Le blog de Bertrand Ferrier, page 155

Trahi par beaucoup dans son fief, le festival Komm, Bach! finit de peaufiner ses dernières fusées partout où on l’invite. Faute de pouvoir enregistrer les ultimes concerts en l’église Saint-André de l’Europe, il se projette hors les murs grâce à la sympathie de titulaires et de curés ouverts à la beauté de l’orgue – et, le cyberconcert du 21 juin le démontrera, grâce aussi à la gnaque d’artistes inventifs.
C’était le cas ce samedi soir, où la manifestation s’est réfugiée, avec ses moyens artisanaux mais son cœur – au sens rodriguien – le plus hénaurme possible, sur un orgue grandiose et accueillant. Objectif : graver des tubes de Bach, ainsi que des improvisations, le tout sous les doigts tressautants de Vincent Crosnier, guilloumane devant l’Éternel et grand organiste devant quiconque a du goût.
Certes, sottise et pleutrerie sont bien de ce monde ; mais générosité et confiance existent encore, côté confrères et côté public. Les vrais le savent. Qu’ils en soient remerciés ; et puisse le cyberconcert du 21 juin nous donner raison à tous, hop-là !

Carrément heureux et carrément fier d’être conservé (j’ai pas fini) dans l’équipe qui entoure Jann Halexander : je ploum-ploumerai pour son nouveau tour de chant, issu de son nouveau disque. En conséquence, il me revient de prendre quelques notes à partir dudit disque – j’aime bien la sonorité du syntagme du dudit disque – afin de ne pas ploum-ploumer que n’importe quoi.
Étant nul en dictée musicale, entre autres, j’assume une remotivation sporadique du propos de l’artiste, d’autant que je sais que, quand il sera au comble de l’exaspération, lors des répétitions d’une série de concerts commençant le 12 juin, il lâchera, très zen :
– Alors, j’aime beaucoup, mais je ne suis pas sûr que ce soit tout à fait ça…
équivalent franco-gabonais du suisse :
– C’est spécial.

Huit nouveaux titres parus sur l’album 44 ou presque dépassent déjà les 1000 écoutes sur Spotify, après les livraisons 1 et 2. Les voici en tenue de concert.
Pour les apprécier dans leur version studio, c’est en streaming ou dans un écrin entre pimpant et coquet disponible ici.

1. À la brocante du cœur
(le 16 avril 2019, spectacle « Chansons amoureuses » à la Comédie Dalayrac, Paris 2)

2. La gare d’Arras
(le 9 mai 2013, Le Connétable, Paris 3)

3. Nanterre
(le 23 avril 2019, spectacle « Chansons géographiques » à la Comédie Dalayrac, Paris 2)

4. Les plages de fortune
(création le 2 septembre 2013, Le Connétable, Paris 3)

5. À mort
(le 7 mai 2019, spectacle « Chansons dans le miroir » à la Comédie Dalayrac, Paris 2)

6. KB
(création le 2 septembre 2013, Le Connétable, Paris 3)

7. Glotte sèche
(le 7 mai 2019, spectacle « Chansons dans le miroir à la Comédie Dalayrac)

8. Presque
À découvrir sur le disque disponible ici (c’est vachement bien pensé, quelque part).

Bien sûr, les organistes liturgiques sont très soucieux de la qualité des chiants – sur laquelle ils n’ont généralement aucune prise – et de l’articulation musicale d’une célébration – non plus. M’enfin, admettons-le : la partie présentée supra entre le refrain de Prière universelle et le célèbre chant de Greg est, le plus souvent, son sandwich préféré.
À la limite, sur un coup de dinguerie, il pourrait le photographier et le présenter sur son site, tant il le kiffe. Heureusement qu’il sait se tenir et s’en abstient !

– Sébastien, pourrais-tu cesser de m’envoyer tes demandes de correction une à une par courriel ? C’est pas super pratique et…
– Nan, mais c’est parce que je suis bien installé pour relire la dernière version de mon livre, et j’ai oublié mon crayon.
– D’accord, mais c’est pas super pratique pour intégrer tes…
– Tiens, je t’envoie une photo. Franchement, je suis pas bien, là ?
– Je compatis, moi, je suis devant mon ordi, mais pourrais-tu quand même cesser de…
– En tout cas, t’as fait un super travail de réécriture. Vraiment. Je trouve ça super. Sincèrement.
– Bon, tu peux continuer à m’envoyer tes demandes de correction une à une par courriel, je te dérange plus.
Y a pas à dire, l’auteur est meilleur en négo que le rewriter.

