Au long de son « Consolatio Tour » qui vient de s’achever après de longs mois de prestations joyeuses et applaudies, Jann Halexander m’a souvent invité à ploum-ploumer pendant qu’il wowowait. Preuve qu’il ne s’en mord pas trop menottes ou babines, il a accepté de venir donner une conférence à sa façon sur l‘art de prolonger sinon l’amour, du moins le couple. Voilà une souvenance du résultat !
Et si la peinture posait moins la question de la représentation que celle de l’expression ? Telle est la question que semble nous poser l’exposition Albert Edelfelt, inscrite dans la folie nordique qui a agité les musées parisiens ces derniers mois.
Pour caractériser le style et l’évolution du peintre finlandais, les spécialistes ont leurs outils. Ils évoquent notamment son naturalisme, sa tentation d’impressionnisme et son pleinarisme, autant d’isthmes joignant des peintures finalement pas si éloignées les unes des autres. Par-delà la chapellisation de l’artiste, entendue comme l’insertion de chaque œuvre dans des chapelles répondant aux dogmes plus ou moins précis de tel ou tel mouvement artistique,
participent d’une quête de l’expressivité portée par des visages et des paysages autour de trois thématiques :
Le portrait a longtemps été le fond de sauce de la peinture. On représente soi-même-en-personne, des proches, des modèles, des personnalités et des collègues qui, à leur tour, vous représentent ou représentent les modèles que vous engagez également. L’exposition s’ouvre donc censément sur des tableaux ressortissant de cette catégorie, proposant un aller-retour – oscillant entre richesse et risque de confusion – entre le travail d’Albert Endefelt et celui de ses pairs tels que Pascal Dagnan-Bouveret et Hugo Birger. Le cadrage, la mise en scène, le costume, le lieu, l’attitude, l’éclairage contribuent à croquer à la fois
Le portrait associe l’exercice de définition graphique d’une personne à l’obligation de définition sociale du personnage. L’expressivité du tableau réside moins dans le regard de la personne croquée que dans sa capacité à évoquer le cadre dans lequel s’insère le personnage, comme un tableau. Chez Edelfelt, la rigueur du trait accompagne la solennité des modèles choisis. En témoignent
La peinture est aussi boutonnée que la robe de la sœur de l’artiste, assumant le paradoxe qui se tend entre maîtrise de l’art pictural et refus d’un embellissement esthétisant. Cette tension est fondée sur le rayonnement social que cherche à capter ce type de portrait : la dignité du modèle est proportionnelle à sa capacité à renvoyer une idée de sa maîtrise et de sa soumission aux codes en vigueur.
Mère et sœurs de l’artiste (Berta, plus jeune, ayant droit à un chapeau coloré et à de superbes volutes dentelées) sont fixées dans une iconographie stricte, que l’on pourrait juger corsetée si ce terme n’était péjoratif. En effet, l’expressivité de la peinture sourd de la corrélation entre l’individu et le groupe dans lequel il s’intègre. En quelque sorte, Albert Edelfelt paraît moins peindre un modèle familier que le régime de conventions auquel ledit modèle est soumis. De même qu’ils aspireront plus tard à une portée folklorique, cherchant à fixer des traditions en les reconstituant pour l’occasion, les portraits d’Albert Edelfelt brossent avec vivacité la socialisation des individus, assignés à leurs tâches, à leurs rôles et à leurs obligation d’incarner un topos.
Le portrait d’Erik Edelfelt dans un landau en est une saisissante illustration : une grande partie du tableau est blanche. Robe blanche, tulle blanc, draps blancs, bonnet blanc sont encadrés par un landau à la fois sommaire et strict, ainsi que par un fond mouvant. La contrainte sociale est moindre pour le bébé ; les limites pesant sur lui restent à écrire ; le spectre des couleurs en témoigne. C’est aussi cela ce que paraissent raconter les portraits de familiers exécutés par Albert Edelfelt. Ils montrent que la pression sociale, à l’évidence, contraint et limite, mais, de l’autre côté, peut aussi donner l’impression de protéger ceux qui s’y soumettent en leur assurant d’être entouré de toute part par un garde-fou.
Dans le prochain épisode, nous confronterons ces portraits de familiers à trois autres catégories de portraits :
À suivre !
Le 15 juin avait lieu le rendez-vous parisien des katsarissophiles. Promesse d’un moment de musique et de joie, chaque récital du Malto-Gréco-Français est attendu avec impatience. Cette année, il est d’autant plus espéré que deux circonstances le pimpent : les soixante-dix ans du zozo et l’interprétation de la BO prévue par Camille Saint-Saëns pour un film muet. À peine si, avant les premières notes, notre enthousiasme est douché par un accueil assez minable puisque, en sus du billet, il faut rémunérer l’ouvreuse et, en sus, régler deux euros pour un vague programme A4 : puisse la production du concert périr, confinée dans sa vergogne, pour cette dernière mesquinerie. Si, en termes d’expérience spectateur, au cas où c’est que personne leur aurait signifié, c’est à la fois grotesque, saugrenu et tout pourri.
