Au-dessus de Vittorio Forte ? Rien. Ou presque. Photographie de Rozenn Douerin, le 17 novembre 2025 au Lavoir moderne parisien (Paris 18).
Dans un concert latino, quelques noms permettent aux spectateurs de faire les malins. Guastavino, non. Ponce ou Leng, non. Lecuona, non plus. Mais Vilialobosse, ça, oui, on connaît. Pourtant, de Heitor Villa-Lobos, Vittorio Forte ne choisit pas les monuments – non que le gars fuie, pas son genre, puisqu’il est capable de tout jouer avec art, mais bien que le musicien
furète,
interroge,
inspecte.
Au programme, il inscrit donc deux œuvres peu connues de HVL, à commencer par les « Impressões sereisteras » qui déploient une tension saisissante entre
pulsion virtuose et mélancolie du thème,
envie de déborder le ternaire et pudeur empêchant de le faire franchement,
accès de démesure et camisole du retour à une contenance de bon aloi.
Ici, et peut-être était-ce l’âme brésilienne d’alors,
nulle contradiction,
nulle complémentarité,
nulle cohabitation :
juste deux mondes en un, suggère l’interprète. Chacun se dissout dans l’autre, qui se dissout dans l’un. À l’écrit, ça fait perché, j’y consens ; en live, c’est redoutablement efficace et poignant.
Avec « Valsa da dor », Vittorio Forte dégaine un Villa-Lobos tout aussi saisissant. Derrière le titre programmatique, la musique gratte. Il y a
de l’hésitation,
du tourment et
de l’instabilité
que l’apaisement médicamenteux peine à endiguer. HVL évoque une douleur non pas lancinante mais contrastée, polymorphe, puis contradictoire :
prenante mais domestiquée,
haletante mais familière,
détestable mais caractéristique de l’humain qui souffre.
L’interprétation est
puissante
pensée voire
spéculaire
pour le spectateur qui ne peut qu’être frappé (aïe) par la puissance évocatrice de la musique telle que l’exécute le pianiste. Lequel convoque le Cubain Ernesto Lecuona y Casado pour deux autres partitions. D’abord « La conga de media noche », très gottschwalkienne et sciemment propulsée par l’artiste pour son feeling rag qui tranche après la douleur brésilienne.
L’énergie,
l’harmonisation et
ces octaves aigus qui pétarardent,
mon Dieu, après une journée médiocre, ça fait sa mère du bien. « La comparsa » creuse ce plaisir du pomme-pet-deupe, comme on dit en musicologie, je crois, en profitant du groove fortistique mix’n’matchant
une main gauche pulsante et respirante,
une main droite alliant rigueur et nuances, et
une musicalité associant simplicité apparente et efficacité immédiate.
De quoi préparer l’auditeur au finale que nous évoquerons dans une prochaine notule. À suivre !
Le second volume des chansons pour piano de Denis Levaillant s’ouvre sur « Le jardin du sanglier ». Pourtant, rien de pataud dans l’énoncé.
Des déséquilibres à contretemps,
des mordants plus énergiques que puissants,
des itérations finement habillées dans des changements de registres fonctionnant comme des harmoniques,
des arpèges prolongés par la magie du sustain…
En somme, une pièce habile au titre sciemment mystérieux. La « ballade de la poupée » joue
la tranquillité attendue,
le minimalisme enfantin et
le calme bienfaisant
sans se priver
du plaisir de la modulation inattendue,
de la dissonance qui va bien ni
de la suspension qui crée la narration.
Alors que l’on regrette un tantinet le fade-out trop artificiel quand nous eussions aimé, dans notre splendide magnanimité, une extinction du son plus naturelle, « Couleur des jours n°1 » entreprend de chercher un sens dans l’égrenage de trois notes de basse envolées par les octaves de la main droite. Il y a
de l’attente,
du recueillement, et
du possible qui se cherche sans oser s’assumer.
Denis Levaillant et son interprète animent la page musicale par des fluctuations
de tempo,
d’intensité et
de registre
qui dessinent une interrogation sinon hypnotisante, du moins intrigante.
« L’Errance » explore les liens entre médium et suraigu.
