Le blog de Bertrand Ferrier, page 26

En musique comme dans la vie en général, il y a des règles sur tout ; et il y a surtout des règles. Il y avait même des règles pour construire une « partita » (autrement dit une suite de danses) baroque. Celle-ci devait comprendre

• une allemande,
• une courante,
• une sarabande et
• une gigue.

Pourquoi ? Parce que c’était la règle, point. Avec sa première partita labellisée BWV 1002, Johann Sebastian Bach

• respecte la division en quatre mouvements, mais
• accompagne chaque mouvement d’une variation intitulée « double », et
• préfère la bourrée à la gigue finale, et pourquoi pas ?

Après une notule sur la première sonate en sol mineur disponible ici, la présente notule s’intéressera aux deux premiers mouvements de la partita et à leurs doubles. Tout commence donc par une allemande (parce que c’était la règle, m’enfin !) en deux parties avec reprises, selon le schéma que respecteront les huit mouvements de la partita. Saskia Lethiec en rend l’énergie selon trois astuces majeures :

• la décomposition nette des accords,
• la variété des attaques, franches ou habilement allongées, et
• l’attention portée à la polymorphie du rythme, qu’il soit
  • pointé,
  • ternaire, ou
  • évanescent via les gruppetti de quadruples croches et les trilles.

Certes, l’acoustique généreuse – trop à notre goût – ne permet pas aux points de montage de se faire discrets. Ainsi de la reprise à 3’02 ou de la respiration à 4’33, et l’on retrouvera ce défaut dérangeant au long du disque (ainsi de l’attaque mangée à la reprise de la première partie du double, 0’44). Mais, voilà, chacun sait qu’un enregistrement non live (quoique maints live soient tout aussi traficotés…) est le résultat de plusieurs prises bouturées entre elles. Même si cela conforte notre scepticisme devant le choix du lieu de captation, il faut accepter de rapporter les désagréments de l’exercice à ses avantages tels que

• la possibilité d’optimiser la précision du geste,
• la capacité de choisir les versions les plus inspirées, et
• l’opportunité pour l’interprète de prendre des risques puisque, dans les délais prévus par la session, une autre prise est envisageable si le quadruple axel tenté est raté.

Le double est horizontal (ni intervalles, ni accords) mais vallonné. Johann Bach joue sur le contraste des registres pour faire groover ce chapelet de doubles croches. Saskia Lethiec s’applique à

• sélectionner les différentes sonorités que son violon peut offrir, presque comme un organiste registrerait une partition,
• aérer la partition par de légers effets d’attente ou des respirations savamment conçues pour éviter de ralentir le  mouvement, et
• galber ses phrasés avec une maestria qui ne se dément pas.

La courante bondit non grâce à un tempo ahurissant (un « double presto » nous attend juste après) mais grâce aux dialogue entre croches liées et croches détachées. Pour ne rien gâcher, selon la tradition (une autre forme de règle…), la première reprise est judicieusement parée de quelques ornements et la seconde partie semble électrisée par

• la multiplication des descentes gourmandes,
• les impulsions propres aux sauts du grave à l’aigu comme de l’aigu au grave, et
• l’impression d’une inarrêtable force qui va.

Le double annoncé presto substitue les doubles croches, justement, aux croches simples. Ce mouvement pourrait être une tarentelle, cette danse que l’on est censé exécuté quand on est mordu par une tarentule, tant Saskia Lethiec l’attaque bille en tête.

• Caractère décidé,
• aisance digitale très impressionnante et
• clarté de la ligne

caractérisent cette explosion qui ravigote voire ragaillardit l’auditeur. Rendez-vous dans une prochaine notule pour danser la sarabande !

Pour écouter le disque en intégrale et gratuitement, c’est par exemple ici.
Pour l’acquérir moins gratuitement, c’est par exemple là.

Si les « Enhanced Games » ne prévoient pas d’inclure une catégorie « piano » dans leur cirque, c’est sans doute parce que le dopage n’apporterait pas grand-chose

• aux survoltés de la virtuosité,
• aux fanatiques de la triple croche, ni
• aux chérisseurs du bpm le plus rapide du monde.

