Heureux de revenir en Alsace pour faire musique, yo, avec l’ami Pierre-Marie Bonafos. À cette occasion, nous avons imaginé un concert « pour faire bouger les oreilles » ce qui est, nous semblait-il, un bon projet musical, qui plus est pour un dimanche après-midi. Surtout à 17 h 00 – j’adore le 00.
Avec son nouveau double disque, Nicolas Horvath – souvent évoqué sur ce site – rappelle qu’il est possible de défricher des parcelles de la terra incognita qu’est le répertoire musical dès lors que l’on s’éloigne des autoroutes surfréquentées, sans recourir aux astuces marketing un brin puputes dont les labels sont friands. En 157 minutes, l’ex-Monégasque ne labellise pas Hélène Antoinette Marie de Nervo de Montgeroult (1764-1836) sous le sceau réducteur d’un féminisme bêlant, pas plus qu’il n’avait souillé Brillon de Jouy sous ce propos toc. Une fois de plus, il s’empare de partitions, disons, confidentielles, pour proposer une intégrale qui a de quoi inquiéter le chaland. Si, si, inquiéter est le terme juste, le terme vrai ; car, m’enfin, 2 h 30 de musique du tout début du dix-neuvième siècle, sera-ce pas abuser de notre patience à l’endroit des bariolages niaiseux et bavards dont Mozart a si souvent gonflé ses sonates – obligeant des musiciens de la trempe d’un Jean Muller, en disque et au concert, ou d’un Christian Chamorel, lui aussi au disque et aux concerts goethistique et pauvre, à accomplir des prodiges pianistiques pour rendre ces œuvres effectivement pimpantes ?
Cette méfiance, on ne peut jauger sa pertinence sans la passer au crible de l’écoute attentive, comme l’on passe l’or au creuset (au moins). En gros, la problématique de cette notule en trois temps pourrait être : est-ce kiffant aujourd’hui d’ouïr le travail d’une dame de la haute dont le talent pédagogique lui valut de garder la tête sur les épaules ? À vrai dire, de cette compositrice, l’on ne connaissait jusqu’ici qu’une étude sur les cent quatorze qu’elle a écrites – Nicolas Horvath nous avait fait cadeau de cette découverte à l’occasion d’un cyberconcert du festival Komm, Bach!. Il était donc temps de combattre notre ignorance en montant à l’assaut des trois recueils de sonates de la même créatrice.
Montgeroult, ainsi que la nomine, et hop, la première du livret, ouvre son catalogue par un recueil de trois sonates pour le forte-piano, publié en 1795, toutes trois sous forme italienne, donc en deux mouvements. La sonate en Fa (10’) commence par un Allegro con spirito dont Nicolas Horvath sculpte un prélude presque libre avant de plonger dans un flot de notes en quête de mélodie. Les ornements, trilles en tierces et appogiatures boostent le propos et valorisent l’oscillation entre
Tête et doigts bien faits, l’interprète dédaigne le mignon pour mieux concentrer l’énergie du mouvement. Le premier chapitre semble préparer l’arrivée du Prestissimo ternaire, joué sans concession mais non sans nuance. Le musicien maîtrise
L’allant du tempo, les modulations et l’absence de chichis quand les marteaux doivent marteler, transforment les répétitions en refrains dont la réitération soutient l’écoute. Grâce à une prise de son très proche signée Paul Metzger, l’auditeur est projeté dans un monde musical qui, à défaut de séduire par son élégance, son originalité saillante ou son sens de l’earworm, s’écoute de bout en bout en suscitant l’intérêt.
La sonate en Mi bémol (15’) propose un Allegro con moto qui se révèle très vite bondissant à sauts et à gambades, les passages pastoraux se frottant à d’autres plus enlevés (et réciproquement), par breaks ou par tuilage. La maîtrise technique de Nicolas Horvath s’exprime moins dans l’exécution – qui demande pourtant des doigts et de la précision – que dans sa capacité à travailler les changements de lumière, qu’ils soient brutaux ou progressifs. L’attention portée à l’intention (ha, ha) musicale évite une lecture des notes que l’on entend parfois sur des intégrales de compositeurs peu connus. Ici, rien n’est ripoliné mais tout est rutilant, dans l’éblouissement ou l’obscure clarté. La musique semble briquée par la conviction que ces sonates sont valables en soi et non par leur seul statut de découverte. Hormis la sonate en fa mineur, tout le premier disque n’est-il pas constitué de premiers enregistrements ?
