’il a été envoyé par la plus fine start-up perpétuelle du market, a dû viser juste. Si personne n’a la moindre idée de ce qu’il a voulu dire, quelle importance ? C’est un expert, il expertise, point. À chacun de traduire selon sa sensibilité, comme pour une chanson du groupe ultramacroniste Indochine, ou de se laisser porter comme on le ferait sur les ailes d’un solo de free jazz de 25′ !

Retrouvez les aventures de Sleepy & Partners…

1. … aux grandes orgues de la collégiale de Montmorency.
2. … à l’église Saint-Marcel (Paris 13).
3. … à l’église Sainte-Marie-Madeleine de Domont.
4. … à l’église Saint-Martin de Groslay.
5. … à l’église Saint-Louis de Vincennes.
6. … à l’église Saint-Joseph d’Enghien-les-Bains.
7. … sur l’orgue provisoire loué par Notre-Dame de Vincennes.
8. … aux grandes orgues de la cathédrale de Gap.
9. … aux grandes orgues de Sainte-Julienne de Namur puis de la cathédrale de Namur.
10. … à l’église Notre-Dame de Beauchamp.
11. … sur l’harmonium du temple protestant du Saint-Esprit (Paris 8).
12. … à l’église de Taverny et à l’église de Bessancourt.
13. … à l’église du Raincy.
14. … à l’église de Notre-Dame du Rosaire.
15. … aux grandes orgues de l’église Sainte-Marie des Batignolles (Paris 17).
16. … aux grandes orgues de la chapelle du Val-de-Grâce (Paris 5).
    
17. … aux grandes orgues de la basilique d’Argenteuil.
18. … sur l’orgue Cattin de Notre-Dame de Vincennes.
19. … sur l’orgue Mutin-Cavaillé-Coll de Saint-Georges de la Villette (Paris 19).
20. … sur l’orgue Merklin de Saint-Dominique (Paris 14), une fois ou deux.
21. … sur l’orgue Delmotte de Saint-André de l’Europe (Paris 8).
22. … aux grandes orgues de la collégiale Saint-Jean de Pézenas.
23. … aux orgues de l’Immaculée Conception (Paris 12).
24. … sur l’orgue de l’église Sainte-Claire (Paris 19).
25. … sur l’orgue de l’église Saint-Denis de Gerstheim.
26. … sur l’orgue de l’église Saint-Saturnin de Nogent-sur-Marne.
27. … sur l’orgue de Bécon-les-Bruyères.
28. … sur l’orgue de Saint-Serge d’Angers.
29. … sur l’orgue de la chapelle Ozanam (Paris 17).
30. … sur l’orgue de la collégiale Notre-Dame de Vernon.
31. … sur l’orgue du temple du Saint-Esprit (Paris 8).
32. … aux deux orgues de la Madeleine (Paris 8).
    

Ce soir de fin novembre, après une série de caprices de Joseph Clément Ferdinand Barone Dall’Abaco, objet de son dernier disque, Estelle Revaz offrait un making of sa vie d’artiste, sujet de son premier livre, La Saltimbanque, paru aux éditions Slatkine. Revenue s’asseoir sur sa chaise sans son violoncelle, l’instrumentiste avoue d’emblée ce qui a fait basculer sa vie : l’épidémie de Covid et ses conséquences sociales. L’entrée dans les coulisses de l’art part de ce constat que, dans un pays riche et autoproclamé civilisé, il a pu être décidé que la culture était non-essentielle. Sans surprise, la violoncelliste, prompte à prendre la parole lors de ses concerts, est à l’aise pour s’exprimer tout en gardant cette double retenue propre aux Suisses de bonne éducation et aux socialistes invités à causer devant Roberto Balzaretti, aka monsieur l’ambassadeur de la Suisse en France. C’est sans doute ce que l’on appelle la politesse et qui, maniée avec cet art que nous ne possédons pas du tout, n’est peut-être pas moins efficace pour passer un message que

• l’enflammade,
• l’emportement ou
• la vitupération à tout crin.