Hésitation,
contretemps et
figements provisoires
se révèlent moins sinueux que rythmés par l’énoncé ternaire des basses et l’oscillation de la main droite avant son immobilisation à la double barre. « Who knows? », toujours fondée sur le trinôme de la senestre, associe
simplicité du dire,
épure du commentaire,
ressassement des motifs et
question du sens, consubstantielle au titre.
Pour son troisième réemploi, « Attendre, dit-elle » explore un maelström de douceurs amères tels que
la dentelle de la brièveté,
la fascination inutile de l’octaviation,
le plaisir bizarre de la fêlure,
l’intensité relative de la rhapsodie bien tempérée et
la déceptivité heureuse des fausses fins.
De quoi animer la curiosité pour la dernière partie et du second volume et du disque.
Pour écouter le disque gracieusement, c’est ici.
Pour l’acheter courageusement, contre 15 € port compris, c’est là.
Pour lancer son disque à la face du monde surtout parisien, Vittorio Forte a eu les bullocks de sélectionner Manuel Marìa Ponce via sa première rhapsodie mexicaine. Le prélude est carrément lisztien :
gravité bien valorisée par le piano finalement in situ,
octaves spectaculaires,
parcours du clavier de gauche à droite et vice et versa.
Le thème s’énonce sur un fugato vite abandonné, ce qui valorise subtilement la suite. Il y a
de la tonicité dans les deux mains,
de la science dans les nuances subreptices et
de l’érotisme dans l’art de retenir la phrase juste ce qu’il faut pour allumer le désir.
Le projet rhapsodique permet au compositeur de concaténer doucettement des thèmes. Il
privilégie heureusement la discontinuité plutôt que le tuilage,
favorise la surprise sans gommer le plaisir du refrain, et
rhabille le segment matriciel d’oripeaux renouvelés, qu’ils soient
harmoniques,
stylistiques ou
rythmiques.
La virtuosité délirante, exigée par le compositeur et délivrée par l’interprète, libère un temps l’auditeur de la pesanteur du monde tant, comme sa concurrente, elle paraît naturelle grâce
à l’aisance,
au naturel et
à la simplicité
del signor Vittorio Forte. Lequel pokérise son propos en lâchant les cinq Doloras d’Alfonso Leng, dentiste-compositeur. Clairement, on est au centre du programme. Le pianiste a décidé de dire que le brio pour le brio n’était pas sa tasse de verveine. La première douleur est paisible puis cherche à se rebeller jusqu’à la tierce picarde finale. La deuxième douleur est lancinante et semble titiller l’auditeur pour lui dire que, grâce à elle, il a conscience d’être au monde. À la troisième douleur,
retenue,
lente et
têtue,
s’oppose la quatrième,
bouillonnant à l’intérieur,
cherchant à exploser,
prête à déflagrer
mais n’osant finalement pas s’exposer au grand jour. En regard, l’ultime douleur paraît presque
légère,
méditative, comme
libérée d’un paraître.
À croire que la musique, subrepticement et le temps d’une illusion, nous aidait à apprivoiser telle ou telle douleur plus psy que phy… Grâce à Vittorio Forte, on veut bien se laisser bercer par cette illusion jusqu’au prochain ploum-ploum célébrant la publication de son disque !
Le huitième volume de l’œuvre pour piano de Denis Levaillant, dont nous avons esgourdé l’incipitce tout tantôt, s’inscrit dans une geste annoncée en dix épisodes.
Les deux premiers volumes exposaient les « mouvements » et « portraits » dessinés en 1980 ;
les deux suivants captaient « préludes baroques » (aux partitions inédites) et « études africaines » créés en 1990 ;
enquillaient les deux volumes d’images-études et les pièces pour deux à quatre « petites mains » ;
pour conclure l’ample cycle, s’enchaînaient
le « cahier d’inventions » (inédit) glanées entre 2010 et 2025,
les « études minimalistes » de 2024 et
des miscellanées mêlant hommages, arrangements et pièces brillantes.
Les « chansons simples » du premier volume alternent
de « petits rien-du-tout »,
d’évocateurs « chants d’amour » et
une curiosité à laquelle nous allons venir dans quelques lignes.
Le deuxième « Petit rien du tout » joue la carte
des pointillés en clair-obscur,
de l’hésitation itérative et
de l’esquisse aspirée par les aigus,
ce qui permet à Nicolas Horvath de caractériser finement les registres, entre
la basse solide qui ponctue les différents segments,
les accords qui animent parfois le médium, et
le haut de la tessiture qui permet d’envoler la partition jusqu’à l’effacer dans l’ineffable.