L’Allegro vivace ne met pas à mal la foi du pianiste dans son héroïne. Souvent en duo, parfois dans l’unisson motorique qu’affectionne Hélène de Montegroult, le mouvement n’omet jamais de varier les atmosphères autour de cellules rarement très développées, ce qui contribue à nourrir la curiosité du mélomane.
construisent une musique dont la qualité est assurément valorisée par l’interprète.
La sonate en fa mineur qui conclut le recueil est deux fois plus longue que celle qui lançait le bal. Un Maestoso con espressione dégaine d’emblée une vaste phrase longtemps à l’unisson et en écho. Un jeu de questions-réponses s’ensuit, puis le piano s’emporte, revient à l’unisson en écho. La reprise est animée par un même souffle à la fois rigoureux et libre. Nulle préciosité dans les moments doux ; en revanche, de la netteté permettant de distinguer les différents plans sonores. Nul systématisme non plus dans les segments fougueux ; en revanche, de l’engagement et de l’exactitude dans les sections fondées sur un léger décalage. Le propos est ainsi enrichi par de nombreuses astuces qui défient le cadre rythmique telles que
C’est un Nicolas Horvath survolté qui attaque l’Allegro agitato dont il rend plus volontiers le côté agité qu’allègre. Le texte lui donne raison. Même les passages qui pourraient sembler apaisés sont emballés, trilles incluses, dans une fièvre indispensable pour donner de la puissance à ce gros mouvement de plus de 10’ avec reprises. L’interprète ne joue pas une sonate de la fin du dix-huitième siècle mais, hypermieux, une sonate tout court, dans laquelle il insuffle de l’urgence, ose la percussivité frontale, et parvient à garder le cap du bouillonnement y compris dans les rares oasis plus calmes.
portent l’écoute et saisissent l’auditeur sans merci… construisant de la sorte un excellent cliffhanger pour pousser à écouter le deuxième recueil de sonates de la compositrice !
À suivre.
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Vient de paraître le nouveau livre de Pascal Jouary, auquel j’ai prêté une main lors du peaufinage. Malheureusement, je dois reconnaître que ce livre ne vous apprendra rien… sauf si vous ne connaissez pas les quarante affaires les plus retentissantes dans lesquelles le secret-défense a tenté – et souvent réussi – de mettre en échec la justice. Car ce livre est le premier à présenter un tel panel de scandales – avec objectivité, sources incontestables à l’appui, et subjectivité grâce aux interviouves des principaux protagonistes (familles de victimes, législateurs, avocats, grands témoins, hauts responsables du Renseignement…).
J’ajoute que le nouveau livre de Pascal Jouary ne vous dessillera nullement les yeux… sauf si vous n’avez jamais plongé dans les dédales de ce que cache le secret-défense. Car ce livre est le premier – vous pouvez chercher, y en a pas d’autre – à analyser en profondeur, exemples précis à l’appui, les diverses formes que peut prendre la raison d’État quand elle excipe du secret pour dissimuler l’inavouable. Assassinats politiques, complots industriels, machinations financières, mensonges diplomatiques, résidus de la part sombre de la colonisation et erreurs militaires sont ainsi mis en lumière, parmi d’autres vilenies par cette radiographie implacable du secret-défense.
Je conclus en déconseillant ce livre à tous ceux qui ne veulent pas glisser un œil dans les coulisses de notre belle et saine démocratie. Pour les autres, ce bouquin choc, fruit de quatre ans d’enquête, devrait un délice amer donc passionnant. Je suis fort fier d’être monté à bord de cette aventure… et d’avoir réussi à esquiver les sous-marins alliés susceptibles de couler notre bâtiment. Cela nous a permis, je crois, de faire bonne pêche et bonne pioche.
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L’impatience nous joue des tours, mais c’est un fait : bientôt, nous nous cyberretrouverons pour le concert de chansons à textes et à musiques intitulé « À tout hasard » qui sera diffusé sur YouTube – Première ce vendredi 5 novembre à 20 h 30, film disponible à discrétion pendant quinze jours contre un billet modique à acquérir ici.
Soyons honnête, pour une fois : le choix de la diffusion par Internet n’a pas été fait de gaieté de coeur. Néanmoins, il offre trois avantages :
Il fait aussi écho à la période du confinement pendant laquelle j’ai posté une quarantaine de nouvelles chansons, histoire que les sachants et puissants libertivores n’annihilent ni notre créativité ni notre joie de partager paroles et musiques. En attendant de pouvoir vous retrouver au gré des scènes, si la fréquentation des salles de spectacle – actuellement catastrophique – s’améliore, cette cyberinitiative m’a paru le moindre mal pour conserver et fortifier le lien qui nous unit musicalement. D’autant qu’elle réunit autour de moi – ô fierté – des musiciens et des techniciens hors pair.