Comme la musique n’existe pas sans le silence, l’art oratoire n’existe pas sans les non-dits. Ils sont d’autant plus savoureux que, dans la bouche d’Estelle Revaz, ils côtoient des dits sans impudeur ni faux-semblants. Dès lors, le témoignage proféré peut prendre plusieurs pistes. La première piste est celle du fatalisme familial. Avec une maman cantatrice, « mes Barbie, c’étaient les héroïnes d’opéra et, quand je me déguisais, c’était en Fioridiligi » [personnage de Così fan tutte de Mozart]. Pour autant, son destin d’artiste était-il déjà écrit ? Il y a, dans cette filiation, une puissante interrogation sociétale sur la réplication filiale et la liberté individuelle qui va, par le détail, au-delà des perspectives bourdieusiennes. Car l’artiste rencontre le duo qui la construit : au-delà de l’imprégnation culturelle, deux pôles la structurent : la recherche de la rigueur (« c’est venu à six-sept ans ») et l’exigence de créativité.

Jouer avec des jeux tout faits, c’était très mal vu, chez moi. Même mes pog, je devais les fabriquer. J’en avais fait un très beau, il y avait de la fourrure dessus. Bon, évidemment, personne n’en voulait, mais…

Sous son sourire et son humour, Estelle Revaz dévoile les hiatus qui l’ont construite.

• Rigueur et créativité.
• Née dans un village suisse de 900 habitants et plus tard étudiante au CNSM de Paris.
• Très jeune, bonne élève et bonne musicienne, ce qui est contre-indiqué… sauf à Paris, où ses parents se sont téléportés.

La voici en classe à horaires aménagés, concept non-helvétique, kiffant sa race en découvrant les joies de l’orchestre et de la chorale. Jusqu’au drame : ses parents rentrent en Suisse. Elle décide de rester en France. Ses parents lui louent une chambre de bonne « avec les toilettes à l’étage, vous connaissez » dit-elle à une assemblée entre crinoline et perruque, donc à une assemblée qui acquiesce – elle connaît sans doute par locataire interposé. La jeunette vit seule et en profite, in a way, pour découvrir le sexisme voire, croit-on entendre à demi-mots, manière de harcèlement. Dame, une jolie jeunette loin des siens, ça ne donne pas des idées qu’aux âmes presque pures… Malgré les goujats et les butors, la demoiselle trace sa voie jusqu’à tenter ce qu’elle juge presque exotique : le concours du Conservatoire national de musique de Paris. « Cinq tours et l’affichage des résultats, ça aussi, c’est très français ! » s’étonne-t-elle encore. Comme l’indomptable violoniste Pauline Klaus, la musicienne se sent à l’étroit dans l’expérience de la concurrence, une réalité qui la stimule mais menace de la scléroser. Et si, ailleurs, l’herbe était plus verte ?
Après une classe de maître engageante, Estelle Revaz tente sa chance auprès de Maria Kriegel à Cologne. À l’heure de la mondialisation écrasant censément les spécificités de sensibilité (et pas que), le choc est joyeux. L’étudiante découvre la différenciation esthétique d’une frontière l’autre. La notion de niveau sonore ou de juste interprétation (« en France, ça manque de saucisse pour jouer Brahms ») lui saute aux tympans. Plus tard, concours et débuts brillants de carrière engrangés all around the world, même conscience de la relativité de l’universel :

Si un public asiatique mange ses nouilles pendant que je joue, bah, qu’ils le fassent… même si j’ai l’impression qu’ils se foutent de ma gueule.

L’artiste semble placée sur orbite quand survient Sieur Covid. Ses concerts sont annulés.
Beaucoup de concerts.
Longtemps.
L’exotisme pousse la dame à lâcher, de manière un rien étourdie : « En France, vous avez de la chance, vous avez l’intermittence. » C’est mignon, même s’il faut se rappeler que les premiers bénéficiaires de l’argent public sont ces cochonneries de pseudo-artistes tellement subventionnés qu’ils n’ont plus besoin de subventions (n’oublions pas que le dernier disque de Johnny Hallyday a été subventionné à six chiffres au titre de « jeune artiste », bref). Quant à l’intermittence, système salvateur et destructeur, l’ami François Marzynski, dont nous parlions tantôt, a résumé ses charmes merveilleux et délétères dans un film magistral qui, sans renverser la table, devrait secouer toute croyance à ce sujet.