C’est peut-être aussi parce que, par-delà le côté sportif voire circassien consubstantiel à l’art de jouer plein de notes super vite, se nichent des enjeux musicaux qui dépassent de beaucoup les capacités cérébrales des Musclor surannés shootés aux stéroïdes. Pour le prouver, derrière une première de couverture inattendue et claquante, Tristan Pfaff dégaine d’emblée la transcription pour piano seul des « prélude et allegro dans le style [du violoniste et compositeur Gaetano] Pugnani » de Fritz Kreisler par Nicolaï Vaneyev, musicien dont cette adaptation semble le seul travail à connaître aujourd’hui encore quelque résonance.
L’allegro en Sol commence en trompettant sur l’ensemble du clavier, ce qui sied à l’opus 102, piano hors norme de Stephen Paulello capté par Jean-Yves Labat de Rossi avec une simplicité apparente et une netteté soigneuse. L’interprète parvient à décliner de nombreuses nuances allant du forte au fortissimo, avant de revenir à des intensités plus feutrées dans l’andante ternaire qui surgit. On y goûte

• un legato onctueux,
• un goût très sûr pour la suspension et
• une science notoire de la pédalisation, cet art d’enrober la phrase dans une réverbation généreuse sans l’y ensuquer.

Le premier motif réapparaît sotto voce sans perdre de son allant ni de son ambition d’embrasser l’ensemble des registres du clavier… obligeant la partition à s’étaler sur trois portées, les deux habituelles ne suffisant plus pour supporter toutes les notes ! À cette poétique verticale, constituée d’accords et d’arpèges souvent boostés par des appogiatures simples ou doubles, succède un allegro molto moderato ternaire d’apparence plus horizontal (en clair, y a moins d’accords, a minima au début).
L’affaire se lance comme un fugato en mi mineur que Tristan Pfaff n’hésite pas à faire rutiler tout en ciselant l’énonciation, c’est-à-dire

• les attaques,
• les phrasés et
• l’étagement des voix par l’usage habile d’une large palette de nuances.

Le résultat

• jaillit ici,
• respire çà,
• gronde là.

La virtuosité s’inscrit moins dans l’explosivité soudaine que

• dans l’inscription du brio dans la durée,
• dans la régularité obstinée de la narration qu’hésite presque à assouplir parfois l’agogique, et
• dans la capacité à mêler, par un subtil équilibre digital, la mélodie à son harmonisation fluctuante.

C’est en cela qu’elle devient musicale, dans la mesure où elle travaille le corps du son pour le rendre à la fois

• intelligible même quand il est profus,
• palpitant même quand il s’inscrit dans un débit apparemment très métrique, et
• mutant grâce à la capacité de l’interprète à faire fi des difficultés techniques

afin de propulser l’auditeur dans une course en avant plaisante avec

• énergie roborative,
• embardées allègres et
• solennité triomphale de la coda (avec tierce picarde obligée !).

Deuxième visage de la virtuosité au programme, la « Valse Méphisto » de Sergueï Prokofiev. L’œuvre est tirée de la Suite de valses opus 110, où l’on retrouve des remix de

• son opéra Guerre et paix, encore inouï à l’époque,
• son ballet Cendrillon et
• la BO écrite pour un film sur Lermontov, dont est tiré la « Valse Méphisto ».

L’allegro precipitato en ré mineur est impulsé par une anacrouse dynamisante qui, après quelques mesures d’échauffement, lance d’un côté une main gauche bondissante et métronomique, de l’autre, cinq petites saucisses qui se démènent sur la partie droite du clavier. Cette vitalité semble provoquer l’instabilité

• tonale (importance des changements et retournements sans transition modulante),
• rythmique (importance des contre-temps) et
• narrative (importance des ruptures et mutations de tempo).

Un moderato profite d’un ritenuto diablement bien amené pour privilégier l’expressivité sur la digitalité. Un lyrisme intranquille s’empare du piano de Tristan Pfaff. Très vite,

• quintolets,
• sextolets et
• septolets

de doubles viennent secouer cette fragile élégie que l’harmonie prend plaisir à faire joliment claudiquer. Une accélération renvoie l’auditeur au premier motif.

• La puissance des accents,
• l’aisance technique et
• la vista musicale de l’interprète

rendent raison du talent et du swing du compositeur. De quoi euphoriser l’auditeur avant d’esgourder l’un des chevaux de bataille du maître-cavalier Tristan Pfaff : la « Carmen fantaisie » de Josef Weiss d’après Georges Bizet, laquelle fera l’objet d’une prochaine notule.