Le troisième « Attendre, dit-elle » égrène des chapelets de note qui se balancent, plus glassiens que satistes, et hop. Compositeur et interprète jouent sur
l’équilibre et le petit sursaut,
le régulier et les surprises harmoniques,
l’évident et le mystérieux.
Le dixième « Chant d’amour » propose un duo entre mélodie et ligne de basse ajourée. Dans cette miniature, il y a
de la méditation,
de la nostalgie et
une atmosphère rêveuse au sépia assumé
que la retenue sans chichi de l’interprète rend fort gouleyante pour les oreilles, long point d’orgue inclus. Le quatrième « Petit rien-du-tout » travaille le dialogue très levaillantique entre une main droite élégiaque – voire lyrique, ici – et une main gauche déclinant posément une harmonie inventive. Nicolas Horvath en déploie la tension entre
rigueur et liberté,
sérénité des graves et plaisir des arabesques,
immuabilité de l’énoncé des basses versus capacité de la main droite à folâtrer presque gaiement.
La surprise annoncée s’appelle « Du jour à la nuit » et s’apprécie avec une bonne dose de sustain. Elle part sur une marche descendante vite interrompue qui devient le moteur de la pièce.
Trouvailles harmoniques,
jubilation du contretemps,
mix’n’match associant
notes,
résonance et
silences
animent le onzième épisode du premier volume des Piano songs, qui se termine sur le troisième « petit rien-du-tout ».
Frictions harmoniques,
accords répétés,
douceur épicée par
des collages harmoniques,
des suspensions narratives et
une complémentarité entre allant du tempo et utilisation longue du son associant
attaque,
vibration et
dissolution
nette,
progressive ou
liée au surgissement d’une autre note.
Une belle fin de cycle qui conclut sobrement ce premier ensemble de douze mélodies. Nous découvrirons bientôt le début du second volume. À suivre !
Pour écouter le disque gracieusement, c’est ici.
Pour l’acheter courageusement, contre 15 € port compris, c’est là.
Vittorio Forte le 17 novembre 2025 au Lavoir moderne parisien (Paris 18). Photo : Rozenn Douerin malgré la panne du vrai appareil photo.
En choisissant le Lavoir moderne parisien pour son « concert de sortie de disque », Vittorio Forte et son label ont opté pour un décor presque indus dissonant comme le programme fomenté par Vittorio Forte est dissonant. Dans le monde feutré de la musique savante pianistique, oser inventer un disque latino avec si peu de grandes stars de la catégorie dans la manche (Villa-Lobos, Piazzolla et, pour les plus populaires, Gardel cautionnent certes l’expérience) pour un premier opus chez Mirare ne manque pas de toupet non plus. Le Lavoir moderne parisien, nous ne nous y étions glissé qu’une fois, pour le concert lançant le deuxième disque de Michèle Atlani, chanteuse atypique dont certaines fredonneries nous hantent encore joyeusement. Il y a donc de l’envie
de friction,
de singularité et
d’audace
dans cette manière de glisser du piano très savant dans un espace pas forcément conçu pour lui, comme l’ont vérifié les déménageurs de clavier avant le concert. En quelques mots, Vittorio Forte promet
de la mélancolie violente,
de la nostalgie réactive et
de la passion contradictoire.
Ça nous va. « Por una cabeza » de Carlos Gardel prend de l’ampleur sous les doigts vivants de Vittorio Forte, artiste qui allie sans chichiteries
extrême sensibilité,
technique superlative,
musicalité éclairante et
humble sobriété,
à vous faire croire qu’il ne fait rien d’exceptionnel en se donnant en concert, le gourgandin. Dans ce tube schindlérien par lui recréé, il joue, oui, il joue même sacrément, mais il laisse place à
la respiration,
l’attente,
la résonance.
En sus, il y a
des doigts,
de la clarté dans l’étagement des voix, et
de la caractérisation dans l’évocation de la versatilité de l’âme humaine.
Dans « Las niñas » de Carlos Guastavino, l’interprète habite les tranquillités
du tempo,
de la mélodie et
de la narration
puis l’intranquillité
des traits,
des accents et
des breaks à suspense.