Les derniers préparatifs pour le cyberconcert du 21 juin se précipitent. En dépit, disons, de quelques facéties dans la coordination organisationnelle, voilà, disons ça, nous avons eu la chance d’accueillir Arthur Nicolas-Nauche à la tribune de Saint-André de l’Europe, jeune pépite marquée du sceau du Conservatoire national supérieur de musique et de danse (je ne l’ai jamais vu danser, mais lui travaille souvent avec des danseurs) de Paris.
Titulaire de l’orgue de Saint-Gabriel (Paris 20), il est venu enregistrer quelques perles pour le collier d’inédits promis aux curieux qui nous rejoindront sur la chaîne du festival Komm, Bach!, ce 21 juin dès la minuit sonnée. Selon la terminologie musicologique communément admise, ça va le faire grave… en dépit, disons, de, etc.

L’histoire ne s’est pas vraiment arrêtée. Jamais. Malgré Pharaon Ier de la Pensée complexe et la Pharmacienne de C8. Dès qu’il y a eu un interstice pour chanter, pas même une fenêtre, à peine une meurtrière, Jann Halexander a chanté et, bien sûr, je l’ai accompagné. Quand plus d’interstices, Jann en a profité pour enregistrer un disque concentré sur sept chansons intitulé Consolatio. Quand toujours pas d’interstices, il a pris le chemin des concerts sauvages ; j’étais dans ses bagages. À présent qu’une fenêtre de tir s’ouvre, il tente de se consoler de ce temps passé loin des fans et des curieux.
Ce samedi 12 juin, il donnera la première représentation de son nouveau tour de chant, qui fait la part belle aux nouvelles chansons et aux raretés de son répertoire… notamment. Soucieux d’ouvrir son univers, il invite pour une chanson le protéiforme Michael Bond, avec lequel il s’est produit tantôt pour un one-shot. Le reste ? Chansons avec du texte, de la musique, des sautes d’humeur et d’humour, des vibrations à partager avec ce zozo aussi énigmatique qu’accessible, ce même hurluberlu qui traîne ses guêtres sur les scènes francophones depuis, pfffiou, dix-huit ans, le bel âge.
Pour ma part, hâte de refaire ploum-ploum pour ce nouveau défi et de retrouver un public masqué associant connaisseurs experts et p’tits nouveaux intrigués. L’ambiance des concerts de Jann est toujours chaleureuse, entre les spectateurs et l’artiste mais aussi entre les spectateurs. Je ne sais pas si ça console, j’imagine que ça dépend de quoi ou de qui ; en revanche, j’ai bien constaté que c’est pomme-pet-deupe à tous les coups. Pour réserver moyennant moins de 13 €, c’est ici.

Dix nouveaux titres ont intégré la bande des « titres (à découvrir sur le disque disponible ici en version studio) recensant plus de mille écoutes » sur Spotify. Après les neuf preums, voici les premiers à les suivre en version vivante.

1. Gribouillages
(16 avril 2019, Comédie Dalayrac, Paris 2)

2. Les moches et moi
(7 octobre 2013, Le Connétable, Paris 3)

3. Saint Max, Saint Max
(création YouTube, 29 janvier 2014)

4. Ça ne se voit pas trop
(23 juillet 2013, Le Connétable, Paris 3)

5. Le lapin et la tartine
(30 avril 2019, Comédie Dalayrac, Paris 2)

6. Je suis venu tout seul
(5 juillet 2012, Le Connétable, Paris 3)

7. Au musée des rêves oubliés
(création YouTube, 1er avril 2015)

8. Le cordonnier et la princesse
(21 novembre 2012, Le Connétable, Paris 3)

9. et 10. Les petites blessures | Histoires anciennes
À découvrir sur le disque disponible ici (c’est vachement bien pensé, quelque part).