Pour acheter l’album, à paraître dès février, c’est ici.
Pour lire un entretien avec Tristan Pfaff, c’est çà.
Pour découvrir plus de chroniques sur Tristan Pfaff, c’est là.

Saskia Lethiec a cinquante ans – c’est elle qui le précise ; Johann Sebastian Bach est mort depuis 275 ans de plus – ce n’est pas un secret. Pourtant, la première se sent, comme moult violonistes, en connexion avec le second, lequel – la chose est presque peu connue – était violoniste en sus d’être organiste et aurait donc créé lui-même ces pièces qu’il a mélangées.
Dans son double disque publié par les Suisses courageux (comme les Français, ils ne sont pas tant que ça) de Cascavelle, Saskia Lethiec respecte l’ordonnancement des premières éditions, alternant sonates et partitas en quatre mouvements sauf exception. Et l’artiste s’engage : c’est elle qui

• rédige le bref livret,
• revendique le choix du lieu d’enregistrement (« l’église de Comps dans la Drôme ») et
• décrypte l’instrument qu’elle joue
  • (un « violon de Louis Guersan datant de 1741 »,
  • « monté en boyaux filés », et
  • manipulé avec un archer de Craig Ryder).

La première sonate en sol mineur, composée pour Noël, est construite comme ses consœurs en quatre mouvements :

• prélude,
• fugue,
• mouvement lent, et
• mouvement vif.

Elle s’ouvre sur un adagio dont l’interprète s’attache à rendre la liberté de respiration :

• souplesse du phrasé,
• art de poser les premières notes des accords,
• hauteur de vue quand trilles et quintuples croches semblent défier une battue rigoureuse.

La façon d’associer avec goût

• mélodie,
• accords et
• ornementation

captent l’attention en dépit d’un enregistrement grevé par une prise de son proche de l’interprète (certaines inspirations sur ce premier mouvement peuvent finir par paraître oppressantes) et nimbée dans une acoustique trop généreuse à notre goût (la réverbération défiant parfois la finesse de la ligne).

La fugue, notion a priori rigolote pour un instrument réputé monophonique, prend son temps malgré l’indication – vague – d’allegro. Cela permet à l’interprète de privilégier la musique sur l’esbroufe virtuose. Saskia Lethiec y fait montre d’une précision qui sied à la clarté polyphonique.

• L’aisance technique,
• la simplicité de l’énonciation et
• le plaisir de la nuance

colorent cette version. La différenciation des segments entre parties fuguées et commentaires à une voix parvient à rendre piquant le ressassement du sujet sur l’ensemble du parcours. La sicilienne qui fait office de troisième mouvement puise son originalité dans l’oscillation entre la rigueur posée, marquée par un rythme très corseté, et l’effet swing permis par

• le dialogue des registres,
• le surgissement sporadique des triples croches, et
• la suspension qu’aime créer la violoniste en dissociant attaque et corps du son.

Le presto en deux parties avec reprises ne va pas vite : il file,

• décidé,
• bondissant,
• quasi inarrêtable.

Saskia Lethiec n’hésite pas à jouer avec la régularité des chapelets de doubles croches, la déréglant

• ici pour installer une basse,
• çà pour transformer une envolée dans les aigus en une sorte d’ornement enivré par sa propre légèreté,
• là pour oser une micro-respiration qui donne de la chair sonore au phrasé, particulièrement soigné.

De quoi mettre en appétit avant la demi-heure que durera la première partita, à découvrir dans une prochaine notice !

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Suite à notre chronique de tantôt, nous reçûmes des milliers – que dis-je ? des millions de sollicitations pour savoir où et quand voir Le Neveu de Rameau dans la version scénique de Vincent Auvet, avec ledit Vincent Auvet et Jean-Pierre Colombiès en personne dans le rôle-titre. J’ai cinq bonnes nouvelles à partager avec vous, mais d’abord, rappel.

Le pitch

1761. Paris. François, le neveu du Grand Génie Jean-Philippe Rameau, est une sorte de loser lunaire qui survit grâce à un protecteur trouvant le drôle drôle, si si. Hélas, quand la pièce commence, François a échoué dans une taverne, jeté à la porte par son sponsor pour abus d’insolence. Dans le troquet, il trouve un philosophe qui lui paye un coup, puis deux, puis trois, histoire de confronter sa haute sagesse à l’apparente bouffonnerie du semi-clodo.