On est saisi par
un brio sans affectation,
une variété d’intensités exempte de show-off, et
une fluidité du geste qui libère les possibles d’une œuvre.
Avec « Ballecito » du même compositeur, Vittorio Forte feint de revenir au calme, le roublard. Aussi laisse-t-il impunément
scintiller les différenciations de registre,
résonner les contrastes discrets, et
se dévoiler la relativité de la mesure.
On croirait que la vraie vie en mieux est possible. À suivre pour vérifier si.
Déjà le huitième volume d’œuvres pour piano de Denis Levaillant, et sans doute le meilleur puisque le livret abrite une photo de Bertrand Ferrier en personne, tirée d’une soirée mémorable à la Philharmonie de Paris. Il eût bien sûr été plus élégant voire juridiquement indispensable de demander l’autorisation d’utiliser cette image avant de la publier, mais l’élégance est devenue rare de nos jours, et le prix des avocats rassure les petits rapineurs sans vergogne quant à l’impossibilité de les châtier ainsi qu’ils devraient l’être. Puis le crédit a été mentionné, et le compositeur a pris la peine de nous envoyer un exemplaire de cet enregistrement copieux (70′) signé Nicolas Horvath, artiste que les lecteurs occasionnels du présent site connaissent presque bien – chroniques horvathologiques à retrouver ici. Alors, ne nous formalisons pas avec trop de formalisme, d’autres ronchonchonneries nous attendant sans doute au tournant.
Divisé en deux volumes de douze titres chacun, pesant entre 1’30 et 4’45 pièce, le disque se présente comme un « recueil de mélodies et de morceaux simples pour le piano », chaque miniature étant présentée comme une « chanson », à commencer par « Un petit rien-du-tout ».
Arpèges suspendus,
itération nuancée et
résonance patiente
habillent le dialogue entre musique et silence. Une seconde partie plus glassienne réinvestit la structure arpégée en lui ajoutant une main droite motorique qui s’autorise des échappatoires vers des aigus inspirants. « Chant d’amour n°2 » installe une mélodie fragmentée sur des intervalles qui semblent sonder un sentiment balançant entre fragilité et désir.
Les ruptures,
les variations,
l’utilisation habile de la pédale de sustain, et
la large palette de registres
installent une atmosphère propice à la suggestion proposée par le titre, jusqu’à l’inachèvement pourtant final.
« Attendre, dit-elle n°1 » se présente comme
une ballade ternaire,
une gymnopédie suspendue,
une question généreusement pourvue de sustains plus méditatifs qu’hésitants.
Tout se passe comme si Denis Levaillant cherchait à rendre perceptible ce temps que nous ne cessons de vouloir accélérer et que Nicolas Horvath prend en le phrasant habilement. « Chant d’amour n°3 » hésite entre
la sérénité et le déséquilibre,
la permanence et la futilité du trait,
le déjà-écrit et le faussement improvisé.
Un hommage aux belles amours, en somme.
« Attendre, dit-elle n°2 » scrute davantage
la répétition façon cent pas perdus,
la difficulté de s’extraire d’une posture d’observation revendiquant la fixité tout en luttant contre elle,
l’insolubilité des questionnements et des espérances mimée par les brisures du discours.
« Chant d’amour n°4 » assume sa fragilité. Il
dit puis bégaye,
affirme puis modifie,
s’attarde puis s’emporte,
opposant pièces simples à jouer en dépit d’arpèges alla Romain Didier et pièces faciles à décrypter, l’ambiguïté étant un charme essentiel pour toute musique dotée d’un titre programmatique.
Ainsi commence à se révéler une musique
délicate,
intérieure,
soucieuse de transmuter le fugace en point d’orgue.
À suivre !
Pour écouter le disque gracieusement, c’est ici.
Pour l’acheter courageusement, contre 15 € port compris (sans royalties pour le photographe intérieur), c’est là.