En effet, projet digital, ce film enregistré dans les conditions du direct n’est pas un projet low cost pour autant. Grâce à la bénévolence de partenaires de scènes, une équipe technique DeLuxe a pu être mobilisée afin de proposer un tour de chant de qualité. Sur une ambiance lumineuse créée à partir des conseils de Clément Gulbierz, jeune ingé lumières capable de se saisir de n’importe quelle demande pour en tirer plus que le meilleur, se greffe une prise de son riche et maîtrisée, manigancée par Sébastyén Defiolle. La captation et le montage sont l’œuvre d’Esther Assuied, une artiste aux doigts de fée.
Cet écrin sertit douze chansons, dont neuf jamais chantées sur scène et ici portées par
Histoire d’ouvrir un peu les fenêtres dans un temps où certains nous poussent au repli sur soi voire sur rien ni personne, l’ami Jann Halexander, chanteur franco-gabonais de métier depuis une vingtaine d’années, a été convié à pimper cette fête… à laquelle – la tempérance n’y peut mais – nous avons décidément hhhâte de vous retrouver.
Pour acheter son billet, c’est ici.
Quand, avec Jann Halexander, nous avons pu sortir des concerts clandés donnés dans des parkings, nous ne sommes pas direct retournés dans les théâtres à l’italienne, faut raison garder. Un p’tit théâtre-atelier (et vice et versa) avec des spectateurs chauds bouillants, c’était bien pour retrouver le plaisir de partager des chansons puissantes jamais souillées par un passage sur France-Inter.
De fait, vidéo à l’appui, c’était chouette et bon – la présence de Louise Kersulec à la flûte étant évidemment un plus résolument positif.
Vendredi 5 novembre, à 20 h 30, nouveau concert de chansons fresh, avec Pierre-Marie Bonafos au saxophone, Claudio Zaretti à la contrebasse et Jann Halexander en invité.
Pour y assister, worldwide, une seule solution : acheter votre place pour rejoindre l’événement sur YouTube. Ce n’est ni cher, ni compliqué : si vous n’avez pas participé à la campagne de financement participatif, suffit de se faufiler ici. Hâte de vous cyberretrouver.
C’est l’une des cerises sur le gâteau du jeune orgue français, adoubé par le CNSMDP – ce qui n’a en rien altéré sa liberté de penser, de jouer et d’être. À l’occasion du concert de 24 h qui concluait la cinquième saison du festival Komm, Bach!, Arthur Nicolas-Nauche nous a fait le cadeau d’enregistrer des mastodontes du répertoire en l’église Saint-André et dans son fief, l’église Saint-Gabriel (Paris 20).
Sous les objectifs et les micros de son amie et néanmoins consœur Esther Assuied, il déploie toute sa science d’interprète dans la redoutable Quatrième sonate en trio de Johann Sebastian Bach. Entre sérénité apaisante et virtuosité assez sûre d’elle pour aspirer l’auditeur vers manière de vertige transcendantal, l’interprète nous offre une exécution aussi impressionnante qu’habitée… sans jamais laisser soupçonner, soit stipulé pour la petite histoire, l’urgence sans filet qui a présidé à la captation.
Voici quatre ans presque jour pour jour que Christian Chamorel a commencé d’être familier des lecteurs sporadiques de ce site. Entre concerts, disques et happenings mendelssohniens, il est devenu un personnage récurrent de la saga, et nous sommes heureux de saluer son retour parisien. Alors que le remplissage des salles de spectacle, profanes ou sacrées, est une catastrophe à l’échelle parisienne, le pianiste suisse n’a certes pas à rougir de son succès au cœur de la capitale. Sans blinder l’église, un public réactif et attentif est présent et impatient d’ouïr le programme tripartite que l’artiste a manigancé. On en profite pour regretter l’absence de programme proprement dit : pour un billet à vingt euros donnant droit à une chaise d’église en placement libre, c’est un brin léger – et point de chanson sur l’écologie, puisque flyers oui-oui, programme non-non.