… une vieille carne, à la fin d’une célébration, vient me dire que j’ai joué trop fort, ou trop dissonant.
Ou quand on m’explique que je me suis « éclaté » parce que, pour une fois, j’ai plutôt joué de la musique à l’offertoire que ploum-ploumé un chiant des sectes charismatiques.
Ou quand la responsable d’une association pour la promotion de la musique me confirme que, six mois auparavant, elle a bien reçu le chèque d’un internaute pour soutenir le festival mais elle a un an pour l’encaisser, alors ça va, quoi.
Ou quand [à suivre]…

Une fois de plus, avec « Signac, les harmonies colorées », le superbe musée Jacquemart-André propose une exposition à sa façon – dont il faut absolument jouir avec les jauges réduites actuelles, un bonheur ! Au programme, donc,

• une exposition riche mais à taille humaine ;
• un propos passionnant mais singulier ;
• une focalisation claire mais élargie.

Le plan est un peu bateau, je le concède, mais, comme on va parler de ports, disons qu’il s’agira d’une métaphore filée.

Une exposition riche mais à taille humaine

L’exposition est peut-être moins centrée sur Paul Signac que sur Eugène Chevreul, un chimiste ayant réfléchi à la décomposition de la lumière. Dès lors, derrière le fil rouge chronologique, se construit le questionnement sur la restitution de la couleur. Il s’agit de déposer des traits de couleur en laissant le spectateur créer lui-même l’illusion d’une continuité. Le projet est donc triple :

• transformer le peintre en illusionniste,
• rendre acteur celui qui regarde le tableau, et
• définir l’art comme la capacité d’associer fixation sur une toile et création dans l’instant.

Dès lors, le travail semble moins consister à composer un tableau par la couleur que de décomposer la couleur grâce au tableau.

• Interrogation de l’artificialité de notre perception,
• mise en cause du concept univoque de réalité et
• valorisation de l’aspect kaléidoscopique du visible
  

paraissent dialoguer et ce, de manière d’autant plus intense que la gestion de la forme et du mouvement paraissent être partie prenante du style Signac. Ainsi, dans le tableau ci-dessous, faussement low fi, on note que, outre le réinvestissement de la palette en biais, les rebonds ou déclinaisons colorées vont de pair avec ce que l’on pourrait appeler une « géométrisation intime » de l’espace, autrement dit une réinterprétation d’une scène par le triple truchement d’un prisme artistique recourant notamment à :

• la construction des lignes en fonction des couleurs (les lignes ne sont pas que limites de formes, elles sont aussi lumières et ombres),
• le jeu sur les contrastes (verticalité contre horizontalité), et
  
• la sollicitation des multiples possibles (traits droits au bas du tableau, fouillis arrondis en haut, biais de la palette utilisée).

L’exposition souligne la complexité qu’entraîne un tel programme. En effet, pour ne pas mélanger les pigments, les couleurs doivent être déposées une à une, avec un temps de séchage entre chaque. Pour parvenir à un résultat cohérent voire signifiant, l’artiste recourt donc à de nombreuses études, qui lui permettront ensuite de phaser, en quelque sorte, les espaces à peindre les uns après les autres. Aussi la présence de nombreuses « études » au fil des salles n’est-elle pas une faiblesse du projet mais l’une de ses richesses, dans la mesure où ces pièces sont les témoignages saisissants d’un work in progress qu’elles permettent de mieux appréhender – d’autant que l’artiste lui-même aimait à exposer certaines versions préparatoires au côté de l’œuvre définitive.

En ce sens, la richesse et l’humanité de l’exposition ne résident pas seulement dans l’intérêt et le nombre raisonnable des pièces rassemblées. Elles s’expriment aussi par les pistes susceptibles d’aider le visiteur à mieux entrer non pas dans la fabrique mais dans la mise en œuvre du projet de Paul Signac. Dans ses tableaux, se content fleurette

• représentation et réinterprétation,
• netteté et floutage,
• effet de réel et onirisation – et hop.

Tout se passe comme si l’artiste revendiquait un entre-deux ouaté entre la volonté de s’inspirer du réel (ce dont témoignent les titres) et le désir d’investir cette réalité par une diffraction raisonnée de la lumière et de la composition. De là naît son art : ni subjectivité pure de l’artiste, ni savoir-faire quasi artisanal qui permet au regardant de reconnaître l’objet peint, plutôt travail réfléchi sur l’acte qui consiste à transposer le réel sur la toile.

Un propos passionnant mais singulier

Au fil des tableaux, il est frappant de constater que la virtuosité technique de l’artiste semble consubstantielle de sa vision. Les deux pôles creusent les sillons

• d’une évidence brusquement mise en difficulté (on reconnaît le type de paysage pourtant plus ou moins net),
• d’un prisme qui est autant filtre-voilage que cadrage-focale,
• d’une juxtaposition de touches qui travaille à disjoindre la compacité apparente du réel.