Plutôt qu’en yaourt yankee, certains persistent à chanter en latin et en grec. Pourquoi et comment ? L’inspecteur Pascal Bezard, maître de chapelle, chantre et chef de chœur a enquêté. Après moult péripéties, il nous livre le résultat de son enquête rigoureuse et nous propose de perpétuer cette curieuse tradition. Chrétiens, agnostiques, grandes voix et petits gosiers sont invités à cette (re)découverte en ce samedi. Comme l’aurait fredonné Ricet Barrier, chanter en grec et en latin,
c’est un luxe gratuit,
y en a plein dans la vie,
je me demande pourquoi
les gens n’en profitent pas…
Rendez-vous à 10 h 30 au 24 bis, rue de Saint-Pétersbourg pour la première des trois sessions de l’année, centrée sur le répertoire de l’Avent et de la Nativité. Formation gratuite, pas de récupération de 06 à la sortie pour harceler les non-paroissiens jusqu’à ce qu’ils entrent dans la ronde et versent le Denier du culte. Juste le plaisir de découvrir ou d’approfondir une culture stimulante et, faut quand même le dire, aussi hyper mystérieuse qu’un vieux perdu dans un village.
Présentation et livret de la session disponibles en cliquant sur Chanter le grégorien – Livret.
Ce 12 décembre, vous serez les bienvenus sur la goélette joyeuse et méditative qui cingle vers Noël et vous invite au triple voyage musical !
Voyage dans le temps, mêlant les époques pour laisser sonner les différents langages harmoniques
préparant la venue du Seigneur,
louant sa Création ou
méditant sa Parole.
Voyage dans les sensibilités car mots, notes et harmonies s’interpolent, se questionnent, se défient et se réconcilient dans la résonance que leur réservent l’église de Saint-André de l’Europe et le cœur de chacun.
Voyage dans
nos propres histoires,
notre propre perception de Noël,
nos propres émotions de fin d’année que tentent de faire vibrer les œuvres ici réunies
en solos,
duos et
trio.
Plutôt qu’un parcours chronologique et monochrome,
la soprano Jennifer Young,
le hautboïste Antoine Baudouin et
moi-même-en-personne,
soit les trois musiciens-mixologues qui sévissent ce soir, avons souhaité assembler dans un grand shaker artistique
pièces chantées ou instrumentales,
répertoire canonique et création contemporaine,
musique écrite et improvisée.
Avant le début des festivités, ils invitent chaque spectateur à secouer la tête pour faire tomber le bruit du monde qui encombre nos conduits auditifs. Ainsi, le temps d’un concert, quels que soient
votre foi,
vos compositeurs d’élection et
votre état d’esprit du soir,
vous pourrez voguer sur les flots épiques que, toute époque confondue, compositeurs et interprètes ont fendus afin d’évoquer la plus folle espérance des petits êtres à deux pattes et deux bras qui s’agitent sur l’orange bleue :
la venue,
la présence et
le retour
d’un dieu ayant choisi de s’incarner parmi eux. La traversée dure environ 1 h 10. Elle est gratuite. L’entrée est libre, la sortie aussi. Néanmoins, si certains ont la possibilité de laisser dans les corbeilles prévues à cet effet qui une liasse de billets de 200 €, qui quelques ronds de carotte, cela nous permettra de
financer
les affiches,
les programmes et
les frais de SACEM,
saluer la paroisse qui nous accueille et, soyons foufous,
gratifier les musiciens invités.
Si, au contraire,
vous êtes légers d’argent,
venus sans picaillon ou
hostiles à l’idée de soutenir
troubadours,
diseurs de bonne aventure et autres
femmes à deux têtes,
vous êtes aussi les bienvenus, car nous serons heureux d’accueillir tous ceux qui auront affronté le blizzard du décembre parisien pour venir, osé ne pas « rester chez chez » malgré les conseils longtemps proférés par tant de farceurs, et d’renoncé à la tentation de notre pire concurrent, aisément déclinable : le trio chocolat chaud – plaid – petit film de Noël chéri. Bon concert !