Reste que, en Suisse, un artiste ne saurait être artiste de façon intermittente. Il est ou salarié s’il est dans un ensemble, ou indépendant s’il est, par exemple, soliste – on ne dira jamais assez combien le libéralisme a emphysiqué les simples gens, fussent-ils artistes, en généralisant le « statut d’auto-entrepreneur », cette sublime attaque du patronat néolibéral, et ce, quel que soit la dénomination dudit « statut » round the world… mais comment parler de morale dans une France où vient d’être élu immortel « au siège numéro un » de l’Académie des sciences morales – des sciences morales, nom d’un foutriquet – une ordure de milliardaire qui, en sus de son patrimoine amoral, a été mis en cause par la justice pour des faits extrêmement graves et a – ça, c’est incontestable – fracassé tant de vies par

• la pression au travail,
• le licenciement massif et, souvent grâce aux aides d’État,
• les conditions indignes imposées aux sous-traitants

(on espère que ses nouveaux collègues en habit vert qui ont murmuré contre son intronisation auront la décence de démissionner, mais bon). Au moment où plus rien, la nana perd tout. Ses contrats, sa carrière, son plan de financement. Et elle découvre, incrédule, que pas de projet de dédommagement. Elle décide de fédérer les artistes car même la loi Covid exclut d’indemniser les artistes pré-engagés.
La dame monte un festival pour faire bosser les copains : neuf spectateurs, un artiste, tandis que, à Paris, on occupait les flics en faisant des manifs de dix artistes avec le Syndicat des artistes musiciens de Paris, affilié à la CGT, ce qui faisait déplacer plusieurs agents des renseignements, la BAC et plusieurs cars de CRS – une façon comme un autre d’offrir une sortie aux forces de l’ordre, avec une légère préférence pour les CRS, bref.
Estelle Revaz va plus loin. Elle envoie un mémo à 246 parlementaires et obtient, ô miracle, deux réponses. Bien qu’elle n’emploie sans doute pas ce verbe en permanence, le résultat l’escagasse. Elle découvre, elle qui ne votait pas, que, dans son pays, il y a deux chambres représentatives et un parlement à Berne. Elle travaille sans rechigner pour que « tout le monde tire à la même corde » et que change la loi. Contre toute attente, elle y parvient et commente :

Finalement, c’était comme dans la musique de chambre. J’ai amené les parlementaires à faire de la musique ensemble.

Son succès improbable et sa médiatisation remarquée l’amènent à être remarquée par l’ensemble des partis politiques, qui lui proposent de s’engager. Pour elle, c’est hors de question. Sauf que le problème n’est pas résolu. Un exemple ? Le statut d’artiste suisse reste pendant. Aujourd’hui, celle qui a été élue en place VIP sur la liste du parti socialiste helvétique veut porter un message d’espoir sur la protection sociale des artistes et la lutte contre la pauvreté. Sans mentionner les indemnités parlementaires qu’elle perçoit pour douze semaines de session par an (rythme qui lui permet de conserver son activité d’artiste, contrairement à ce que lui imposerait un ministère de la culture), elle aspire à amener de l’humanité dans la politique et, même si c’est perdu d’avance, lutter contre la militarisation ultra coûteuse – les dégueulasses lobbys des armes ne sont pas omnipotents que dans l’Hexagone.
Sa franchise tempérée dût-elle faire grincer monsieur l’ambadassadeur, Estelle Revaz revendique de faire le lien entre la puissance de transcendance que l’artiste offre à ses clients et la nécessité pragmatique qui astreint au monde l’artiste et tout un chacun.

• L’engagement est solide et feutré,
• le désir est patent et maîtrisé,
• la jonction entre la soliste internationale et la saltimbanque immigrée en politique est crépitante et fluide.

Bien joué, madame !

D’ex-jeunes fourneaux reprennent du service trente ans après. À l’instar des sœurs Castagnette, ils ne sont pas devenus les stars françaises qu’ils étaient certains de devenir. Leur aura a même difficilement dépassé le Ch’Nord, où la politique de soutien à la culture live, quoique imparfaite, reste vivace, entretenant un maelström d’initiatives artistiques assez étonnant vu de Paris. Quant à moi, qui ai eu l’heur de chanter longuement les louanges du chanteur François Marzynski lors de sa première renaissance, je n’avais jamais ouï une note du quintette, composé dudit François, de Michel Hujeux aux claviers, de Yann Allano à la guitare, de Christophe Patte à la basse, de Jean-Marc Fontaine à la guitare rythmique et de Jim Bachun à la batterie. Nulle nostalgie, donc (ce qui n’aurait pourtant rien de cracra), dans ce compte-rendu, plutôt une envie de découvrir une autre facette d’un formidable artiste capable, en 2023, de mener à bon port un projet

• facétieux,
• ambitieux,
• énergique et, par contamination,
• énergisant.