L’interprète ouvre le bal par son grand kif, le soi-disant divin Mozart. Son choix s’est porté sur la sonate KV 333 dont l’Allegro initial est joué sans peur de l’oxymoron, puisqu’il associe la précision de doigts toniques à une pédale généreuse, seule à même d’arbitrer avec l’acoustique compliquée du lieu. Passionné par ce qu’il joue et féru d’échanges (l’artiste est finement actif sur les réseaux sociaux), Christian Chamorel en témoigne en valorisant le système de questions-réponses que nourrit la main droite. À ceux qui persisteraient à juger que cette musique honnêtement troussée fleure néanmoins quelque peu la naphtaline, le musicien répond en la jouant avec un mélange de rigueur nécessaire et de souplesse bien tempérée, par exemple dans
L’Andante cantabile complète le tableau en proposant balancement et bariolage entraînant. L’interprète déjoue le risque d’emphase ou de solennité pesante en ouvrant l’espace par un investissement personnel et ciblé de la métrique. L’espace musical semble s’ouvrir grâce au travail minutieux sur les nuances et le legato. L’Allegretto grazioso rondade à foison sous forme de couplet-refrain. Chamorel y sculpte Mozart à coups d’accents donc de silences. Cette mise en rythme du mouvement anime la déclinaison du thème obsessionnel que le musicien veille à éclairer différemment à chaque évocation grâce à des attentions spécifiques :
Le résultat nous laisse partagé entre l’incapacité de l’œuvre à nous émouvoir et l’évidence qu’elle n’est certes pas déplacée sous les doigts d’un grand pianiste de 2021.
Après Mozart, Christian Chamorel prend le temps de présenter la Fantaisie op. 28 de Felix Bartholdy Mendelssohn qu’il s’apprête à confronter – et que l’on peut, comme il ne le signale pas en direct, retrouver sur son disque Mendelssohn, paru chez Calliope en 2020 (pour l’acheter, c’est par exemple ici ; pour l’écouter en entier, c’est là ; et pour découvrir la Fantaisie spécifiquement, rendez-vous sur cet hyperlien). Le mouvement « con molto agitato » mixe d’entrée tempête et pompe, ce qui représente bien le compositeur et n’indiffère sans doute pas son serviteur. Comme l’exige le concept de fantaisie, l’écriture fracturée juxtapose des moments fort distincts. L’interprète se goberge effrontément du va-et-vient entre
Il pousse la finalisation jusqu’à jouer avec la pédale de sustain pour créer de subtiles harmoniques à la fin du mouvement. Le deuxième temps, bref, de cette « sonate écossaise » est indiqué « Allegro con moto » et tente de jubiler, comme en témoignent
Le Presto final ne manque pas d’efficacité sonore ni digitale. Par-delà l’exploit technique, Christian Chamorel veille donc à faire respirer respirer la partition en volume (gestion des décibels) et en espace (travail avec le silence pour laisser vivre la musique dans l’église derrière le bruit des marteaux). Dans cette perspective, l’artiste s’en donne à cœur joie.
rien ne lui échappe, et surtout pas la capacité de faire gronder la main gauche pour mieux éclairer la ligne virtuose de la main droite quand d’autres grignoteraient les virevoltures (essayons) de la dextre au profit des fureurs de la senestre. Cela est concocté avec une aisance déconcertante qui rend ce plat de résistance sapide et même gouleyant.
L’affaire se conclut sur la petite demi-heure exigée par les sept Fantaisies op. 116 de Johannes Brahms. Pour présenter le concept, il attire l’attention sur deux points :
Économie de moyens compositionnels, peut-être, mais certes pas techniques. Un pianiste doté de moyens moyens restera rapidement à quai. Ce n’est pas seulement une question de célérité – le capriccio liminaire exige en revanche autorité et capacité à assurer la continuité du propos en dépit de nombreux breaks, avant que la fête aux octaves n’active la joie d’une virtuosité fantaisiste. En regard, le premier intermezzo fait désébullitionner, et hop, la sauce et permet d’apprécier le pianiste non point dans une autre veine mais dans une approche complémentaire de son art, où la virtuosité sert la musique après que la musique a servi la virtuosité ; et ce, jusqu’à l’extinction, l’un des sommets de l’art brahmsien.