II. La set-list
Johann Sebastian Bach (1685-1750) : « Quia respexit » extrait du Magnificat | en trio
Claude Balbastre (1724-1799) : « À la venue de Noël », extrait du Premier livre de noëls | orgue
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) + William Blake (1757-1827) : « Infant Joy », extrait des Ten Blake Songs | soprano + hautbois
Georg Philipp Telemann (1681-1767) : « Grave » et « Allegro » extraits du concerto en Ut mineur | hautbois + orgue
Benjamin Britten (1913-1976) : « Niobe », extrait des Six Metamorphoses after Ovid | hautbois
Johann Sebastian Bach : « Nur ein Wink von seinen Händen », extrait du Weinachtsoratorium | en trio
Ralph Vaughan Williams + William Blake : « The Lamb », extrait des Ten Blake Songs | soprano + hautbois
Jean Langlais (1907-1991) | Cinq extraits des Pièces pour trompette et piano | hautbois + orgue, hé oui
Jennifer Young (née en 1978) | « Pergolesi variations » | soprano
Claude Balbastre : « Quand Jésus naquit à Noël », extrait du Premier livre des noëls | soprano
Hugo Wolf (1860-1903) : « Führ mich Kind nach Bethlehem » | en trio
Benjamin Britten : « Pan », extrait des Six Metamorphoses after Ovid | hautbois
Traditionnel + Jennifer Young (harmonisation) + Bertrand Ferrier (improvisations) : « Veni Emmanuel », création | en trio
Pour le bis, voyons le moment venu si quelqu’un n’en veut.
Paroles et traduction des airs à découvrir in situ.
Rendez-vous vendredi 12 décembre, 20 h
Église Saint-André de l’Europe | 24 bis, rue de Saint-Pétersbourg | Paris 8
Entrée libre, sortie aussi, mais concert bien quand même
Gérald Genty au PIC (Val-de-Marne), le 18 octobre 2025. Photo : Rozenn Douerin.
La seconde partie du concert de Gérald Genty au forum Léo Ferré (le lieu qu’il s’appelle pucomeça mais que tout le monde il continue de l’appeler de la sorte, un peu comme Bercy versus Nanani Nanana Arena), s’ouvre sur la problématique ultracommerciale de la vente de la peau de l’ours (avec ou sans l’appeau). Fin marketteur, le chanteur déconseille de pratiquer cet exercice par temps de canicule et suggère de se simplifier l’existence en laissant vivre l’ours – ce qui, on l’admettra, clôt assez fermement le débat.
Un joli duo entre gratte et ploum-ploum fait circuler la chanson sur scène avant l’arrivée d’une chanson majeure de l’artiste, éloge des « fa dièses » qui retombent sur le sol… bémol. Entre tube pop (feat. une boîte à rythme) et suicide musical, cette « chanson triste » et normande déploie une mélancolie astucieuse, que l’humour solfégique allège et irise délicatement puisqu’il s’agit de tomber des fa dièses d’Étretat pour retomber sur le sol (bé)mol. Chut !
Désormais familier de ses spectateurs, Gérald Genty n’a plus besoin de terminer ses phrases. Aussi admet-il apprécier le camping-car (notamment sa cuisine fonctionnelle où, quand on ouvre un tiroir et qu’on n’est pas nul, on a découvert), même s’il préfère le camping car. Nomade de nature, il aime manger des pâtes devant des huitres ou des huitres devant des (ça marche moins bien si on lance hauts les ronds avec sa marraine, bien sûr). Libre comme Max, il finit sa chanson dans une ambiance à la Daft Punk acoustique, et ça fonctionne.
La fredonnerie suivante a aussi un goût d’inachevé puisqu’elle conte l’histoire d’un chanteur qui prend la poussière sur son piano depuis qu’il est mort en attendant d’être des fourchettes. Voilà, découvert. Derrière l’humour, la mort et l’échec flottent toujours, qui justifient la musique, cage de Faraday provisoire contre l’inéluctable.
Julien Carton au PIC (Val-de-Marne), le 18 octobre 2025. Photo : Rozenn Douerin.
Pour survivre, Gérald Genty dégaine ses mots qui claudiquent et ses stratégies pour passer l’épreuve du temps, quand il se sent un p’tit puzzle ou un p’tit peu seul, perdu dans le cycle de la vie. Planeur plus que planant, papa Gérald survole les genres et mélange avec un talent malin le style de chansons. Ce faisant il précipite le spectateur dans un vertige artistique qui saisit. Nous sommes Gérald quand, avec ses accords, il demande à son corps de résister encore (yo). Nous sommes lui quand il invite à marcher sur Mars puisque tout février fait vriller, vocoder assez étrange pour être intéressant à l’appui. Nous sommes lui quand il révèle l’instabilité des mots que nous avons appris à oublier.