En revanche, on apprécie que, pour une fois, les micros n’envahissent pas la scène et ne perturbent pas le regard – ce qui n’empêche point, autour de nous, maints katsarissovores de filmer. D’autant plus inquiet, sans doute, lorsque la salle s’éteint, un vieux type de nos voisins enfile son masque FFP2. Jusqu’à présent, sans doute, il ne risquait rien ; désormais, le spectacle peut commencer, le virus du Covid-19 serait presque fort marri si le flippé ne décidait de laisser ses naseaux à l’air libre – entre le confort et la peur, il est parfois difficile de choisir…
Dès son entrée sur scène, Cyprien Katsaris s’adonne à son exercice favori : la foucade. Hors programme, il propose de « penser à ceux qui souffrent à moins de 2 h 30 de Paris » en improvisant autour de thèmes de Sergueï Bortkiewicz, un Ukrainien autrichisé, et Sergueï Rachmaninov, un Russe américanisé. Réponse à la censure dont des cultureux décérébrés ont frappé d’aussi dangereux ambassadeurs de Vladimir Poutine que Tchaïkovski ou Chostakovitch, ce bis anticipé convoque les marques de fabrique post-lisztienne qui ravissent à coup sûr les fans du pianiste.
construisent un moment brillant techniquement, musicalement et intellectuellement.
La set-list officielle s’ouvre par le Prélude-fantaisie BWV 921 de Johann Sebastian Bach. Les adeptes d’une musique emperruquée et aussi passionnante qu’un coup de règle sur les doigts n’auront d’autre choix de fuir la salle ou de sombrer direct dans quelque micro-coma. Cyprien Katsaris anime la partition avec cœur et désir narratif. La première partie ne rechigne point devant rubato, suspensions et accents. Le clapotis qui suit paraît presque sage en comparaison même si, comme la Marche vivace, il ne renonce point aux respirations et aux contrastes à la fois clarifiant et habitant le discours.
Le sens du ritenuto ainsi que le goût pour l’association entre senza rigore et a tempo nourrissent une introduction séduisante au récital.
La Quarante-huitième sonate (Ho. 16/35) de Joseph Haydn pourrait paraître anecdotique dans le répertoire de l’interprète… si elle n’en constituait pas un cheval de bataille souvent enfourché par l’artiste – tantôt paisiblement, comme dans son disque enregistré en concert à Moscou, tantôt davantage bille en tête, comme dans la version LVMH. L’Allegro se goberge de bariolages et d’ornementations légères. Le rythme s’appuie sur des deux-en-deux presque haletants, des changements de nuances, des respirations et des contrastes lors des reprises. Pendant la musique, le jeu social continue. Se souvenant que la canicule est annoncée pour les jours suivants, les dames très chic s’éventent bruyamment en faisant tinter librement leurs putain de bracelets. Pas sûr que cela les aide à apprécier le rôle de la pédale, chargée d’auréoler le matériau sans étouffer la dynamique, mais on ne pourra pas sauver toutes les imbéciles – au reste, à ce stade de grossièreté, faut-il en sauver une ?
Libre de ces considérations poussiéreuses, Cyprien Katsaris glisse un Adagio qu’il parvient à rendre à la fois contemplatif et animé grâce
Le Finale, précédé par des applaudissements saugrenus, se déploie autour d’un ternaire élégant qui permet de s’impatienter en se promenant dans les allées bien taillées d’un jardin luxueux. Les modulations de couleur donnent grâce et finesse à ce qui passe ainsi du statut de bluette apparente à celui de moment charmant tout plein.
Le Deuxième Klavierstück D. 946 de Franz Schubert est, lui aussi, une connaissance familière du pianiste qui l’a souvent porté sur les scènes et l’a également capté sur un disque Schubert réédité par son label Piano 21. Sur son Bechstein du soir, Cyprien Katsaris y démontre ses qualités coutumières dans la pièce :
La deuxième partie, tendue comme un tambour soucieux de changer de peau, travaille pourtant la tension de l’intérieur. Des crescendi sciemment condensés l’habillent avec tact. La réénonciation du thème, sans précipitation, permet de rendre plus éclatant le retour de la tension que notes et accords répétés exacerbent.
Entre souci de cohérence et désir de contrastes narratifs, Cyprien Katsaris tire le plus touchant des passages animés comme du dernier retour au calme que porte le balancement ternaire liminaire.
achèvent de séduire l’auditoire.