L’avis

• L’épaisseur des personnages,
• la drôlerie des punchlines,
• la puissance corrosive du rire (c’est pas du stand-up communautaire donc on rit bien, pas que mais on rit), et
• le soupçon de mélancolie pour épicer la comédie triste

bénéficient

• d’une interprétation renversante,
• de costumes aux petits oignons et, en attendant les grands théâtres,
• de la petitesse de la jauge,

instaurant une efficacité intimiste parfaite pour apprécier le texte,

• sa vitalité,
• son acidité et
• sa force,

lesquelles installent le spectateur tantôt dans la posture du moqueur, tantôt dans la posture du moqué. Le résultat est à la fois réjouissant et poignant. Oui, poignant et non « popignant », comme j’avais écrit, c’est d’ailleurs dommage parce que le mot a beau ne rien vouloir dire, il donné envie de le fréquenter voire de s’en faire un super pote.

Les cinq bonnes nouvelles

La pièce est de retour au Zéro Trois Studio (3, rue du Ponceau | Paris 2) les samedis

• 31 janvier,
• 28 février,
• 28 mars,
• 25 avril et
• 27 juin

à 15 h pétaradantes. L’entrée est libre sur réservation absolument indispensable vue la petitesse du lieu, réservation qui se passe exclusivement au 07 66 73 55 72. Il n’est pas interdit d’exprimer sa joie de la découverte en lâchant un billet de deux cents euros ou quelques piécettes dans la sébile qui sera tendue à la sortie.

Déclaration d’intérêts

Je ne connaissais pas le Jean-Pierre Colombiès comédien, j’en connaissais un autre, pas plus comédien que nous le sommes tous pour exister un peu dans ce bas monde. J’ai été emballé par cette autre facette du personnage, y compris par l’exigence remarquable qu’il met dans son incarnation sobre donc efficiente. Pour le reste, je n’ai pas d’action dans la compagnie, mais j’ai trouvé le spectacle

• étonnant,
• très réussi et, ça ne gâche rien,
• fort plaisant.

Aussi m’incombait-il, par souci éthique envers l’humanité, et c’est l’objet de la présente notule, de le déconseiller aux personnes préférant le théââââtre à la Télérama, pour qui la chiantise

• pompeuse,
• snob,
• consensuelle en une syllabe et
• subventionnée,

évidemment « portée par » une vedette bien identifiée, de ces fakes qui

• vivent à Saint-Germain-des-Prés mais se battent pour le mélange, le vivre-ensemble, l’ouverture à d’autres cultures et pétitionnent contre les supérettes dans leur coin parce que ça pourrait attirer des gens qui ne font pas toutes leurs emplettes au Bon Marché, ces gueux,
• entre deux coquetèles dans les palaces du huitième arrondissement parisien, se déclarent bouleversés par les drames vécus par les migrants, et
• s’hystérisent (c’est beau) sur les plateaux de télévision pour « défendre la démocratie » à condition qu’elle aille dans le sens le plus trivialement macroniste, néolibéral et monolithique possible,

sera toujours préférable au kif. Désormais, j’ai accompli mon devoir et je peux souhaiter bonne curiosité aux autres lecteurs qui, eux, pourront vibrer joyeusement au Zéro trois studio, même à l’heure de la sieste !

C’est le Graal des organistes : se glisser dans un orchestre pour jouer la Troisième symphonie de Saint-Saëns… et singulièrement son second mouvement. À l’invitation d’Hervé Désarbre, organiste du ministère de la Défense et titulaire de l’orgue de l’église du Val-de-Grâce, j’ai eu la chance d’être accueilli par la Musique de la Garde républicaine pour accéder à cet orgasme mégalomaniaque.
Certains jugeront que, face à la puissance de la phalange, portée par l’arrangement parfait de Mark Hindsley et la direction attentive du commandant Frédéric Foulquier, l’orgue local peut paraître manquer de puissance. Ce n’est pas totalement faux ; et, cependant, j’aime bien la capacité de la Grosse Bête à se fondre parmi les autres pouët-pouët dans la mesure où, pour cette pièce, l’orgue n’est pas soliste (c’est une « symphonie avec orgue », pas pour orgue). Sauf pour quelques coups d’éclat, il participe d’un son global sans être sur un piédestal. Le résultat-souvenir est disponible sur YouTube.