Le deuxième capriccio remet en branle les petites saucisses. La pièce oscille entre désir d’explosion et tentation de se poser davantage. De cette bipolarité, Christian Chamorel se pourlèche les phalanges et parvient à montrer avec autant de conviction
Après la virtuosité secouée dont vibrait le capriccio numéro deux, le deuxième intermezzo pose les choses. Il oblige la main droite à aller chercher les profondeurs du clavier en survolant sa consœur tout en ciselant les aigus. Nocturne ou méditation, la pièce prend ce soir une présence et une ampleur patentes sous les doigts d’un pianiste capable d’en donner à percevoir les pleins et les déliés, les cavalcades d’un matin de Noël le taedium vitae d’un dimanche après-midi n’en finissant pas de finir. Le troisième intermezzo se balance, ternaire et inquiet. L’interprète n’hésite ni à le suspendre, ni à mettre à nu le questionnement qui le parcourt. Cohabitent inquiétude et aspiration à la sérénité. Les nuances médianes – mais non pastel – rendent cet intermède à tout le moins affriolant.
Le quatrième intermezzo s’affirme plus solide, avec son mode majeur ostentatoire et ses modulations autoritaires. Après qu’un motif reconnaissable a été énoncé, une partie centrale se dégage. Grâce à une grande clarté de jeu, Christian Chamorel crée le lien entre les itérations du thème premier et les volutes qui s’en échappent. L’arpège final conclut en beauté une interprétation pénétrée. S’en vient alors le dernier capriccio, comme émulsifié. Malgré l’agitation, le virtuose veille à souligner les lignes de crête et les différentes formes de tension qui subliment cet exercice de brio, notamment grâce aux
Deux bis concluent le show. D’abord une cochonnerie, selon les termes du compositeur : la première des trois études op. 104, qui prouve, explique l’interprète, que « Mendelssohn s’est planté sur toute la ligne par rapport à son auto-évaluation » d’autant qu’il s’agit du tube chéri du musicien suisse. En dépit de la pyrotechnie à grand spectacle offerte par cette pièce, Christian Chamorel fait fi des paillettes : sa virtuosité éclatante et sa musicalité réconfortante ne font qu’un. Devant l’enthousiasme du public, il accepte de revenir glisser la Romance sans parole op. 30 n°1, andante et expressive ainsi qu’il sied. Le récital s’achève en douceur et en intériorité, un riche accompagnement se balançant comme une escarpolette dans la nuit vide d’une fin d’été, tandis qu’une mélodie nous accompagne longtemps, longtemps après que le poète a disparu de scène.
En conclusion, un beau moment, dense, varié, pensé et ramassé, où la musique prime sur l’exhibition, où la technique est un tremplin pour l’émotion et où les inclinations de l’interprète l’emportent sur les facilités des programmes convenus sans négliger d’embarquer le public dans le monde de l’artiste. La chaleur des longs applaudissements finaux résumait, assurément, l’essentiel de cette longue critique.
Ambiance intérieur nuit : toujours spécial et souvent magique dans les grandes églises. Qui plus est quand les grands noms de l’orgue et quelques autres sont réunis pour improviser en continu, à l’occasion des dix ans d’Orgue en France. Au programme : douze heures de musique impromptue et ininterrompue. Entrée libre, sortie aussi. Public autorisé tout autour de la console de concert, aussi bien debout pour chercher le meilleur angle qu’assis sur des chaises… ou que couché sur le tapis rouge.
Çà, on repère même la bande des foufous de Guérande qu’a rejointe leur chère Esther Assuied afin d’assembler, à même le sol, le puzzle de mille pièces représentant l’orgue du lieu. Verdict : « J’ai l’habitude de faire des puzzles de 5000 pièces, confie la jeune virtuose, mais, là, c’est chaud ! »
Alors que se succèdent sur le banc de solides musiciens de la trempe d’un Vincent Rigot, d’un Thierry Escaich ou d’un Pascal Marsault, d’autres zozos se préparent. Après les répétitions pour construire la structure et un p’tit quart d’heure pour apprivoiser l’orgue et l’acoustique, il est temps pour nous, challengers, de montrer ce que nous avons dans le petit bidon. Et si c’était la chance de notr’ vie ? On s’lance, allez, tant pis !
Puis laisser la place, rejoindre les amis en salle de catering, partager un peu de liquide et une clémentine, discuter avec d’autres musiciens de passage, revenir écouter quelques collègues des étages supérieurs, parmi lesquels Olivier Latry – bientôt rejoint par Thomas Ospital et Thierry Escaich pour le trio qui devrait buzzer lors de la mise en ligne de la vidéo du concert –, finir par quitter l’arène pour tenir à peu près les yeux ouverts lors de la messe programmée quelques heures plus tard, croiser des spectatrices qui ont bien kiffé le duo orgue et contre-ténor, trouver dans le labyrinthe de Châtelet le chemin vers le dernier métro et revenir avec la vraie vie, un peu de nuit sémillante au fond des yeux.