D’autant que ce nouveau projet sur l’ancien n’a rien d’anodin dans la trajectoire artistique du monsieur. La première fois que François Marzynski est rené, il avait découvert que, à force de courir après l’intermittence et le professionnalisme, il avait perdu la part artistique de sa vie et notamment sa fonction de chanteur. Il en avait tiré deux perles, sans les lâcher :

• d’une part, un projet de reprises en trio magnifiquement soutenu par David Lainé au clavier et au sax, et par l’incomparable Mike Rajamahendra à la batterie, avec qui il formait le « VF trio » ;
• d’autre part, un documentaire irrésistiblement percutant, drôle et touchant sur, justement,
  • la chanson,
  • la professionnalisation,
  • l’intégrité,
  • la lutte,
  • le désir,
  • l’espoir et
  • la lucidité qui est à la fois nécessaire et dangereuse pour l’artiste.

Cependant, aussi autobiographique, choral et passionnant soit-il, L’Intermittent (titre provisoire) ne se résumait pas à un egotrip au demeurant très stimulant. Il résonnait en chaque spectateur dont il interrogeait, à la première personne,

• les espérances tacites ou explicites,
• les renoncements, indispensables à la survie ou simplement paresseux, à supposer que l’on puisse distinguer scientifiquement les deux espèces,
  
• la ligne de vie, et
• le rapport entre
  • fatalisme,
  • déni et
  • rage de vibrer sinon plus, du moins mieux.

François Marzynski est le meilleur biographe de tout le monde que je connaisse car, presque sans le vouloir, comme chanterait Jann Halexander dans « Le mulâtre », quand il parle de lui, il parle de nous, et sans la barrière infatuée de l’artiste qui sait que, bon, quand même, il nous est bien supérieur. Non, humainement, François ne se revendique pas comme notre supérieur, bien qu’il risque de l’être par sa capacité artistique à faire résonner en chaque spectateur, ce qui est le propre des artistes importants, quelle que soit leur notoriété encyclopédique voire, pire, francintérique,

• ses espérances plus que ses ambitions,
• ses orgasmes plus que ses petites satisfactions,
  
• ses explosions plus que ses traumas, et
• ses doutes plus que ses déceptions quand, le soir venu, il faut bien peupler son imaginaire avec des regrets, aussi assertifs soient-ils, et, quelques degrés plus tard, des lamentations magnifiques.
  

Cette fois, l’Armentiérois a collectivement décidé, grâce à des retrouvailles d’abord fortuites puis organisées, de sortir de la naphtaline Ex-Norma, nom final d’une aventure finie, oui, mais marquée par des concerts de prestige et un disque en 1993. Le 22 décembre 2023, était donc filmée simultanément la fin de la résurrection d’un zombie – après une tournée préparatoire – et le début de sa dissolution de première classe, dans une salle de six cents personnes blindée et incandescente. Ce soir-là, c’était leur dernier concert avant 2053. Si Dieu me prête vie, j’aurai alors soixante-seize ans mais peut-être essayerai-je de me téléporter à l’Ehpad d’Armentières, ne serait-ce que pour chasser le spleen en faisant mourir l’hiver.
Dans son long discours introductif (il faut presque dix minutes avant que la première chanson ne retentisse), le chanteur ne masque pas la pression

• des fausses notes,
• des ratages et
  
• des sorties de route,

d’autant qu’un DVD et un double CD sont gravés ce soir-là en one-shot. Lui qui maîtrise tant l’art de la scène semble pris par l’émotion. En témoignent par exemple son triturage de lunettes et son jeu de veste (je l’enlève, la jette, la cherche, la remets) presque convulsif. Cette fébrilité difficile à masquer est joyeuse pour deux raisons : et d’une, elle illustre l’importance du moment en laissant l’artiste professionnel participer de la ferveur du public ; et de deux, elle n’impacte aucunement le travail scénique car

• les paroles sont sues,
• le chant est présent,
• le rôle de go-between et de M. Loyal est assuré avec le métier requis.

Connaissant l’exigence de l’artiste, on est d’abord un rien surpris par la qualité des plans larges, pas vraiment au niveau des précédents DVD. Cependant, on peut se demander si ce défaut n’est pas, en réalité, une touche vintage assumée pour la remise en scène de chansons vintage, interprétées avec des arrangements proches des originaux et des paroles inchangées. De plus, cette imperfection technique est largement subsumée sous une approche holistique :

• les plans larges investissent une image parfois digne des années d’antan (pas toujours, heureusement : les plans plus serrés sont correctement définis), mais d’autres plans alternatifs travaillent les multiples qualités et types d’images possibles
  
• le montage aux petits oignons est mené de main de maître par le maître-guitariste Jean-Marc Boël en personne, et
• le son est excellent, même si le clavier semble souvent sous-produit, y compris pendant ses soli.
  