Feu Julos Beaucarne le chantait peu ou prou : des chanteurs qui trouvent, on en trouve ; des chanteurs qui cherchent, on en cherche. Loin de son image de druide belge à tendance onirique, Julos a pas mal cherché, partant pas mal trouvé. Jean Dubois a été salué, entre mille autres, par la Poitevine Geneviève Charlot mais aussi par des stars de la chanson voire plus comme Sarclo, Serge Uté-Royo, Guy Béart et même Son Excellence TF1. Il a été ouï à Bobino, Boston, Detroit, Washington et même au Théâtre de Dix-Heures avant que, comme l’Européen, la salle ne s’écrase pour se concentrer sur cette merde qui s’appelle lestand-up.
Jean a pas mal trouvé, donc cherche pas mal aussi. Depuis quelques années, celui qui s’était révélé comme un chanteur guitare-voix avec du texte dedans a remis en question son savoir-faire, peut-être inquiet de ce que le savoir-faire implique de confort donc de danger de mèmes voire de ronronnement dans la production d’un fredonneur. Ses derniers concerts portaient trace de quelques-unes des stratégies qu’il explore, parmi lesquelles :

• le refus de la guitare,
• l’exploration du piano où il est moins à l’aise mais plus gourmand et pas gauche,
• l’insertion de textes dits pour casser la logique de la parole chantée,
• le creusement de chanson non-duboisiques,
• la chanson interprétée sans texte,
• le dépassement du ploum-ploum-voix par la chorégraphie populaire, etc.

Il pourrait y avoir de la pose dans cette démarche si elle était posture. En réalité, le mec, un des plus grands auteurs-compositeurs-chanteurs que le grand public ignore, est entré dans une démarche artistique qui revendique de penser la chanson comme un art et non comme le seul résultat d’un savoir-manigancer. Son nouveau disque physique de sept titres, destiné à expliquer ce qu’il fait hic et nunc, fixe ce moment en musiquant la « Java pour elle » joliment mise en ondes par Stéphane Leca pour le Rustik Studio, triplant Jean Dubois entre

• piano,
• guitare et
• harmonica…

… et sans paroles. Commencer par une chanson désormais détextualisée est évidemment une déclaration d’indépendance plus qu’un hasard. « Comme par amour » et son piano tonique remettent l’église chansonnale au centre du village et rappellent quel inventeur de chansons est Jean Dubois. Chanson d’amour donc chanson la plus banale du monde, « Comme par amour », avec piano et harmonica (on attend le ruine-babines pour une prochaine version !) claque par

• son énergie tendue, en friction avec la chanson sentimentale,
• son usage de l’itération tonifiante et
• sa façon de rappeler le glissement des sentiments et du dit, évoqué naguère par « Faut qu’j’te voie ».

Le chromatisme des instrus, évoquant cette lisière délicieusement ambiguë entre

• tendresse,
• appétence et
• bascule dans cette autre chose qui attire tous les émus

ne gâche rien, évidemment.

• Danse,
• chanson,
• amour :

on est bien entre mazurkas et vaudeville, ainsi que l’a promis le titre. Pour preuve, après le vaudeville,survient  « La mazurka du rock » qui zouke entre

• mélodie décidée,
• rythme pianistique et
• guitare percussive puis complémentaire.

Pour autant, si Jean Dubois cherche de nouvelles formes d’expression, c’est aussi pour continuer de défricher son champ sans nous resservir cent fois le même légume. Parmi les parcelles constitutives de son domaine, l’évocation de la capitale est l’un des terrains les plus fructueux pour son inspiration. « Paris la ville » oscille entre

• narration en pointillés  façon « Les cabarets »,
• mélodie efficacement rengaine,
• modulations canailles accompagnant l’errance géographique et diachronique.

« Fais ce que tu veux » renoue avec la forme de la chanson instrumentalisée. Ce tango inconstant s’orne ici

• d’une basse perspicace,
• d’une langueur à la bonne heure, et
• d’une guitare qui rythme avec art.