Vivement le prochain défi !
Voilà bien le dilemme d’une notule musicale : s’offusque-t-elle de ce qui lui déplaît, on l’accusera de snobisme ou de jalousie d’un incapable stipendiant un valeureux musicien ; à l’inverse, loue-t-elle sans réserve un disque mandé par un attaché de presse, elle souffrira, et c’est justice, d’être accusée de partialité lèche-bottes. Pour cette fois, nous avons choisi notre camp et, n’en déplaise à notre inclination pour la polémique et la friction, il est résolument du côté d’Ali Hirèche.
D’autant qu’il appert de ce projet que ledit Ali Hirèche, ouï tantôt, a un estomac solide. Clara Schumann ne dénonça-t-elle pas les deux cahiers de variations sur un thème de Paganini de gros patouillis indigeste (patouillis, c’est ma traduction, mais chacun l’entendra comme il lui siéra), cahiers par lesquels il choisit d’ouvrir son album ? Qu’importe au fringant gamin qui, il y a treize ans, mieux doté techniquement que l’idole des musicologues féministes, s’attaquait à un disque 100 % variations brahmsiennes (mais ne comprenant pas 100 % des variations brahmsiennes, faut suivre) par les 24’ op. 35, inspirées par le dernier caprice de Niccoló – on s’étonne une fois de plus du livret, qui n’a pas été corrigé après le montage définitif : « L’enregistrement se conclut avec les variations sur un thème de Paganini », y lit-on, alors que, tel qu’il est présenté, il s’ouvre avec elles, moment oups.
Let’s turn to the music, et reconnaissons trois difficultés à enregistrer un cycle de variations :
Quoique bon élève, Ali Hirèche refuse de jouer à l’Agnan de service, alléluia. Il y a
Bref, ça l’fait grave.
Soucieux de fouiller un peu le sujet, Johannes Brahms est revenu à la charge pour livrer d’autres variations sur le même thème. Ainsi, il témoigne moins de la richesse du thème que de la nature de son génie, capable de pressuriser une idée pour en faire jaillir un geyser de suc, quand d’autres – et c’est potentiellement tout aussi louable – s’attachent à collectionner les idées en les effleurant pour laisser libre cours à ce que le musicologue Gad Elmaleh aurait désigné comme la guise de l’imaginaire. À dire vrai, l’un n’empêche pas l’autre ! L’intérêt des Variations est peut-être même l’étroite fusion entre une nappe thématique sur laquelle chaque variation-derrick puise l’or noir ou pétillant de ses idées, et la fragmentation du thème-terrain façon gaz de schiste dont chaque variation-miniature présente d’autres facettes.
Le thème, énoncé avec la cristalline légèreté, prépare à peine au double dialogue de la première variation :
C’est brillant et finement réalisé tant digitalement que dans la gestion des breaks. La deuxième variation poursuit le jeu entre binaire à droite et ternaire à gauche. L’on apprécie à la fois
La troisième variation swingue, allègre et légère ainsi qu’indiquée, bien rythmée par les justes accents de la main gauche. On valse tranquillement au long de la quatrième variation, charmante à souhait. La cinquième variation poursuit le travail de contrastes qui caractérise ce cahier. Au ternaire du 3/8 s’ajoute un second ternaire, celui des triples croches qui dévalent le piano de droite à gauche, tandis que la main droite sautille, le thème au bout des doigts. Nuances et ritenuto en guise de respiration sont éclaboussants – comme éblouissants, mais encore plus.
Dans la même série, la sixième variation est constituée de grandes vagues de doubles croches en triolets, dopées par des appogiatures pétillantes. Grâce aux accentuations et au phrasé, on oublie presque la virtuosité pour ne plus entendre que son résultat : la musique. La huitième variation synthétise les précédentes en assumant sa polyrythmie : 2/4 à droite, 3/8 à gauche, donc trois croches associées à des triolets de doubles, et échange de rôles réguliers entre les mains. Mis comme ça, c’est technique et ennuyeux. Joué par Ali Hirèche, c’est fluide, saisissant et vertigineux… même si le montage aurait gagné à respecter davantage la résonance entre les variations 7 et 8 – le problème, bouclons ici cette incise, est récurrent (ouïr 5’57, par ex.).