Le travail chromatique nourrit une exégèse artistique où couleur et mouvement paraissent s’actualiser dans un lieu plutôt que d’en dépendre. En peut-être moins abstrus, ce n’est pas le lieu peint par l’artiste qui décide de sa perception mais

• les associations de traits ou touches de couleur,
• le choix du cadrage, et
  
• la luminosité saisie.
  

Chemin faisant, l’art de Paul Signac rappelle que le regard préexiste à la réalité. En cela, la production ici présentée est passionnante, car elle

• séduit,
• saisit,
• interroge ;

et elle est singulière car, bien que l’on puisse la rattacher au néo-impressionnisme, elle exprime une manière personnelle de retranscrire paysages et personnages.

Ce nonobstant, singulier n’est pas solitaire. Paul Signac illustre bien cette complémentarité. À plusieurs reprises, l’exposition insiste sur ses relations artistiques avec de nombreux confrères dont il se sentait proche, parmi lesquels le très délicat Achille Laugé, dont « L’Arbre en fleur » est ici exposé.
Dès lors, parfois, au cours de l’accrochage, l’artiste principal s’efface derrière ses contemporains. Une huile sur calicot de Louis Hayet côtoie un tableau de Camille Pissarro, dont les touches minutieuses, volontiers en confrontation, s’entrelacent pour suggérer un Éragny qui a quelque peu changé depuis…

Le nombre de visiteurs étant très limité, l’on a tout loisir de rester quelque temps pour profiter du paradoxe Pissarro, associant, d’une part, un souci de précision dans

• la composition,
• la structure chromatique et
• la définition des événements picturaux tels que
  • le paysage,
  • les bâtiments,
  • les personnages vivants…

… et, d’autre part, un sens de la suggestion qui, avec les mêmes éléments (nature, bâti, vivants) remplace la nécessité du trait par

• l’énergie du mouvement,
• les déclinaisons de couleurs et
• la pertinence des contrastes.

À l’élégance distinguée de « Au café » de Louis Hayet répond « Le café », œuvre populaire et intime de Maximilien Luce, l’ami anarchiste de Paul Signac l’anarchiste. Au lieu répond la boisson. Au chic, la vie. Ainsi prennent chair des langages picturaux à la fois proches et légèrement dissonants, qui illustrent aussi des perceptions sociales et des engagements politiques spécifiques.

Grâce à ces confrontations, le néophyte ne peut que s’extasier en découvrant, chez les maîtres ici rassemblés, que la couleur ne naît pas de la couleur mais de l’assemblage des couleurs. La forme ne naît pas de la forme mais de l’assemblage des couleurs. L’émotion – ici : la concentration – de même.

Paradoxalement, cette dispersion apparente d’artistes proches, par l’époque, la technique ou quelque franche camaraderie contribue vivement au caractère passionnant de cette exposition, tout en pointant la singularité du héros du jour, le sieur Paul Signac. Entendons par singularité la spécificité de l’art de la suggestion, et non une imbécile hiérarchisation louant telle variation afin d’en dénigrer une autre.
Chaque artiste ici exposé est évidemment singulier, mais la friction entre les techniques employées, grâce à leur proximité, contribue à mieux laisser apparaître l’originalité de celui dont les tableaux exposés sont les plus nombreux. À titre d’exemple, on le peut subodorer en comparant les portraits supra et infra, signées du même peintre.

Une focalisation claire mais élargie

En dépit des mises en perspective qui nous font profiter de pièces signées Henri-Edmond Cross ou Théo Van Rysselberghe, le champion de l’exposition reste bien Paul Signac. Il est montré dans une dynamique chronologique que ses confrères aident aussi à saisir : entre « Le Moulin du Kalf à Knokke » de Van Rysselberghe, si finement pointilleux…