Un échantillon de « Viens danser la mazurka », obligatoire vu le titre du disque, inscrit cette présentation dans le travail en cours du chanteur en le reliant à un répertoire qui se tisse au long des ans, avec accelerando tonifiant et coda harmonicaïste habile pour prolonger cette miniature.
Le disque se conclut avec « Le problème il est là », chanson à l’évidence en attente de paroles susceptibles de convaincre assez le chanteur pour le convaincre de les graver. C’est la fécondité de cette tension entre

• l’auteur,
• le compositeur et
• l’interprète

qui se raconte ici.

• Faux play-back,
• vraie question,
• étrange réponse :

tel est le mystère d’un chanteur que nous tenons dans la plus haute estime pour

• son hénaurme talent,
• sa probité artistique et
• son désir perpétuel de transcender
  • ses qualités,
  • son métier et
  • son intuition.

Rare et stimulant. Vivement la suite !

À tous ceux qui viennent régulièrement, sporadiquement ou par erreur, merci de votre visite, voire de vos visites.
Aux artistes ou à leurs émissaires qui m’évoquent leur travail pour que j’en dise le plus grand mal, c’est le genre de la maison, merci aussi : je m’en occupe incessamment.
Le blog s’interrompt pour quelques jours. Votre impatience réjouit, car elle a bien raison : de nouvelles découvertes stimulantes attendent en trépignant ceux qui nous feront l’amitié de feuilleter les présentes pages digitales.
D’ici les prochains balabalas, joyeux Noël aux joyeux, bonne année aux bons, et hauts les cœurs à ceux qui en ont un dans leur carcasse et leur esprit.

Réenchanter Noël ? À une époque où « les fêtes » ont remplacé la Nativité dans une novlangue assez curieuse, le projet n’est peut-être pas aussi benêt qu’il le semble.
Pour cela, la paroisse Saint-André de l’Europe, dont je suis l’organiste, invite croyants fervents et agnostiques de passage à monter dans une fusée à trois étages.
À 15 h 30, ceux qui sont curieux de découvrir un orgue en vrai sont invités (dans la limite de cinquante participants) à monter à la tribune où j’aurai la grande joie de leur raconter, avec la voix, les mains et les pieds, quelques histoires autour de l’instrument.
À 16 h, nous dégainons notre spéciale avec un concert bi-goût unique en son genre. Des chants de Noël (en dialecte lorrain, en latin, en américain, en castillan et même en français) que les spectateurs volontaires seront invités à reprendre en chœur alterneront avec des morceaux de saison interprétés à l’orgue, mêlant stars du classique et mythes du cinéma d’animation.
À 17 h, les survivants du concert seront conviés à partager chocolat chaud et petits biscuits en compagnie des artistes.
Outre moi (ce qui, déjà, n’est pas rien, je trouve), qui mènerai la visite et serai chargé de gling-glinguer, deux personnalités d’exception seront aux manettes du concert. Esther Assuied, multilauréate du CNSM de Paris, propulsera un programme conçu sur mesure pour la circonstance et pour l’orgue qu’elle jouera dix ans après l’avoir découvert. Jann Halexander, face public, fera ce qu’il sait faire : ce « mouton noir de la chanson française », comme il assume d’être désigné, chantera, fera chanter ceux qui veulent et distribuera la joie de vibrer ensemble à chacun.
Ce réenchantement de Noël, à notre aune, est gratuit. On peut entrer sans payer, partir sans payer, boire du chocolat et grignoter des p’tits gâteaux sans payer. On pourra aussi, selon ses moyens et son désir, laisser des liasses de billets, des bitcoins et des ronds de carotte. La fête est libre, mais c’est la fête.
Joyeux Noël à tous.

Rendez-vous le mercredi 24 décembre à 15 h 30 au 24 bis, rue de Saint-Pétersbourg | Paris 8.

À l’occasion de  son concert lançant son premier disque pour un nouveau label classieux, Vittorio Forte a décidé de finir en envoyant du boudin. Premier au revoir, Adiós Nonino d’Astor Piazzolla propose la quintessence de l’esprit argentin : chagrin de perdre l’ancêtre et exil loin de la patrie s’associent pour se cristalliser dans une œuvre phare. Jamais las de son programme, le pianiste exploite et partage avec une exigence musicale saisissante le plaisir

• de la mélodie,
• des embardées,
• de la virtuosité tranquille, et
• de la topique schizophrénie argentine, qui rejoint peut-être l’âme d’un Italien désormais méchamment français, entre recherche de sérénité et culture du déchirement.