La huitième variation travaille le rythme différemment : elle se sert d’une série de quatre doubles pour lancer (presque) chaque mesure avec énergie. L’interprète parvient à transformer l’accentuation en rebond sans jamais s’écraser sur le premier temps. Grâce à lui, on l’on parvient quinqué et requinqué à la neuvième variation où des doubles croches a priori immuables sont défiées par des appogiatures révélant, sous l’apparence marmoréenne (régularité et jusqu’à quadruple unisson), la fragilité et le déséquilibre qui nous meut et nous émeut.
La dixième variation est annoncée « féroce et énergique ». Elle creuse la veine de l’unisson, permettant au piano de gronder et tonner à souhait. La onzième variation, vivace, fracasse des doubles croches en mouvements contraires : quand la main droite descend, la gauche monte, et vice et versa. Ali Hirèche y démontre l’aisance roborative qui sied à la miniature. La douzième variation, « un poco andante », se risque à un certain lyrisme, avec mélodie à droite toute et ondulation de doubles croches d’accompagnement à gauche. Le changement de climat est à la fois saisissant et séduisant.
La treizième variation revient au binaire et décrit un lent dégravoyage (et hop) de notes, d’abord uniforme, puis dissocié, la main gauche remontant à contre-courant. L’on se laisse sans peine emporter par le son soigné que le musicien tire de son instrument, brillamment capté par Joël Perrot au célèbre temple Saint-Marcel de Paris. La quatorzième variation, « Presto, ma non troppo », fait courir les petites saucisses et bondir les petites pognes, s’amusant même à accélérer la gambade en substituant sporadiquement des quintolets aux quatre doubles croches attendues.
concluent une partition brillante dont l’interprète, feignant d’être indifférent à la complexité technique de la chose, nous fait sentir
Comme un bon mis en cause, Johannes Brahms a beaucoup varié – plus dans ses compositions que dans ses déclarations, voilà la précieuse différence.
Ainsi a-t-il publié ses Variations sur un thème original en même temps que ses Variations sur un lied hongrois, n°2 du même opus et non retenues pour ce disque. Postérieures aux variations sur un thème de Robert Schumann qui concluront le disque, on le saura, elles s’ouvrent sur un thème « poco larghetto, molto espressivo e legato » en 3/8 et Ré. Ali Hirèche le prend avec la sérénité requise, sans craindre les accords de dixième – le gars est extensible de la main et solide des doigts. La première variation, paisible, « sempre legatissimo » malgré les écarts de notes, se balance avec douceur en savourant les mouvements inverses des deux mains.
On monte d’un cran avec la deuxième variation : le tempo s’emballe, la main gauche continue d’onduler ; la main droite mélodise et harmonise simultanément. Dans la troisième variation, l’interprète persiste dans sa retenue très intériorisée, préparation à la progression qui se profile. Cela est joué avec une souplesse rarement ouïe. La quatrième variation est présentée avec une suavité qui correspond bien à l’indication de dolce. Son apparente simplicité masque presque la richesse de l’harmonisation, souvent à quatre voix et associant volontiers
Sous les doigts d’Ali Hirèche, c’est tout sauf gnangan : c’est carrément envoûtant, tension vers le mode mineur incluse. La dentelle proposée dans la cinquième variation, jouant sur la contradiction bienveillante – et pourquoi pas ? – entre binaire et ternaire, est rendue avec une élégance pimpante. On commence à envoyer du pâté avec la sixième variation, toute de doubles croches parées, et cependant ornée d’une sonorité habilement perlée. La septième variation, fondée sur des microquestions-réponses entre les deux mains, revendique un fonctionnement binaire que le toucher hirèchien rend avec une subtilité pour le moins sémillante.
Tout bascule avec la huitième variation : son Allegro non troppo signale l’arrivée du mineur. L’électricité est de retour, et elle n’est pas synonyme de bruit, plutôt de pulsation. La neuvième variation ne dégonfle certes pas cette tension, entre triples et doubles croches souvent octaviées. La dixième renchérit. À la fois « agitato » et « espressivo », la dernière variation en mineur fait gronder les doubles à la main gauche sur une main droite qui, arpège aidant, va chercher les accords de quinzième tout en fracassant des triolets de croches nerveuses contre des doubles furibondes. Le binaire mineur cède alors le pas au ternaire majeur qu’un trille têtu parcourt.
L’interprétation retenue rappelle que la tension n’est pas que décibels, elle est aussi vibration.
habitent cet enregistrement jusque dans l’apaisement final. Le résultat est fascinant.