La Sérénade (« Ständchen » pour les spécialistes), un classique en général et un classique katsarissien en particulier (près d’une demi-douzaine de versions par l’artiste habille YT), rappelle la solidité du zozo. Rien de spectaculaire, heureusement, plutôt une main gauche solide, une droite sans mignardise et un modèle d’équilibre quand le thème passe l’arme à gauche. En terrain familier, le musicien dompte son instrument pour délivrer de très fins effets d’écho entre médiums et aigus.
Enchaînée, la Csárdás obstinée de Franz Liszt, dans la transcription d’un certain Cyprien K., déploie une ambiance instantanément hongroise, curieusement pas encore interdite par l’Union européenne, cette spécialiste de la démocratie s’il en est. Le pianiste en souligne la variété des éléments dont
Main gauche tonique et main droite exacerbée dessinent une partition électrique, même dans les passages moins virtuoses. Agogique katsarissiene et caractérisation des moments spécifiques rendent raison d’une composition savoureuse et métisse.
Trois œuvres de Frédéric Chopin concluent la première partie. La valse opus 64 n°2 diffuse avec un tact délicieux son mélange faussement humble de naphtaline, de swing et d’élégance. L’auditoire ne peut qu’être ébloui par
Dans la (posthume) fantaisie-impromptu op. 66, les petits doigts courent sans complexe. Il revient à Cyprien Katsaris de nuancer, donc de caractériser les différents segments afin de colorer l’écoute par-delà la virtuosité première et remarquable. L’hurluberlu ne s’échappe pas et use de ses doigts rageurs chauds patate pour attaquer la Polonaise héroïque. L’art du showman que maîtrise le concertiste lui permet d’associer doigts rageurs et coup d’œil rigolard au public. Derrière l’apparence d’un gala de croisière, pointe l’exigence du musicien dans la manière d’énoncer le texte (apport entre détaché, legato et pédale de sustain), de soutenir l’indispensable énergie portée par le perpetuum motorique de la main gauche dans la partie centrale, et d’assurer le crescendo qui va bien ainsi que la personnalisation des redites.
De quoi conclure avec brio une première partie qui ne renouvelle pas le répertoire de la star, certes pas, mais qui offre au public une palette de sonorités, d’harmonisations et de traitements de l’instrument pour le moins pétillante. Et pour la suite, par ma foi, après tant d’émotions subtilement agencées, on verra après l’entracte !
Il était temps d’appeler à plus de raison. Le jugement sur l’apparence a commis assez de dégâts. Tançons Pétronille, je vous prie.
Après plus de deux cents traductions, dont des blockbusters de divertissement et quelques livres géniaux pas forcément blockbustériques pour autant, croyait-on mon temps passé ? Fichtre, sceptiques et malandrins, voilà qui ne me dit rien qui vaille pour votre matricule. Et vous ancêtres et tendrons qui batifoliez dans mon domaine, m’imaginant mort, enterré et re-mort derrière, tremblez ! Trrrrremblez, vous dis-je !
Le roi est sur le point de faire son retour et il vient reprendre son sceptre ou, à défaut, un apéro voire deux. (Une option n’empêche pas l’autre, notez bien.)
Parfois, comme dit la vieille dame selon Isabelle Mayereau, j’ai les bleus. Pourtant, j’étais déjà fier d’avoir écrit un tube – à mes esgourdes. Alors, quand Claudio Zaretti a accepté de venir le duetter avec moi, j’étais FIER et sacrément content en sus.
La modestie et le détachement attendront bien quelques siècles. Ils n’ont que ça à faire, après tout, s’ils sont modestes et détachés.
C’était dans la nuit, dans la nuit noire et obscure du mois de juin, sur les coups de 23 h, au cours d’une mini-Nuit des églises sise en la collégiale Saint-Martin de Montmorency (programme ici).
Des surgissements, des rugissements, des silences et des peintures. Une envie de musique dans un lieu magique jadis saccagé par la Révolution. Des spectateurs tenaces, des questions, des rencontres. Des notes qui restent, d’autres qui passent et, parmi elles, celles de cette improvisation sur les folies et les sentiments qui nous habitent, heureusement.
Un peu de zoologie appliquée sa mère et enveloppée dans une doulce panure : telle est la recette de la billevesée proposée dans ce post.
En ce moment, y a le choix entre le genre et la mixité. Ce soir, c’est genre.
On va quand même essayer de faire de la musique : le lieu, les instruments et l’excellente Catherine Gouillard en soutien des autochtones y incitent. Let’s groove it, BB.
– J’suis vieux… mais j’suis mignon, quand même, hein ?