La profondeur des basses du Fazioli de service ajoute ce qu’il faut de gravité pour donner à pressentir la puissance du propos, par-delà le narratif mettant en scène la musique. Le récital s’achève officiellement sur « Volver », de Carlos Gardel, compositeur qui ouvrait le concert comme il décapsulait le disque. La structure de l’arrangement fortiste se refuse à tout mystère, et il a bien raison.

• Le prélude brillant est bref,
• le thème est clairement exposé,
• des mains virevoltantes enrichissent bientôt la mélodie fondamentale.

Finale oblige, Vittorio Forte lâche les grands chevaux de sa transcription avec, au programme,

• virtuosité énergisante,
• clarté de l’étagement des voix, ainsi que
• distribution des différentes
  • intensités,
  • couleurs et
  • intentions.

Se quitter sur ce tube argentin eût été coquin. Évidemment, Vittorio Forte évite la facétie et dégaine « Malvaloca » du compositeur colombien Antonio Calvo. Le morceau n’évoque pas « une fille volage » (hélas), précise l’interprète, mais une nana qui a envie de voler. La transcription de la chanson permet d’apprécier

• l’absence de falbalas superfétatoires,
• les contrastes entre refrain et couplet, ainsi que
• l’efficacité du groove de la basse.

Happé par son public, Vittorio Forte concède en sus une danse d’Ernesto Lecuona qui brille par

• son swing méchamment balancé,
• le bondissement ébouriffant
  • des attaques,
  • des octaves et
  • des accents, et
• l’incroyable légèreté de la main gauche précédant le fabuleux decrescendo final.

Foin de gnagnagnas, le gars gagne sur tous les tableaux.

• Aisance technique,
• épaisseur du répertoire,
• science de la musicalité,

aucun doute : Vittorio Forte est définitivement someone else. Son concert au Lavoir moderne parisien confirme un statut à part qui devrait le conduire à ne pas se produire très souvent dans ce lieu pourtant très agréable !

Dix-neuvième épisode du disque, la seconde composition intitulée « Couleur des jours » cherche  sa voie sur les traditionnelles trois notes de basse chères au créateur. Denis Levaillant utilise

• l’attente,
• le jaillissement et
• la circonvolution

pour attiser la curiosité. « De la nuit au jour », qui répond à « Du jour à la nuit » croisé vers la fin du premier volume des Chansons pour piano, demeure tanqué sur les trois notes au-dessus desquelles le propos s’égrène en octaves éphémères. Nicolas Horvath s’en donne à cœur joie pour tisser un réseau sonore parcourant

• registres,
• propositions harmoniques et
• suspensions.

Le recueil se termine sur quatre morceaux de musique d’ambiance. Le premier est la plus longue piste du recueil.

• Accords énigmatiques,
• résonance atmosphérique,
• basse sporadique,
• itérations potentiellement hypnotisantes,
• suraigus éthériques,

laissent entendre la maîtrise du pianiste quant

• au sustain,
• au son et
• au silence.

Tout se passe comme si l’œuvre était moins une partition qu’une sculpture en train de prendre forme en direct, comme en témoignent les bruits de mécanique pianistique, particulièrement bienvenus pour donner de la granularité au propos. Le deuxième morceau de musique d’ambiance travaille

• les intervalles arpégés,
• les effets d’attente et
• la richesse de la tessiture propre au piano.

Énergique, le troisième morceau de musique d’ambiance, plus brève piste des vingt-quatre au programme du disque, explore

• l’efficience de la digitalité, et hop,
• le plaisir du repos après l’urgence, et
• la complémentarité entre fulgurance et suspension.

L’ultime morceau de musique d’ambiance, habilement approfondi par l’interprète, joue sur

• la caractérisation des registres,
• les effets d’attente et
• l’onirisme propre au suraigu.

Une manière d’envoler l’auditeur au terme d’un voyage méditatif dont la poésie, refusant l’extraversion fffatigante, est profondément ancrée dans une intériorité singulière qui, par-delà la diversité de ses expressions, fait le charme du travail prolifique de Denis Levaillant.

Pour écouter le disque gracieusement, c’est ici.
Pour l’acheter courageusement, contre 15 € port compris, c’est là.