Pourtant, malgré nous, constate-t-il en bis, sa carrière n’a pas décollé comme il l’eût espéré. Aussi, à la manière d’un Wally, se lance-t-il dans la chanson courte, narrant son rendez-vous raté avec un agent immobilier (« i’m’a oublié »), le moment drrrramtique où il plonge un habit de longue date dans un gouffre abyssal ou ses problèmes de fric quand il n’a plus assez pour réparer sa dent (« quelqu’un aurait implant ? »).
Emporté par la foudre, il raccourcit les chansons qui, elles, ont cartonné, bestofisant Michel Fugain (« fais comme l’oiseau, pan ») ou narrant la visite de Piaf chez l’ostéo (« tu me fais tourner la tête, crac »). Le voici bientôt proposant un pot-pourri de ses succès. Il visite Baccarat avec Rebecca, va faire du yoyo dans l’Ohio, propose de signer le cahier des spectateurs car il n’est pas très connu (pour l’instant), veut s’éloigner des paysans car ce sera dépaysant, et convoque distorsion et batterie play-back pour célébrer Picsou, le jazz et ceux qui sont plus rares que les Gérard. Puis il nous déconseille d’habiter en Vendée (« faut pas y aller, c’est nul ») : quand l’amour est desservi, il faut savoir vider les lieux, surtout quand ça n’a rien à voir avec la pêche. Comme quand on aime le son, l’affaire finit sur une balance, c’soir. Et la vedette de saluer son pianiste avant de rappeler qu’au chant, c’est un supermarché.
Gérald Genty au PIC (Val-de-Marne), le 18 octobre 2025. Photo : Rozenn Douerin.
Maîtrisé, fantasque, joyeux : Gérald Genty à son meilleur.
Pauline Klaus termine le passage en revue de ses obsessions avec la sixième sonate d’Eugène Ysaÿe et le « Grand caprice sur Le Roi des Aulnes » que Heinrich Wilhelm Ernst a soutiré à Franz Schubert.
La dernière sonate – en Mi – du cycle d’Eugène Ysaÿe se présente comme un « allegro giusto non troppo vivo » rythmé par des minimesures de deux croches. Comme souvent dans ces six soli (ce n’est pas une contrepèterie pour désigner Cécile aussi), le cadre formel explose presque aussitôt qu’il a été posé.
Anacrouses,
appogiatures,
accélérations permettant de placer 6, 10 ou 12 triples croches quand quatre auraient suffi,
mesures enjambées et
points d’orgue suspendant la logique rythmique
secouent une partition ouvertement virtuosissime. Les cinq sonates précédentes n’étaient pas tout à fait pensées pour les débutants, mais on sent qu’Eugène en avait encore gardé sous la pédale afin de laisser étinceler la pyrotechnie propre aux interprètes d’exception :
célérité,
science des doubles cordes,
maîtrise des suraigus,
sens du groove et néanmoins
capacité à laisser sonner ce magma de difficultés techniques comme une musique animée et fluide
sont exigés par la partition. Pauline Klaus déploie une assurance qui dépasse les topoi d’un morceau qui, à force de bravoure, assume de risquer de s’embourber dans l’œuvre de concours.
La variété de ses attaques,
son fabuleux instinct du phrasé en général et du legato onctueux en particulier,
sa sonorité qui sait si bien allier la beauté et la narrativité (ouais, je sais, c’est pas super clair mais, en gros, je voulais dire que le son est top et que, en même temps, il évolue pour raconter une histoire, et comme c’était trop long, j’ai trouvé un raccourci finalement encore plus long pour dire ça),
la riche palette de ses nuances, et
la justesse de ses respirations laissant le son se prolonger au-delà de la note puis créant le suspense nécessaire pour captiver l’écoute
saisissent. Entre
cavalcade ébouriffante,
calme provisoire,
glissades évocatrices,
sautes de registres furibondes,
changements de tempo et
oscillations vertigineuses entre binaire et ternaire,
la violoniste nous permet de saisir les deux bouts du plaisir d’écoute, qui en devient d’autant plus sapide : l’évidence du propos derrière son apparence déstructurée.
Sorte de longue cadence endiablée, la sonate s’articule cependant nettement en trois mouvements. Le deuxième, « allegretto poco scherzando », est une habanera paradoxale, à la fois joyeuse et intranquille, qui, sans répit,
se distend,
s’interrompt,
repart,
s’interroge et
se colore
de mordants,
de traits et
de pizzicati percutants.