L’affaire se boucle avec les Variations sur un thème de Robert Schumann op. 9. Un thème lent et imprégné de la gravité du fa dièse mineur apparaît, joué avec recueillement mais sans emphase. Une première variation prolonge cette méditation, qui tente une évasion dans les registres aigus avant de s’engoncer dans les abysses du clavier. Les sachants attribuent le côté sombre de cet incipit au fait que sombre (haha) Robert Schumann, au moment où Johannes Brahms écrit ces variations-hommage, supputons qu’ils ont raison de le penser. Seule évidence concrète : Ali Hirèche, que l’on a vu virevolter dans les passages virtuoses, prouve ici qu’il sait aussi dépeindre une atmosphère… et passer d’emblée à la suivante, la deuxième variation rebondissant en 9/8 avec notes répétées.
Le nécessaire travail de caractérisation – l’œuvre de plus de 18’ serait vite fastidieuse sans contrastes et, précisément, variété – ne s’arrête point avec la troisième variation où la main gauche, croisant et décroisant avec sa collègue, tente de prendre le lead en énonçant le thème descendant de la lamentation. Le pianiste y sculpte le son, jusqu’à inventer un do dièse presque étouffé qui paraît à la fois incongru et pertinent (2’32, par ex. – on retrouvera ce son plus loin, par ex. dans la dixième variation à 8’54). Sans ruer pour autant, la quatrième variation secoue le cocotier avec accords répétés à gauche – dont la dixième fa dièse-la interdite aux quenottes de dimension restreinte – et, à droite, thème et accompagnement prolongeant la pulsation grave. La cinquième variation poursuit ce travail sur les unissons répétés, mais version Allegro capriccioso.
conduisent l’auditeur vers le toboggan de la sixième variation, officiellement en 6/8 mais plutôt en 18/16. D’abord simple ponctuatrice (je tente le terme), la main gauche s’exaspère en mouvements contraires avant de tonner de nouveau par ses croches bien marquées. Séduisent
La septième et la huitième variations sont marquées « Andante ». Avant la septième, l’artiste choisit de laisser s’installer le silence afin, sans doute, que contraste ne soit pas concaténation mais frottement et respiration. La légèreté de la main gauche accompagne de son grave battement octavié le thème que la main droite déroule et harmonise en arpèges. La fin en Fa dièse prépare la modulation en si mineur qui anime la neuvième variation, indiquée « Schnell ». Dans les arpèges en triolets de doubles croches s’abrite la mélodie. La dixième variation, « poco adagio », exige un « accompagnamento » à la fois « pianissimo e dolcissimo ». L’artiste paraît vibrer de son propos. Son toucher est à la fois
La onzième variation module du Ré au Sol et du 2/4 au 4/16, « sempre pianissimo dolcissimo ». En réalité, l’instabilité harmonique suspend le développement des variations, emmagasinant de l’énergie jusque dans les retenues sublimes quoique nullement surjouées (11’30). Tout se passe comme si
… d’où le recours abondant aux contretemps qui ont rarement mieux porté son nom !
Décidée, la douzième variation renoue avec les trois dièses à l’armature bien qu’elle fixe le fa dièse mineur plutôt que le La.
animent le jeu d’Ali Hirèche. L’impressionnante accélération finale, avec ses réflexes foufous, file vers une treizième variation « non troppo presto » mais preste quand même et bien balancée par ses mouvements contraires. La quatorzième variation, en 3/8, fournit andante des arpèges en doubles croches à la main gauche pendant que la main droite, à deux voix, fait la belle avec ses dixièmes (fa dièse – la , sol dièse – si). La partition est sublime, l’interprétation n’en perd rien.
D’un ternaire l’autre : sans autre transition qu’un silence fracassant, la quinzième variation s’amourache d’un si bémol mineur en 6/4 « poco adagio ». L’exécution est un exemple de maîtrise de clavier incluant l’exposition parfaite des trois voix (dont une partagée entre les deux mains) à la fois distinctes et unies. Le tout glisse vers la seizième variation « sempre pianissimo », en Fa dièse, s’il vous plaît. Quelle belle idée de finir le disque sur une démonstration de sobriété contenue, qui n’est certes pas facilité mais
que troublent à peine les signes de vie (17’21) prouvant que l’artiste a choisi la plus belle prise, pas la plus mignonne, et il a eu bien raison.
En conclusion, voilà bien un disque magistral, entre
qui, dès 2008, ne signalait pas l’arrivée d’un « petit prince du piano » mais la réalisation d’un musicien laissant une forte impression sur son auditeur. Au hasard des propositions de Laurent Worms, il était temps de le stipuler sur ce site !