Pour combattre le stress, mieux vaut commencer par le « Trac », chanson « de fiotte » (entendez : susceptible de plaire à tous, le Ch’Nord a son langage et sa crudité déboutonnée, ça nous change du corsetage des éléments de langage bien donc trop cadrés) de François Marzynski et Christophe Patte. On y apprécie

• la liberté de la versification alla Higelin (si, « et qui claque, CLAQUE ! », c’est du Higelin), dont le parolier-interprète tire brillamment le meilleur,
• la bonne rythmique du groupe et
• les bonnes synchros, et
  

ça l’fait grave.

François Marzynski assume seul de « Tuer le sommeil » même si, à force, il doit « tuer le soleil ». Le solo de guitare est assuré par un bras orné d’un vieux tatouage yin et yang qui va bien. À son image, le solo de Korg reste

• sage,
• simple et
• gentiment convenu (on apprécie ce souci de ne pas en faire des caisses…),

avant l’attendue – et bien menée – modulation au ton supérieur pour le dernier double refrain avant la coda. Il y a de la joie dans cette volonté d’assumer une manière de chanson qui, grâce à la vitalité de la scène, n’a rien de has been ou de bof. Comme cette chanson en particulier, la chanson en général porte

• des espoirs,
• des questions et
  
• des désirs d’envie d’avoir envie
  

disproportionnés par rapport aux humains qui la propulsent. C’est pour ça que l’aiment les humains qui l’écoutent : elle

• les inspire,
• les apaise,
• les met debout – c’est ça : en érection, avec la fragilité des sculptures d’un Giacometti.

Comme l’admet le mode d’emploi habilement glissé par le chanteur également prof de scène, l’ambitieuse « Danse des macchabées » dudit François Marzynski et de Yann Allano (plus de 9′ dans cette version, mais déjà plus de 5’30 en version studio) vise à « faire l’amour avec le public », c’est-à-dire à enflammer son enthousiasme en métissant les deux tubes en vogue au moment de sa composition par les membres de Delirium vitae : « Thriller » et « La salsa du démon ». En gros plus qu’en gore, c’est l’histoire d’un gardien de cimetière qui retrouve sa Stratocaster, et les musiciens affluent pour l’accompagner. Après un coup dans le zig, un coup dans le zag, s’organise une danse des morts pas très saint-saënsienne. Porté par le bon son de Jean-François Devos et la batterie sérieuse, aux cymbales parfois poétiques, orchestrée par Jim Bachun, le groupe paraît prendre la confiance. Aux claviers, Michel Hujeux affiche un sourire radieux qui ne le quitte guère. À la basse, Christophe Patte propose un solo de bon aloi qui ne va jamais chercher les effets waouh propres à une virtuosité démonstrative. L’instrumentiste ne semble pas posséder

• la palette technique,
• la célérité digitale et
• la créativité musicale du stratosphérique Nicolas Marsol

mais, bonne nouvelle, il le sait ou l’intuitionne, et hop. Par conséquent, il assume sa relative simplicité en dessinant

• ses boucles entêtantes,
• son rythme serein,
• ses volutes inspirées

avec une gravité festive qui résonne joyeusement dans le cimetière local. Le bien fait n’est pas l’ennemi de l’efficace ! Un break transformé en mi-temps permet à ceux qui sont devenus de vieux fourneaux de

• respirer,
• s’hydrater (les vieux boivent de l’eau, incroyable !) et, pour le chanteur, de
  
• détendre les cordes vocales que froisse, confie-t-il, le choix de reprendre les chansons dans leur tonalité originelle.

L’habile appel à la participation du public pour l’effet spécial visuel – dont le making of est détaillé dans le bref bonus du DVD – ouvre la voie à un mid-tempo bientôt électrisé par Loïc Bachun, le fils de Jim, aux percussions, en solo puis en duo avec son papounet. François Marzynski, possédé, déploie une chorégraphie macabre et dégingandée, parfaitement adaptée à son physique de grand escogriffe. L’ambiance est électrique. Comme on disait peut-être dans les nineties, c’est mortel – au point que nous allons faire comme les ressuscités du rock’n’roll alla francese : souffler dès à présent, et repartir en goguette avec le quintette élargi dans une prochaine notule !

À suivre…

Contact : legrandgrabuge@laposte.net