Le dernier mouvement revient au tempo liminaire. Le violon prend feu,
repoussant les limites de sa tessiture,
électrisant doigts et archet,
multipliant saltos périlleux et vrilles improbables.
Le résultat est
éminemment spectaculaire,
intensément haletant,
résolument palpitant et
diaboliquement troussé.
Ne pouvant quitter ses auditeurs sur ce morceau brillant qu’enveloppe çà et là une lumière noire fort affriolante, Pauline Klaus leur offre un bis pas non plus piqué des hannetons (oui, c’est l’occasion de réemployer une expression qui prenait la poussière sur l’étagère des, eh bien, je dirais, des expressions). Le disque s’ouvrait sur une transcription ; il se conclut sur une paraphrase, genre brillant qui a connu son apogée au dix-neuvième siècle. Heinrich Wilhelm Ernst, qui jouait sur deux Stravidarius et, plus chic encore, ne jouait d’aucun d’entre eux lors des dernières années de sa vie de névralgique patenté, s’empare de la mélodie schubertienne consacrée au Roi des aulnes. Chacun le sait, ce monarque est un personnage fantastique hyperflippant.
La mélodie d’origine l’honorait en s’enroulant autour d’un poème de Johann Wolfgang von Goethe, qui raconte la chevauchée d’un père fuyant avec son garçon. Las, le Roi, présent dans
le brouillard,
les feuilles mortes et
la grisaille des saules,
comme Dieu – selon le livre des Rois, merveille des hasards ou des réalités scientifiques – se glisse non dans
des filles accueillantes ou, s’il s’obstine à faire sa tête de mule (autre expression qui s’empoussiérait, je le crains),
un kidnapping violent.
Quand le père arrive à destination, « in seinen Armen das Kind war tot » (dans ses bras, l’enfant était mort). Bref, l’ambiance promet d’être glaçante et lugubre à souhait. Reste à savoir comment celui qui maîtrisait tant le violon que l’alto va rendre ce récit dark au possible. La réponse est immédiate : en secouant le violon de l’interprète dans tous les sens. Au programme,
tempo de foufou,
séquences de doubles croches répétées,
mélanges d’archet et de pizzicati, et
texte injouable, comme le reconnaît le compositeur qui précise que « les notes qui forment le chant ne peuvent être rendues dans leur entière valeur telles qu’elles sont écrites ».
À moins d’être aussi adapté au monde civilisé qu’une valise sans poignée, nul ne peut être insensible
à la vigueur de l’archet,
à la clarté du lead, ou
au mélange parfait de rigueur métronomique et de légère agogique signifiante.
Un deuxième moment varie les plaisirs. Cette fois, la partition s’inscrit sur deux portées et trois plans :
le balancement du 12/8 noté 4/4 pour l’harmonisation et la pulsation,
une assise au médium qui complète
la mélodie jouée en harmoniques – des harmoniques, du reste, qu’il faut « faire bien vibrer sans pour autant altérer la mesure ».
Grâce à son aisance et à sa musicalité, Pauline Klaus excelle à faire oublier le pragmatisme technique pour n’exprimer que la dimension
aérienne,
insaisissable voire
onirique
de la section.
Le retour de la fureur,
l’inquiétant caractère guilleret du passage en Ut toujours rythmé par la galopade en cours,
l’expressivité des notes et intervalles répétées,
la tendresse maléfique des bariolages pianissimo en Mi bémol, et
la fureur du moment où le Roi arrache l’enfant
crépitent sous les doigts et l’archet de Pauline Klaus.
Une coda poignante,
trois dernières mesures désespérées,
deux accords sans appel pour annoncer que l’enfant est Delta Charlie Delta :
voilà comment se conclut un disque impressionnant et passionnant de bout en bout. La morale de l’histoire ? On attend avec hâte les prochaines confidences de la violoniste sur ses autres obsessions. Qu’elle ne se dérobe pas : il est évident qu’il y en a d’autres. Nous sachons. Vivement !
On peut acheter le disque ici, écouter gratuitement le disque là, et retrouver nos précédentes chroniques klaussologiques comme le grand entretien, le voyage géomusical du quatuor Lontano de 2021 (ici, çà et là) et la montagne magique du même ensemble mais pas que (ici, çà, là et re-là).
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