… et le « Paysage avec le cap Nègre » de Cross, si intensément suggestif…

… un fossé s’est creusé, alors que les deux toiles n’ont qu’une douzaine d’années d’écart. Autrement dit, la focalisation diachronique de l’exposition est claire mais, en s’élargissant, elle permet, plus pédagogiquement que schématiquement, de donner à pressentir des mutations que l’œuvre de Paul Signac connaît elle aussi. En réalité, en sus des mutations liées à la maturation d’une technique, l’œuvre de Paul Signac évolue car ses outils évoluent. Le vingtième siècle arrivé, le peintre s’entiche de l’aquarelle, qui lui permet de peindre en plein air ce qu’il contemple – la peinture sur toile, plus longue et lente, ne pouvant être qu’une reconstitution d’après esquisses, études et souvenirs.
Néanmoins, il n’y a nulle contradiction entre les techniques : l’aquarelle, associée à l’encre de Chine, permet à l’artiste d’approfondir sa science de la suggestion, et cela nourrit son travail à la peinture à l’huile – certaines pièces, comme « Avignon. Matin », sont ainsi disponibles selon les deux techniques. L’avantage non négligeable de l’aquarelle est l’audace que permet l’instantanéité, même relative, de cet art. En témoigne la série des deux cents aquarelles inspirées par des ports français, dans les années 1920, qui offre à l’artiste l’occasion de se frotter à une certaine radicalité. Au charme paisible de toiles délicatement ordonnées se substituent alors

• la dynamique du trait,
• la simplification du spectre chromatique et
• le choix de saisir un moment fusionnant météorologie et paysage.

On suppose que cette radicalité, moins consensuelle que le néo-impressionnisme liminaire, a poussé les commissaires à faire une entorse à la règle chronologique pour terminer la visite sur des huiles plus conformes à l’idée que l’on se peut alors construire du peintre. Plus conforme, assurément ; mais non point identique. Dans les quinze années précédant la Première Guerre mondiale, Paul Signac travaille à libérer son travail des contraintes réalistes selon deux axes :

• ne pas s’en tenir à la proximité chromatique entre objet inspirant la peinture et chose peinte ; et
  
• creuser davantage le miroitement monochromatique que l’élargissement du spectre utilisé pour chaque tableau.

Ainsi du matin avignonnais que nous évoquions supra, et qui se trouve synthétisé en une infinité de bleus, roses et jaunes.

On retrouve cet art du flouté aperçu dans l’évocation du « Mont Saint-Michel », peint douze ans plus tôt. Rien d’étonnant, si l’on admet que Paul Signac paraît être moins un peintre de la couleur que de l’effacement. Le monument semblait moins l’intéresser que la brume l’enveloppant. Ici, l’eau et le ciel aspirent les deux tiers de la composition, au point que l’on ne sait si le palais se reflète dans l’eau ou si cieux et eau se reflètent voire se rejoignent dans ce qu’il reste à la ville des papes de minéralité.
Autant la couleur pouvait çà s’associer à la forme, au mouvement et à une géographie du paysage, autant elle semble ici se substituer au réel ou, a minima, devenir sa substantifique moelle. L’art de Paul Signac libère le réel du poids du réel pour en offrir le suc à ceux qui regardent ses tableaux ; et ce suc n’est autre qu’une couleur

• non plus réaliste mais miroitante,
• non plus descriptive mais évocatrice,
• non plus destinée à rendre présent mais à effacer ce que nous croyions connaître du monde.

Partant, bien qu’elle paraisse soyeuse, agréable, captivante à souhait, la subversion picturale à laquelle s’adonne l’artiste secoue notre perception et, fût-ce de façon très éphémère, réactive notre capacité d’émerveillement et de réenchantement du monde, par temps de brume comme de grand soleil.

En conclusion

Exposition riche mais à taille humaine, propos passionnant mais permettant de deviner certaines singularités et de titiller la curiosité du visiteur, focalisation sur Signac-néo-impressionniste riche mais élargie à d’autres aspects de son travail : les paris et partis pris par les commissaires de cette exposition se révèlent payants – même si l’on s’étonne de voir que la provenance des tableaux est celée. La visite permet aux experts comme aux néophytes de parcourir une œuvre remarquable et pas si univoque qu’il pourrait sembler au premier abord, et de la replacer par petites touches (ha, ha) dans le bouillonnement pictural de l’époque.
Pragmatiquement, la possibilité de jouir à plein de cette exposition grâce aux jauges très réduites devrait encourager tout hésitant à se précipiter dans cet hôtel particulier délicieux où, de surcroît, passé le cerbère amorphe du porche, on est souvent accueillis avec le sourire, détail certes pas si négligeable que ça. Profitons-en tant que nous ne sommes pas rerereconfinés ou, au contraire, complètement déconfinés !

Renseignements ici.